¿Cuáles son las similitudes y diferencias entre el clasicismo y el neoclasicismo en la historia del arte?
El clasicismo ha entrado y salido del contexto de la historia del arte muchas veces: comenzando en Grecia y Roma, reapareciendo en el Renacimiento en el siglo XV y en el neoclasicismo en el siglo XVIII. -situación moderna del siglo XX, se ha adherido al arte visual de una manera multifacética, astuta y obstinada, convirtiéndose en un lenguaje visual contemporáneo que no puede ser ignorado. Este artículo explorará la estética y las estrategias de implementación del clasicismo renacentista, así como el contexto histórico del clasicismo y la presencia clásica del arte contemporáneo, con el fin de desarrollar la energía de la estética clásica.
Las estrategias de implementación y la estética del clasicismo durante el Renacimiento
Las características, la estética y los métodos de implementación del clasicismo sentaron una base visual sólida en los períodos griego y romano, y en el Renacimiento durante En este período, esta tradición fue considerada como una norma racional con diversos métodos y estructuras, lo que permitió que su poderosa fuerza continuara con su forma unificada, estructura estricta y orden regular más de dos mil años después.
El antiguo filósofo griego Aristóteles comenzó a diseccionar animales en el siglo IV a.C. para observar el mundo real con un sentido de indagación; a principios del siglo XIII, Bronn estableció la primera escuela de medicina y los artistas aprendieron esto; un estudio anatómico de los tejidos, músculos y huesos dentro del cuerpo humano para comprender la estructura del cuerpo. Y explore profundamente la estructura del cuerpo humano, rompiendo las limitaciones visuales de la expresión externa. En 1435, Alberti (1404-1472, arquitecto, artista, músico y poeta italiano) creía que los artistas debían aprender los conceptos básicos de la pintura diseccionando el cuerpo humano: desde el ejercicio temprano de la estructura muscular hasta la representación de cuerpos humanos artificiales y más tarde expresiones naturales maduras. , la anatomía humana se ha convertido en una habilidad esencial para que los artistas representen el cuerpo humano. A principios del siglo XVI, la anatomía humana se convirtió en el tema más interesante para todos los artistas florentinos. Leonardo da Vinci utilizó una asombrosa cantidad de bocetos (Figura 1) para estudiar y practicar la anatomía humana, de modo que sus pinturas al óleo pueden brindarnos una experiencia visual perfecta con imágenes elegantes y naturales. Y las obras de Miguel Ángel, debido a la extensión del expresionismo personal, están llenas de hombres y mujeres musculosos. Incluso en las representaciones de bebés, sus extremidades están representadas con músculos exagerados y nervudos, y un amor descarado por la anatomía. B$pE9l+E:B$ Para representar con éxito un plano tridimensional, los artistas del Renacimiento desarrollaron varios métodos de perspectiva, algunos basados en la observación real, como los clasicistas tradicionales, y otros basados en el método de la mecánica geométrica. El observador real proviene de la experiencia visual del espectador y puede expresar un punto de vista subjetivo. Por ejemplo, "La ejecución de Santiago" de Andrea Mantegna (Figura 2) coloca el punto de vista más allá del límite inferior de la imagen, creando una imagen noble, audaz y dramática de abajo hacia arriba. Sin embargo, según la medición mecánica de la geometría, se utilizan uno o dos puntos de fuga para ayudar a la perspectiva, y los puntos de fuga supuestos en el espacio se utilizan para producir un efecto tridimensional de profundidad de gradiente.
La perspectiva mecánica se basa en conceptos teóricos y puede causar fácilmente efectos visuales antinaturales; pero si se combina con la observación real, los artistas pueden expresar el espacio de una manera más ordenada y natural, haciendo que el plano parezca profundo. de personajes se ajustan a esta estructura espacial, armonizan el volumen y la relación espacial entre personas y objetos, y logran un estado más perfecto de descripción realista. Por ejemplo, las proporciones de los edificios, pisos, escaleras y personas representadas por Rafael en la Academia de Atenas (Figura 3) están cuidadosamente construidas según la perspectiva para expresar una profunda sensación de espacio. La aplicación del principio de la perspectiva en la expresión artística durante el Renacimiento se convirtió en una técnica clásica muy valorada y ampliamente utilizada porque ayudaba a expresar el espacio real tridimensional. Red de recursos para la educación artística de China
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La estructura espacial perfecta no sólo proviene de la ayuda de la perspectiva, sino que también depende de la experiencia de observación acumulada del artista; la actuación humana perfecta depende no sólo de la combinación correcta de proporciones, sino también de los músculos resumidos y ordenados en anatomía y estructura ósea. Para las pinturas y esculturas del Renacimiento, la relación entre "personas" y "espacio" representa la comprensión y exploración del mundo por parte de un individuo. La búsqueda de la perfección requiere una cognición racional para idealizar las condiciones imperfectas de la vida real.
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Miguel Ángel utilizó la estructura idealizada del cuerpo humano y la belleza estándar. Su estructura musculosa rinde homenaje al santo patrón de Florencia. En la Escuela de Atenas (Fig. 3), Rafael sitúa a un grupo de profetas bajo una luz inequívoca según su importancia. En "Mona Lisa" (Figura 5), Leonardo da Vinci utilizó una composición en forma de pirámide para colocar al personaje en el centro de la imagen, utilizó una "perspectiva aérea" para expresar la naturaleza del fondo y utilizó una impecable proporción áurea, luz. , y representación facial que muestra la expresión pacífica y misteriosa de la mujer.
La gente del Renacimiento creía que los humanos debían equilibrar sus diversos talentos e intereses no sólo en el arte sino también en la vida. Leonardo da Vinci dijo una vez: "¿Sabías que nuestra alma está hecha de armonía? Cuando prestamos igual atención a la estructura de todas las partes de las cosas, la armonía surge naturalmente".
# y4kf 1 | _ vup www.xsart.net La creencia de Leonardo da Vinci en la búsqueda de la armonía en la vida es muy obvia en la película "La era de los maestros": En la película, Leonardo da Vinci está pintando la "Mona Lisa" en el estudio, y los músicos están tocando música, mientras Leonardo dejaba su pincel para estudiar su invento inacabado y luego tocaba un instrumento. Ya sea que estas acciones se superpongan o ocurran una tras otra, crean una estética armoniosa entre el estudio y la vida.
/K? \+x;W % t % U & ampH)rmo|El control de la gente del Renacimiento sobre sus propios talentos e intereses es como el maestro del universo que controla las estrellas en órbita, que es ordenado e ininterrumpido. Creen que los humanos pueden dominar el equilibrio y la armonía del universo ("Libro de los cambios": el cielo se mueve vigorosamente y un caballero se esfuerza por superarse).
En los dos mil años de vida del clasicismo, el Renacimiento del siglo XV jugó el apogeo de su destino. Sin embargo, antes del Renacimiento, había dos tendencias artísticas diferentes en la historia del arte occidental: la tradición clásica de Grecia y Roma y el arte de la Edad Media. Aunque la civilización occidental partió de la cultura clásica de Grecia y Roma e influyó profundamente en el desarrollo del Renacimiento, la cultura religiosa de la Edad Media acabó con la continuación de esta tradición.
|3B*Z0u }1P El desarrollo del clasicismo griego en su edad de oro (480-430 a. C.) utilizó la cognición humanista racional e idealizada en el arte, la arquitectura, la filosofía, la poesía y el teatro. realizado en otros aspectos. En esta exploración humanista diversificada, también se inyectan muchos cuentos de hadas famosos para explicar la esencia de la naturaleza humana y el significado de la vida. Entre ellos, el dios del sol Apolo es considerado el representante de la razón y el dios del vino Dioniso es el representante de la sensibilidad. Estas características binarias opuestas siguen apareciendo en el curso de la vida humana. Este es el "arquetipo" que los seres humanos deben afrontar para sobrevivir, y también es el destino trágico que los seres humanos no pueden evitar. Friedrich Nietzsche también creía que este espíritu dualista es la fuerza de interdependencia y crecimiento del cuerpo y el espíritu humanos en la tragedia griega, y su equilibrio es el pensamiento filosófico que lleva adelante las características racionales y armoniosas del clasicismo griego. Después de que Roma conquistó el mundo y estableció un imperio en territorio griego, la tradición clásica de Grecia no fue destruida, al contrario, los romanos utilizaron como modelo el clasicismo griego, mostraron su belicosidad y secularismo, e integraron la cultura de las zonas que conquistaron; , desde Inglaterra hasta Egipto, desde España hasta el sur de Rusia, se fusionaron para crear el clasicismo romano. Además de las reglas tradicionales, crearon arcos y cúpulas para aumentar el espacio práctico del edificio. Por otro lado, en las esculturas y algunas pinturas heredadas de la antigüedad, debido a su belicosidad, suelen estar dominadas por figuras conmemorativas realistas, como emperadores y generales, que se diferencian de las figuras mitológicas griegas. Aunque Grecia y Roma tenían diferentes antecedentes cognitivos humanistas en la expresión del clasicismo, ambas heredaron y completaron las características de equilibrio, idealización, armonía y racionalidad en la arquitectura, la escultura, la pintura, etc., sentando las bases tradicionales de la civilización occidental.
Sin embargo, este profundo logro clásico se derrumbó debido a la invasión bárbara en el siglo V d.C. y con el surgimiento de la fe cristiana en el siglo I d.C., la gente comenzó a cambiar su comprensión de la vida, por lo que se asociaron; La salvación con el "pecado original" inherente sirve como la principal expectativa y obra en esta vida, y esperanzas de reforma en la próxima vida. En este sentido, en el pasado, la visión griega y romana de la vida se basaba en la creencia de que la vida existe en este mundo y es dueña de este mundo. Sin embargo, los hombres de la Edad Media, una vez terminada su vida, se encomendaban al más allá y consideraban la religión como moneda de cambio para su paso al más allá.
Aunque en la Edad Media se desarrollaron magníficos edificios de iglesias y había complejos patrones decorativos dentro de las iglesias, percepciones humanistas tan diferentes hicieron imposible que la tradición clásica continuara.
Por ejemplo, en la Edad Media, la gente consideraba a Dios como el único creador y creía que los personajes realistas representaban el mundo tangible, por lo que se sospechaba que las descripciones realistas ofendían a la religión. En esta era religiosa, sólo se permite el modelado irreal, estilizado y conceptual para expresar una cognición abstracta que obedece a la religión y ayuda a los humanos a entrar en la otra vida. El clasicismo quedó sofocado por tales conceptos religiosos y permaneció latente durante casi mil años. No fue hasta el Renacimiento en el siglo XV que revivió. Este período medieval también se conoce desde una perspectiva clásica como la "Edad Oscura". v%o#P d ~j ~
H/R%Z8a%u8 `Red de recursos para la educación artística de China Los artistas del siglo XV se liberaron del control de la compleja filosofía y la iglesia de la Edad Media y comenzaron darme cuenta de que soy un individuo independiente que busca la verdad. Creían que eran el centro del universo y que podían darle sentido al mundo a su manera, pero por lo tanto no necesitaban depender de un Dios imaginario o abstracto y sus enseñanzas para sobrevivir. El clasicismo, que representa la civilización griega y romana, se convirtió en el objeto de investigación de su exploración del concepto de ser humano y el foco de su búsqueda de la cognición racional. En ese momento, Florencia se convirtió en el "nuevo canon asiático" para los artistas y eruditos del Renacimiento.
En términos de expresión artística, las esculturas de figuras y las pinturas de principios del Renacimiento comenzaron a mostrar la humanidad. Su volumen, proporción, luz y color muestran efectos naturales y reales, y los personajes están retratados vívidamente mediante una expresión tridimensional. Esculturas como "San Kyle" de Donatello (Fig. 8) se basan en el estilo clásico tradicional, colocando el peso del cuerpo del santo sobre una pierna para mostrar una verdadera postura autónoma, pinturas como "El nacimiento de Venus" de Botticelli; (Fig. 9) muestra la mitología clásica y representa vívidamente a la elegante Venus, sus asistentes y el dios del viento. Ya sea desnuda o con una falda fina, hay expresiones físicas sustanciales, y el paisaje y los edificios alrededor de la imagen también se procesan según el principio de la perspectiva. Red de recursos para la educación artística de China/V LY+K; Compañía General Electric
www . Mientras los primeros artistas del Renacimiento exploraban y expresaban los principios del clasicismo, los tres famosos maestros del Renacimiento, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael, se comprometieron a practicar el concepto griego de perfección e impulsar el espíritu del clasicismo como el primero. Como propuso el arquitecto del siglo XIX Vitruvio, el cuerpo humano representa un estándar de proporción: cuando nuestras manos y piernas se enderezan, simplemente forman un cuadrado y un círculo "perfectos", mientras que, mirando las matemáticas, Leonardo da Vinci, que creía en la verdad suprema, amplió este concepto y creía que "toda investigación de la verdad humana debe analizarse a través de las matemáticas" y dibujó el cuerpo humano pintado por Vitruvio (Figura 10): "Bajará la altura de su cuerpo a 1/14 de su altura original, y luego levantará los brazos de modo que tus dedos medios queden a la misma altura que tu cabeza. En este momento, tus extremidades formarán un círculo perfecto, con tu ombligo en el centro, y el espacio entre tus piernas debe formar un triángulo equilátero. 》
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