¿Cuáles son las esculturas de los siglos XVII y XVIII?

Después de la grandeza de las esculturas renacentistas, el estilo escultórico de este período tendía a ser tranquilo y natural, y el estilo estaba más influenciado por el arte barroco y rococó. Entre los escultores importantes de este estilo se encuentran Bernini, Falcone, etc. La escultura neoclásica apareció en el período posterior, y la más destacada fue Canova. Otro escultor que ha promovido el desarrollo del arte escultórico es Wu Dong. Los numerosos retratos escultóricos que creó han enriquecido las técnicas de expresión artística en este campo y tienen un significado pionero.

"Faunos interpretados por niños", este grupo escultórico de Bernini es una de sus primeras obras representativas. El contenido muestra la escena del fauno siendo jugado y entretenido por los niños. El movimiento y el ruido son el centro de esta obra. El cuerpo del fauno está inclinado hacia atrás, y sus dos brazos están delante y detrás, casi formando una línea recta. Toda la obra utiliza el tronco de un árbol como punto de apoyo. El tronco está lleno de frutos y bajo el árbol hay dos perros de caza. La composición de este grupo escultórico es vivaz y llena de movimiento.

Este grupo de figuras escultóricas no tiene la grandeza y el poder del Renacimiento, sino que es ligero y fluido, reflejando el estilo del arte barroco.

"Bathing Girl", Falcone representa el mayor logro de la escultura rococó francesa del siglo XVIII, y esta obra es su obra maestra. El autor muestra el momento en que la chica que se baña se quita la ropa y sus pies están a punto de entrar al agua, y utiliza técnicas creativas realistas para crear una imagen hermosa, elegante y pura de una mujer. La figura es regordeta y encantadora, con líneas suaves y tersas, formas simples y sencillas y una dinámica armoniosa y natural.

Las características del cuerpo elegante y estirado y el estilo de modelado realista de "La chica del baño" heredan claramente las características del arte rococó, al tiempo que integran el estilo simple del clasicismo.

"Retrato de Franklin" fue realizado por Wu Dong, lo que refleja la búsqueda de Wu Dong de representar la psicología de los personajes: dentro del alcance extremadamente limitado del busto, se esfuerza por resumir la experiencia de vida del personaje y las características. de la época en la que vive. La rigurosa forma del cuerpo de Franklin por parte del escultor hizo que su imagen pareciera solemne y serena, conteniendo una gran magnanimidad. La forma de toda la estatua fue manejada de una manera extremadamente resumida y concisa. El autor utiliza técnicas del realismo para retratar objetos de forma realista, escribiendo una página inmortal para el desarrollo del retrato escultórico. Franklin fue un activista social, escritor y científico estadounidense con una rica personalidad. "Retrato de Franklin" resume su experiencia de vida y las características de la época.

"El beso de amor despierta el espíritu" es una de las obras maestras de Canova y la obra que estableció su estilo escultórico neoclásico. Esta pequeña estatua está tallada con gran detalle, lo que demuestra plenamente las magníficas habilidades del autor. Las alas del Dios del Amor en la obra son extremadamente delgadas, de más de un metro de largo, pero no hay rotura ni daño alguno. La obra no sólo tiene una superficie extremadamente lisa, sino que también tiene un fuerte sentido de la forma y está llena de colores románticos. El beso de Cupido que se muestra en la escultura no es ni sensual ni apasionado. Despierta el espíritu del alma en un ambiente tranquilo. La estatua muestra la búsqueda del artista por la belleza formal.

"Los Caballos de Marly" es una obra del escultor francés Cousteau. El escultor se centró en dar forma al caballo, que era violento, majestuoso y difícil de controlar. Mantiene la cabeza en alto y tiene un impacto imparable. Al lado del caballo hay un jinete domesticador que intenta domar al feroz caballo. El contraste entre caballo y hombre en forma y fuerza transmite un espíritu invencible. En cuanto a las técnicas de talla, el escultor heredó evidentemente técnicas artísticas barrocas.

Apolo y Dafne

La italiana Bernini Dafne (Diosa Laurel) es una diosa muy hermosa que una vez se enamoró de Apolo, el hijo mayor de Zeus. Finalmente, un día Apolo no pudo contener su amor por la Diosa Laurel y comenzó a perseguirla.

Apolo y Daphne Bernini

Pero como el propio Apolo es el dios del sol, su cuerpo acumula mucha energía térmica, lo que hace que el laurel sea insoportable, y existe el peligro de quemar la piel. si se acerca. Así que cada vez que Apolo perseguía a Laurel, ella se escondía. Así, persiguiendo y escondiéndose, pero esta no es la respuesta después de todo. Finalmente Yuegui no pudo soportarlo más y gritó pidiendo ayuda. Su padre no pudo soportar el dolor de su hija, por lo que abrió una gran grieta en la tierra.

Laurel saltó y se convirtió en un gran árbol que crecía en la grieta. Desde entonces, el árbol se llama laurel. Apolo no sabía el motivo, pensando que Laurel preferiría convertirse en un gran árbol que estar con él. Hasta que un día, de repente se dio cuenta de que era porque tenía demasiado calor que el laurel se había convertido en un gran árbol. Apolo juró dejar un escudo para el laurel para siempre. Cuenta la leyenda que esto es lo que hoy conocemos como manchas solares, el escudo eterno dejado en el corazón del dios sol, el escudo que dejó para el laurel...

Grecia La persecución amorosa entre Apolo y Dafne descrita en el mito es una historia muy atractiva, y a muchos artistas les gusta utilizar este tema en sus creaciones. La más famosa de ellas es la estatua tallada por Giovanni Lorenz Bernini.

En 1623, Bernini decoró el jardín del cardenal Spione Porgez en Roma con cuatro grupos escultóricos, entre los que "Apolo y Dafne" era uno de ellos. Ahora en la colección del Museo Boggs de Roma, Italia.

La estatua muestra el momento en que la mano de Apolo toca el cuerpo de Dafne. Ambos están en el movimiento de montar en el viento, sus cuerpos son ligeros y elegantes. El cuerpo de Daphne ha comenzado a convertirse en un laurel, sus piernas voladoras se han convertido en troncos de árboles y se han plantado en la tierra, han crecido hojas entre su cabello suelto y sus dedos extendidos, e incluso sus pechos más suaves han quedado cubiertos con una fina capa. ladrar. Pero todo el cuerpo de Daphne todavía mostraba una postura de volar en el aire, con sus brazos y cuerpo formando una elegante forma de S. Ella inclinó la cabeza, sus ojos pasaron del miedo al entumecimiento, con un sentimiento de lástima. Apolo vio a Dafne convertirse en un laurel, su expresión cambió de sorpresa a tristeza, pero no pudo restaurarla. Una de sus manos todavía está sobre el cuerpo de Daphne, mientras que la otra se extiende en diagonal hacia abajo, formando una línea recta con el brazo de Daphne, dando a toda la estatua una sensación de turbulencia y llena de expresividad.

Esta obra de Bernini fue creada imitando el estilo escultórico griego tardío. La trama dramática hace que la estatua esté profundamente arraigada en los corazones de las personas. La postura de toda la obra es impecable, no importa desde qué ángulo se mire, las dos figuras son tan elegantes como una danza. Esta obra fue realizada por Bernini para uno de los cardenales más poderosos de la época. Inmediatamente después de su publicación causó sensación en toda Roma y todos los que la vieron quedaron conmovidos.

Giovanni Lorenz Bernini, escultor y arquitecto italiano, fue el mayor maestro de arte del siglo XVII. Nació en 1598 y murió pocos días después de cumplir 82 años. Fue el último de una larga lista de artistas destacados y versátiles. Precisamente gracias a los esfuerzos de estos pueblos, Italia ha sido la luz del mundo occidental durante tres siglos.

Como líder del arte barroco italiano, se puede decir que Bernini es versátil. Es bueno escribiendo y pintando, y tiene un legado del Renacimiento. Se escribió entonces sobre Bernini: "Se representó una obra popular en la que pintó el decorado, esculpió las estatuas, inventó las máquinas, compuso la música y compuso la comedia. Él escribió y construyó el teatro". La influencia que dio a su época no tiene rival en la historia.

Bernini nació en Nápoles. Su padre también era escultor. En 1605, su familia se trasladó a Roma. Se dice que cuando tenía 8 años hizo un retrato de un niño, lo que conmocionó a su padre. A la edad de 17 años, pudo hacer de forma independiente un muy buen busto para el arzobispo Sardonio. Posteriormente conoció al famoso cardenal Spione Porgez. Cuando Bernini recién empezaba, Porgez le encargó una serie de obras para decorar su jardín. A través de la producción de estas obras, Bernini mostró por primera vez su talento, logró un éxito inesperado y ganó una gran reputación. "David", que compuso en 1619 (algunos piensan que fue en 1623) es uno de ellos.

Los personajes de Bernini están siempre en intenso movimiento. El mármol parece haber perdido peso en sus manos y las ropas de los personajes siempre ondean suavemente con el viento, dando a la gente una sensación de ligereza, vivacidad e inquietud. El número de cuerpos humanos representados por Bernini no es menor que el de Miguel Ángel, y expresa mejor tramas dramáticas y cuerpos humanos en intenso movimiento.

La esencia del teatro de Bernini es la misma que la esencia de su arte. Rompe con los estereotipos y establece un contacto directo y a menudo inesperado con su público. Era conocido por utilizar fuego real durante sus actuaciones, y en un momento incluso inundó el escenario con agua, convirtiendo al público en artistas entusiastas, al menos por un momento.

El ejemplo más destacado del arte maduro de Bernini es la Capilla Cornaro de Santa Maria della Vittoria en Roma. Comenzó a explorar y avanzar desde el principio de su carrera artística, y llegó a este punto. La capilla fue encargada por el cardenal Cornaro y está ubicada en un pequeño crucero de la capilla. La pieza central es "La adicción de Santa Teresa", que representa una experiencia mística de Santa Teresa de Ávila, la gran reformadora carmelita española. Teresa soñó que un ángel atravesaba su corazón con flechas llameantes del amor de Dios. Bernini basó su creación artística en las circunstancias narradas por la propia Teresa. La postura de la estatua es la del santo obsesionado que se desmaya en la ilusión del espacio. La portada tiene una cortina de gasa colgando y está colocada en un nicho sobre el altar, iluminado por una luz aérea. Esta obra combina muchos elementos de las artes arquitectónicas y decorativas de manera metódica y en capas. En los espacios a izquierda y derecha, similares a los palcos de la ópera, se puede ver a muchos miembros de la familia Cornaro hablando, leyendo o rezando, y todos parecen llenos de energía. La Capilla Cornaro encarna perfectamente el ideal de Bernini de imágenes tridimensionales. Las figuras de Santa Teresa y los ángeles están talladas en mármol blanco, pero el espectador no puede distinguir si son tridimensionales o simplemente un relieve profundo. La luz natural forma parte integral de esta escultura, brillando con una luz dorada encima y detrás de las dos figuras desde una fuente de luz oculta. El Encanto de Santa Teresa no es una escultura en el sentido tradicional, sino una pintura de paisaje organizada. Se compone de esculturas, pinturas y luces, y también incluye a los fieles en los dramas religiosos.

El mayor logro arquitectónico de Bernini es la columnata que rodea la plaza frente a la Basílica de San Pedro. La función principal del enorme espacio es dar cabida a las masas que vienen a escuchar las bendiciones del Papa en Semana Santa y otras ocasiones especiales. El diseño de Bernini era un enorme patrón ovalado y un vestíbulo trapezoidal conectado a la iglesia. Usó esta forma para comparar la iglesia con la madre, con brazos rodeándola. Para satisfacer las necesidades de un sitio al que se puede acceder libremente, diseñar columnas independientes es una solución revolucionaria. La plaza guía a los visitantes hacia la iglesia y compensa las deficiencias de la fachada excesivamente amplia de la Basílica de San Pedro. En el centro de la plaza ovalada de Bernini se encuentra el obelisco del Vaticano que Sixto V trasladó al frente de la iglesia en 1586. Bernini trasladó una fuente construida por Maderno al eje longitudinal de la plaza y añadió una idéntica en el lado opuesto para lograr un escenario perfecto. Este diseño es similar a la imagen de la Piazza Sant'Andrea en Quirinal diseñada por Bernini, pero el significado y la función son diferentes, pero los dos patrones ovalados son igualmente refrescantes.

La decoración religiosa más hermosa de Bernnini es el trono de San Pedro, también conocido como la silla papal, completado entre 1657 y 1666. Se añadió una superficie de bronce dorado al trono papal (asiento) de madera medieval. La tarea de Bernini no era sólo decorar la silla, sino también crear una meta significativa en el ábside de la Basílica de San Pedro para las visitas a la catedral. La apariencia del trono está respaldada por estatuas de bronce de cuatro figuras famosas: los primeros teólogos cristianos San Ambrosio, San Atanasio, San Juan Crisóstomo y San Agustín. Arriba están los halos dorados de los ángeles en las nubes y los rayos del Espíritu Santo pintados en las ventanas ovaladas. La iluminación natural a través de la cual aparece el Espíritu Santo se convierte en un símbolo visible del flujo continuo de la misericordia de Dios a través de la Iglesia hacia el mundo entero. La Seat se creó aproximadamente al mismo tiempo que la Piazza, y la marcada diferencia entre las dos obras muestra la versatilidad de Bernini, que es realmente asombrosa. Ambas obras fueron creadas para el Papa Alejandro VII (que reinó entre 1655 y 1667), quien nació en la familia Ziggy.

El Éxtasis de Santa Teresa

Bernini italiano Giovanni Lorenz Bernini fue un escultor, arquitecto italiano y uno de los principales representantes del arte barroco, también se puede decir que es el. fundador del arte barroco.

Esta estatua masculina desnuda de tamaño natural recuerda a la gente la disposición espacial del barroco romano y el estilo majestuoso de Miguel Ángel. Cuando Wu Dong tenía 35 años, creó otra obra impresionante, "Diana". La obra ya causó revuelo incluso antes de ser expuesta. La imagen es un desnudo femenino, inusualmente regordete, redondo, terso, conciso y grácil, con una expresión implícita y vivaz. La diosa aterrizó sobre un pie, con todo el peso de su cuerpo apoyado sobre los dedos de los pies, dando a las personas una belleza ligera y delicada. Los movimientos coordinados de sus manos que sostienen el arco y la flecha y de todo su cuerpo, especialmente su cabeza levantada y su mirada atenta a la dirección de la marcha, dan a la estatua una fuerte sensación de movimiento, que es extremadamente exitosa. En sus obras, Wudong combina hábilmente el clasicismo tradicional con la belleza curvilínea rococó. Las dos obras "Dios del sueño" y "Diana" son el resumen del estilo clasicista idealizado de Wudon.

El amigo y escritor de Diderot, Grimm, señaló una vez que se puede decir que Houdon fue el primer escultor que supo representar ojos humanos. Los métodos y técnicas de Wudong para dar forma y tallar los ojos son diversos, y abre profundamente los misterios del alma de las personas con sus exquisitas habilidades de acabado. Los retratos que inspiró son heroicos y sabios, o amables y reservados, todo lo cual da a la gente un sentimiento cristalino, transparente y rico. El segundo año después de que Wudong obtuviera el título de Académico de la Real Academia, es decir, cuando tenía 37 años, fue su año más fértil en la creación, con destacados retratos escultóricos como "Voltaire", "Molière" y " Rousseau", "Franklin", etc., todo sucedió en este año. Entre ellos, "Voltaire" y "Molière" son los más exitosos. Ambos reflejan las características distintivas de la época y las características individuales. La capacidad de Wudong para crear tantos retratos destacados de figuras avanzadas de la época con características personales distintivas y profundidad ideológica es inseparable de sus ideales sociales y conceptos estéticos progresistas. Una vez dijo: "Una de las características más singulares de un arte de talla tan difícil es que puede tallar a aquellos que han ganado gloria y creado felicidad para la patria en casi la misma forma manteniendo toda la autenticidad de sus características. Imagen inmortal. Esta idea continúa siguiéndome e inspirándome en mi trabajo artístico a largo plazo: "Esta es la grandeza de Wudong. A la edad de 62 años, Wudong recibió el título de escultor jefe de la Real Academia y profesor de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura. Influyó directamente en Lüder, Carbo y Rodin, quienes también fueron sus entusiastas admiradores.