¿Cuál fue el estilo dramático de la época victoriana?
Fuente: "China Reading News" 20 de febrero de 2013
Desde la Edad Media hasta la época de Shakespeare y el siglo XVIII de Richard Sheridan, el teatro siempre ha ocupado un lugar en la historia de la literatura británica. posición importante. Pero durante la época victoriana, es decir, durante los 64 años en que la reina Victoria gobernó Gran Bretaña de 1837 a 1901, la situación de la literatura dramática británica no sólo no pudo competir con la prosperidad de la poesía y la novela de aquella época, sino que también fue criticada. del crítico de teatro William Archer (William Archer, 1856-1924) conocida como la "Edad Oscura". Archer fue el principal traductor al inglés de las obras de Ibsen. Su conclusión se basó en el serio valor literario de los guiones dramáticos y los estándares del movimiento del "nuevo drama" que defendía. Antes de 1890, los únicos temas serios que tenían un lugar en los escenarios londinenses eran T. W. Robertson (1829-1871), Arthur Pinero (1855-1934) y Henry Pinero (1855-1934). Algunas obras de Henry Arthur Jones (1851-1929). ).
De hecho, no había muchas obras a principios y mediados de la era victoriana. Las representaciones teatrales en Londres eran espectaculares y el arte teatral también experimentó cambios profundos. A mediados de la época victoriana, algunos dramaturgos comenzaron a explorar dramas realistas que reflejaban temas serios, lo que dio origen al nuevo drama defendido por Archer. Sin embargo, los nuevos dramas que se hicieron populares después de 1890 no abordaron los profundos problemas sociales de la época victoriana. En cambio, Oscar Wilde (1854-1900), un genio alternativo que estaba alejado de la sociedad en general, utilizó su humor y su sátira a la perfección. combinan comedia costumbrista y temas realistas La tierra se combinaron para traer un soplo de aire fresco a la escena teatral de Londres. Todo esto proporcionó un terreno fértil para las obras de George Bernard Shaw (1856-1950). A partir de la primera obra "The Widower's Estate" (1892), en el momento de la muerte de la reina Victoria en 1901, George Bernard Shaw había representado o publicado 11 obras, guiando con éxito el drama británico por el camino del drama moderno y preparando el escenario para El siglo XX. La prosperidad del teatro británico en el siglo XIX estaba bien preparada.
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Ver y reseñar obras de teatro siempre ha sido una parte importante de la vida cultural británica, y la época victoriana no fue una excepción. Además de los guiones dramáticos extranjeros que se utilizaban a menudo en los teatros, dramaturgos británicos escribieron más de 30.000 guiones a principios y mediados de la era victoriana. La mayoría de las obras están adaptadas arbitrariamente o compiladas en base a otras obras de teatro o novelas y no tienen un gran valor literario. Lo que llenaba los escenarios londinenses de aquella época eran en su mayoría melodramas exóticos y farsas superficiales muy alejadas de la vida real. El repertorio tradicional de Shakespeare y Sheridan suele estar mal interpretado. "El público que se reunía en los teatros del siglo XIX carecía de la inteligencia y la imaginación de aquellos finos públicos que acudían al Globe o al Black Monk Theatre para ver las obras de Shakespeare y sus contemporáneos. Los dramaturgos de la época se dedicaban principalmente a algunos." teatros o actores escriben obras para satisfacer las necesidades comerciales del teatro. La persona más exitosa en este sentido fue Dion Boucicault (1820-1890), guionista, actor y productor. Escribió más de 400 obras de teatro durante su vida, pero el dramaturgo irlandés descubrió que sus melodramas carecían de poesía. Aunque sus obras no fueron muy apreciadas, tuvieron mucho éxito como representaciones comerciales en ese momento. Además de adherirse a las tradiciones y costumbres en términos de temas y técnicas de escritura de guiones, hizo pleno uso de los avances tecnológicos en rápido desarrollo en ese momento en sus representaciones teatrales para crear efectos escénicos audaces y emocionantes, e hizo que el escenario fuera lujoso y hermoso. El realismo de las escenas escénicas y los efectos de la música y la iluminación atrajeron profundamente al público en la representación de "Calles de Nueva York" en 1857, Dean Buschko también utilizó con éxito la primera escenografía de la historia.
El crítico dramático Michael R. Booth argumentó en su artículo "In Defense of Nineteenth-Century British Drama": "En lugar de decir que el drama ha 'declinado', es mejor decir que el drama ha estado en declive". nueva sociedad Para crear escenas más realistas de la vida real en el escenario, la gente utilizó muchos medios tecnológicos avanzados en ese momento.
Por ejemplo: en la década de 1880, se usaban luces eléctricas en lugar de luces de gas, y se usaban luces para crear diferentes ambientes climáticos en el escenario. Algunos dispositivos mecánicos hidráulicos pueden crear escenas de cascadas artificiales en el escenario, y los actores pueden correr por la cascada en consecuencia; a la trama. A medida que los académicos realizan investigaciones en profundidad sobre el arte teatral en el siglo XIX, la gente ha descubierto que la etapa de "autenticidad arqueológica" que surgió en Alemania también jugó un papel importante en la era victoriana. El llamado escenario "arqueológicamente auténtico" se refiere a la forma de presentación escénica que fue popular en Alemania, Francia y el Reino Unido en el siglo XIX. Los diseñadores de arte escénico utilizan métodos meticulosos como la investigación arqueológica para cubrir el alcance del arte escénico. escenografía, utilería y vestuario. Los detalles se restauran a la realidad histórica en la medida de lo posible para lograr un efecto realista o falso y crear una ilusión en el escenario para que el público se olvide de la realidad del escenario.
En las actuaciones del West End de Londres, el escenario de "autenticidad arqueológica" es popular. Durante sus nueve años como director del Princess Theatre, de 1850 a 1859, Charles Kean (1811-1868) ensayó las obras de Shakespeare en un escenario "arqueológicamente auténtico". En "Enrique VIII", la escena callejera de Londres durante el reinado de Enrique VIII se reprodujo en el escenario y obtuvo los elogios del público. Además de los estrictos requisitos para el diseño del escenario y el vestuario de los personajes, el escenario de "autenticidad arqueológica" también requiere que los actores tengan figuras que se asemejen a figuras históricas. Cuando Henry Irving interpretó a Ricardo I en la obra "Ricardo I", estudió cuidadosamente el retrato pintado por Van Dyck y se maquilló de acuerdo con el retrato. Algunos críticos dijeron después de ver la actuación de Irving que "parecía haber salido del marco del retrato de Van Dyke y haber recibido vida". Otro actor de finales de la época victoriana, John Ryder, se quejó una vez: "¿Crees que me contrató porque tengo?" ¿El potencial para ser actor? ¡Para nada! Me contrató porque tengo una figura adecuada para exhibición arqueológica". Se puede ver que en la búsqueda de la "autenticidad arqueológica" en escenarios paisajísticos y personajes escénicos estilo retrato, Actores y los guiones pasan a un segundo plano y la energía y la poesía del arte dramático son reemplazadas por decorados y vestuario realistas. En ese momento, muchas personas en la industria del teatro desafiaron abiertamente esta forma de representación escénica que ignoraba guiones y actores.
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De 1860 a 1890, muchos dramaturgos intentaron encontrar una manera de salvar el teatro británico y comenzaron a escribir algunos temas relacionados con la vida real de aquella época. Las obras de Robertson ahora parecen insatisfactorias, pero su "Clase", creada en 1867, reveló el tema de los matrimonios mixtos entre diferentes clases a través de las diferencias de clases de una manera audaz y realista sin precedentes, mostrando la vida británica real y abriendo la realidad británica al pionero del drama socialista.
A finales del siglo XIX, hubo una tendencia a defender el nuevo drama en Gran Bretaña, liderada por el crítico dramático Archer e incluyendo a dramaturgos como Bernard Shaw, William Pugh y Harry Granville Barker. Los defensores del nuevo drama siguen a Ibsen como modelo y defienden que el drama debe reflejar la realidad de la vida, revelar los problemas sociales y morales contemporáneos y permitir al público reconocer la realidad con claridad y tomar decisiones correctas. Si bien criticó el drama del siglo XIX por entregarse a placeres superficiales, Archer propuso un nuevo modelo dramático que combinaba métodos creativos realistas con las técnicas dramáticas del "drama de obra maestra" e inyectaba el tema del "drama problemático".
En 1882, Archer mencionó a dos dramaturgos prometedores: Pinnello y Jones en su "British Playwrights of Today". Pinnello nació en Londres y comenzó a escribir obras de teatro en 1874. Trabajó duro para alejar sus obras de la influencia de los melodramas populares en ese momento, explorando constantemente personajes y esforzándose por lograr una mayor profundidad y diversidad en temas y tramas. Su tema favorito era el tema "mujeres con un pasado turbio". Su "La segunda dama de Tangarey" puede considerarse una obra maestra del drama social británico. La popular actriz de la época, la señora Parryk Campbell, protagonizó Paula, la secuela de Tangri. La búsqueda de Pinnello de los mejores efectos escénicos y temas acordes con la moral y las costumbres tradicionales hizo que la actuación fuera un gran éxito. Una historia interesante, sin demasiado pensamiento filosófico sobre el significado de la vida, sin el deseo de educar a la audiencia, o incluso un dilema personal profundo y oscuro, hizo que Pinnero fuera fácilmente elogiado como escritor representativo del nuevo drama defendido por Archer. En 1895, escribió "La notoria señora Abby Smith", en la que la señora Campbell volvió a protagonizar. Pinnello pronto se ganó el título de "dramaturgo de temas sociales".
Las obras de Jones, contemporáneo de Pinnello, se acercan más a los estándares de dramas de calidad y dramas de realidad social defendidos por Archer.
Jones comenzó a escribir obras de teatro en 1869 y se hizo famoso en 1882 con "The Silver King". El guión de Jones era muy adecuado para representaciones comerciales en ese momento, pero tenía temas un poco más serios que las representaciones comerciales, por lo que fue más popular entre la audiencia. "Lady Dane's Defense" y "Susan's Box" establecieron la posición de Jones en el nuevo movimiento dramático. La obra hace un uso extensivo de técnicas de escritura como la narración, el monólogo y las escuchas ilegales comúnmente utilizadas en la tradición dramática británica, y da vida vívidamente a temas como la conducta sexual inapropiada, los matrimonios mixtos entre diferentes clases sociales y la oposición secreta de los jóvenes a sus mayores que preocupan a algunos públicos londinenses. Representados en sus propias obras, algunos críticos lo consideran un verdadero victoriano. ?
Aunque Pinnello y Jones observaron y registraron sus tiempos y, a juzgar por sus exitosos registros de desempeño comercial, no es exagerado decir que atendieron los hábitos de apreciación y las necesidades estéticas del público. Esto también permitió a los dos dramaturgos alcanzar el objetivo de toda su vida de ser aceptados por la sociedad. Los dos dramaturgos a quienes Archer elogió tenían miedo de ser ignorados por el público y les preocupaba alejarse del público. En busca del éxito de las representaciones comerciales, abandonaron sus propias actividades artísticas. En cierta medida, se puede decir que estos dos dramaturgos registraron su época y también participaron en la construcción de la moral y las modas de su época, incluidos algunos corruptos. costumbres y morales que violan la naturaleza humana. Sus obras son bienes de consumo artístico estándar que cumplen con los requisitos sociales. Una poderosa moral social y costumbres tradicionales controlan y cambian silenciosamente a la audiencia, así como a los propios artistas.
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Por un lado, la clase media que surgió en el siglo XIX participaba activamente en prácticas comerciales con fines de lucro y, por otro lado, planteaba el lema de "decencia y decencia" para mantener sus rígidas normas morales sociales. Muchos artistas descubren que este aburrido código moral social suprime la creatividad, obstaculiza la búsqueda de la verdadera individualidad y obstaculiza el desarrollo social. Para mantener la innovación artística, muchos artistas de mentalidad modernista del siglo XIX optaron primero por alienarse de la sociedad de la época y aislarse. Esta forma de luchar contra la clase media hizo sufrir mucho a estos artistas.
Wilde, contemporáneo de Pinnello y Jones, tomó un camino completamente diferente al de ellos. Para expresar sus sentimientos únicos y capturar la comprensión sutil de la vida, Wilde persiguió activamente una vida alejada de la sociedad. Constantemente creaba cosas nuevas para demostrar que podía ver con claridad y hablar en broma. Oscar Wilde fue un talentoso artista británico de finales del siglo XIX lleno de espíritu rebelde. Sus creaciones incluyen obras de teatro, novelas, poemas, reseñas, ensayos y cuentos de hadas, etc., pero fueron sus obras dramáticas las que le valieron a Wilde su fama. Se puede decir que cada una de sus obras dramáticas fue bien recibida. En un momento, tres de sus obras se representaron en los escenarios de Londres al mismo tiempo. Su obra ha sido considerada la mejor comedia desde "The Rumor School" de Sheridan.
Como maestro del esteticismo que defendió sorprendentemente la idea del "arte por el arte" y declaró que "todo arte es amoral", la teoría de Wilde estaba tan llena de espíritu rebelde como su personaje. Sus creaciones están llenas de ingenio e interés y llenas de paradojas parecidas a la verdad. El comentario de Pearson lo resume mejor: "Nadie ha dicho tantas palabras sabias bajo el pretexto de una paradoja. Al cambiar su perspectiva, obliga a su audiencia a ver la vida desde una perspectiva inusual, ampliando así el alcance de la verdad". Las mayores contribuciones de Wilde son sus cuatro comedias y una tragedia. Estas obras dramáticas que le dieron fama mundial se completaron en cuatro años, y la mayoría de ellas fueron escritas mientras estaba de vacaciones. "Lady Windermere's Fan" fue escrita cuando estaba de vacaciones en Windermere, al norte de Inglaterra, en 1892. Cuando estaba. Al escribirlo, el topónimo Windermere se convirtió en el nombre de su protagonista.
El abanico de Lady Windermere se estrenó en el St. James Theatre ese año después de su escritura y se convirtió instantáneamente en una sensación en Londres. Pero al cabo de un año, "Salomé", escrita por Wilde en francés, no pudo representarse por motivos religiosos. No se representó en Londres hasta más de treinta años después de su muerte. Sin embargo, esto no afectó los estrenos en Londres de sus "Mujeres insignificantes", "El marido ideal" y "Es importante ser Ernesto".
"Lady Windermere's Fan" fue la primera comedia de Wilde representada públicamente y la obra se convirtió en un éxito de la noche a la mañana en Londres. Se trata de una obra de teatro en cuatro actos que refleja la vida de la clase alta en Londres durante la época victoriana. La trama consta de una serie de malentendidos y engaños que van formando un suspense tras otro que favorecen el desarrollo de la trama. La obra revela de manera profunda e interesante la vida pública y privada de la clase alta en la época victoriana y critica el impacto de la moralidad hipócrita en la vida de las personas.
En la obra, la señora Oliner le cuenta a la señora Windermere a través de su propia experiencia personal: Para una mujer, si comete un error en la moral familiar o en cuestiones de género, la gente la despreciará, la sociedad la ridiculizará y la rechazará. de la época victoriana es cruel. Wilde revela hábilmente la antihumanidad y la hipocresía de la moral victoriana.
Pero Wilde no se limitó a criticar implícitamente las costumbres sociales de la época y los falsos valores morales de la clase alta, sino que también describió un mundo limitado de playboys. Además del significado de playboy, playboy aquí se refiere principalmente a algunas personas bien educadas que odian profundamente las estrictas e hipócritas costumbres morales de la época victoriana y eligen de forma activa y destacada vivir alejados de la sociedad en general. El señor Darlington en la obra es este tipo de persona fuera de lugar. Abandonan los juicios de valor éticos y morales tradicionales, pero no tienen capacidad ni interés en construir un nuevo sistema ético y moral. Al final, eligen un método que parece poco ético pero que lo es. en realidad poco ético. Un estilo de vida que desafía los gestos y enfatiza la forma y el estilo. En varias obras posteriores, Wilde también creó algunas imágenes de playboy famosas en la historia del drama británico. Sus sabios y vistosos aforismos son a menudo citados por las generaciones posteriores. Bernard Shaw elogió a Wilde y dijo: "En cierto sentido, considero que el Sr. Wilde es el único dramaturgo hábil de nuestro tiempo. Tiene un uso fácil del ingenio, la filosofía, el drama, los actores y el público. Tiene un uso fácil de la todo el teatro."
IV
Cuando la obra de Wilde se representó con éxito en Londres, Bernard Shaw ya era un conocido periodista y crítico, y también era una figura importante en la nueva obra de Archer. movimiento dramático, pero el drama realista sobre temas sociales que perseguía era muy diferente al de Archer. No mucho después de que Bernard Shaw ingresara al mundo del teatro, observó con atención las limitaciones del nuevo drama. Descubrió que los "problemas sociales" reflejados en el nuevo drama eran demasiado limitados y únicos. Bernard Shaw cree que las cuestiones involucradas en los dramas de problemas sociales no son simplemente si las mujeres caídas pueden regresar a la sociedad, o incluso simplemente las cuestiones de la liberación de la mujer y la brecha entre ricos y pobres, sino que involucran cuestiones de mentalidad y moralidad nacionales británicas; durante el período de transformación social y el conflicto entre la voluntad personal y el entorno social y las costumbres tradicionales. Los nuevos dramas elogian las habilidades de escritura de guiones de los buenos dramas y dirigen la atención de la audiencia hacia eventos externos extraños, que sólo pueden satisfacer la curiosidad de la audiencia pero no pueden tocar sus corazones. Además, el nuevo drama aboga por el uso de un lenguaje lírico fuerte y exagerado para expresar emociones, que se sospecha que es sentimental y carece de moderación. Bernard Shaw creía que las técnicas de escritura de guiones de buenas obras no podían transmitir bien los pensamientos del dramaturgo y debían ser reemplazadas por técnicas de "discusión". Las discusiones pueden expresar personajes con pensamientos y personalidades subversivos, transmitir pensamiento filosófico y apelar a la racionalidad de la audiencia, logrando así el propósito de educar a la audiencia.
En 1890, en una reunión de verano organizada por la Sociedad Fabiana con el tema "El socialismo en la literatura contemporánea", Bernard Shaw dio una conferencia sobre Ibsen. El texto de esta conferencia se convirtió más tarde en el contenido principal de. "La esencia del ibsenismo", que también fue el primer estudio de Ibsen publicado en el Reino Unido. Fue gracias al cuidadoso estudio y comprensión de Ibsen que George Bernard Shaw se separó gradualmente de Archer, abriendo un nuevo camino hacia la modernidad para el drama británico.
En 1892, el Independent Theatre de J. T. Green necesitaba un guión, y Shaw se apresuró a completar The Widower's Estate, con el que no había colaborado con Archer siete años antes. La obra se representó en el Royal Theatre de Londres el 9 de diciembre de ese año, contando sólo con dos representaciones en ese momento. Al revelar y atacar la vida respetable de la clase media, Shaw desafió los hábitos de apreciación del público londinense. La actuación generó un feroz debate en Londres, con elogios y elogios mixtos. Para resistir las representaciones comerciales populares en Londres y promover mejor los guiones de nuevos dramas, después de la representación de "The Widower's Estate", "Arms and Men", "The Man of the Hour" y "The Devil's Disciple" de Bernard Shaw. y se representaron otras obras en Londres una tras otra. Las exitosas representaciones de "Contitan" en abril de 1904 y "The Englishman's Other Island" en noviembre de 1904 atrajeron a más audiencias al Palace Theatre. Los dignatarios sociales y dignatarios vinieron a ver el teatro, y el rey Eduardo VII también visitó el teatro en persona. al teatro. En aquella época, los círculos intelectuales de Londres creían en general que ver las obras de Shaw marcaba un progreso. El éxito de las obras de Shaw en el Palace Theatre condujo a la famosa temporada Weidrien-Barker de 1904-1907, en la que Shaw realizó 701 de las 988 representaciones. Aunque hay diferentes críticas para cada actuación, todo el mundo tiene que admitir que Bernard Shaw sabe expresarse de forma dramática.
El famoso crítico de teatro Max Bibham dijo de Bernard Shaw: "Shaw tiene instinto teatral y puede expresar sus puntos de vista de manera fácil y efectiva en forma dramática". Green escribió un artículo en el "Sunday Times" que decía: "Ahora, tanto en casa como en el extranjero". es aclamado como el dramaturgo inglés más original de la actualidad. Bernard Shaw puede asumir riesgos que otros dramaturgos evitan."?
Los temas de las creaciones de Bernard Shaw La seriedad y profundidad no tienen comparación con otros escritores de la época victoriana. De 1892 a 1901, creó dos colecciones de teatro, "Dramas agradables y desagradables" y "Tres obras para los puritanos", con un total de 11 obras. Al revelar el conflicto entre realistas e idealistas, la obra de Xiao atacó sistemática y profundamente la moralidad hipócrita de la era victoriana, señalando que el comportamiento caballeroso y el llamado matrimonio y familia estables de los que la sociedad británica está orgullosa son en realidad hechos vulnerables. explorar los derechos de supervivencia y la orientación de valores de los individuos en sociedades democráticas e industriales. En la era de cambios en la que vivió en la intersección entre el viejo y el nuevo siglo, Bernard Shaw reconoció que el drama es "una fábrica de ideas, un recordatorio de la conciencia, una explicación del comportamiento social, un arma para ahuyentar la desesperación y el embotamiento". , y un templo para alabar el progreso humano." Heredó el método de creación de dramas de "discusión" de Ibsen, proporcionando al público victoriano un método científico para observar y reflejar el mundo, y guiándolo a explorar continuamente la verdad del mundo.