Grabaciones clásicas de Leopold Stokovsky
Nombre del álbum: Rhapsodies
Artista: Leopold Stokowski
Empresa distribuidora: RCA
Fecha de lanzamiento: 1993
Número de álbum: 09026615032
Pistas del álbum: 01HungarianRhapsodyNo.2inCsharpMinor8: 48
02RoumanianRhapsodyNo1inA11: 40
03SmetanaTheMoldau12:28
04SmetanaTheBarteredBride:Overture7 :14
05WagnerTannhauserOvertureandVenusbergMusic25:08
06WagnerTristanamp;Isolde: Prelude to Act III10:13
Introducción al álbum: la serie "LIVINGSTEREO" de RCA es una serie de discos clásicos adorada por audiófilos La mayoría de los discos de esta serie son grabaciones de finales de los años cincuenta hasta principios de los sesenta, que fue la época en la que apareció por primera vez la grabación en estéreo. Lo que es admirable es que casi todos los discos de la serie "LIVINGSTEREO" de RCA tienen excelentes efectos de grabación. Todos fueron grabados por RCA utilizando una grabadora AMPEX300, micrófonos no direccionales NEUMANNU-47 y M-49/50. La "Rhapsody" interpretada por Stokovs es una de las grabaciones más destacadas de la serie "LIVINGSTEREO" de RCA.
"Rhapsody" incluye "Hungarian Rhapsody No. 2" de Liszt, "Romanian Rhapsody" de Enescu, "Vltava River" de Smetana y "The New Betrayed" obras orquestales como la obertura de "The Married Mother", la Obertura de "Tannhäuser" de Wagner y el Preludio del Acto III de "Tristán und Isolda".
Stokovsky es un conocido "mago del sonido orquestal". Le gusta utilizar sus conocimientos únicos al dirigir música para cambiar significativamente la configuración de la orquesta y la orquestación de la partitura, creando un estilo orquestal mágico muy personal. efectos. Además, Stokovs puede ser considerado un audiófilo estándar. Está muy entusiasmado con el desarrollo de la tecnología de grabación. Ya en la década de 1930 participó en los trabajos de investigación sobre la tecnología de grabación estéreo en los Laboratorios Bell y fue el primero en adoptarla en la práctica. Pionero de la tecnología de sonido estéreo.
Esta grabación refleja plenamente el concepto de interpretación orquestal de Stokovs. La pista 1, “Hungarian Rhapsody”, es la más ilustrativa. La música comienza hace menos de 5 segundos y es muy espesa y plena. Está garantizado que sorprenderá a cualquier fanático de la música que lo escuche por primera vez. Si te gusta especialmente escuchar música de viento a gran escala, entonces esta "Rapsodia" nunca te decepcionará. Al mismo tiempo, también hará que Chu Ge, que acaba de entrar por la puerta de la fiebre del audio, se dé cuenta de la importancia de. restaurando verdaderamente el timbre de la orquesta.
Número de registro: EMI CLASSICS 7243 5 75480 2
CD1
Sibelius: Sinfonía nº 1
Orquesta Filarmónica Nacional, 2 de noviembre de 1976 Grabado en Londres el agosto 4, 1967
Nielsen: Sinfonía nº 2 (Cuatro Temperamentos)
Orquesta Sinfónica Nacional Danesa, grabada en Copenhague el 4 de agosto de 1967, grabación en vivo
Grainger: Handel en la playa, patio de campo, alegría del pastor
Orquesta Sinfónica Stokovsky, grabada en Nueva York el 31 de mayo de 1950
CD2
Duka: Tambor y Bugle (del ballet "La Sylphide")
Orquesta Sinfónica Stokovsky, febrero de 1957 Grabado en Nueva York el día 12
Brahms: Obertura Trágica
Nacional Orquesta Filarmónica, grabada en Abbey Road Studios, Londres el 9 de abril de 1977
Liszt: Rapsodia Húngara
Miembros de la Orquesta Sinfónica de la NBC, grabada en Nueva York el 10 de febrero de 1955
Turina: The Matador's Prayer
Orquesta Sinfónica Stokovsky, grabada en Nueva York el 19 de febrero de 1958
Iber: "Port"
Orquesta Nacional de Radio Francia, grabada en mayo de 1958 París
Wagner: "Amour Music" de Tristan und Isolde (arreglado por Stokovsky)
Orquesta de Filadelfia, 25 de febrero de 1960 Grabado en Filadelfia
Glière: Danza Marinera Rusa (del ballet "La Amapola Roja" Suite)
Orquesta Sinfónica Stokovsky, 14 de febrero de 1953 Grabado en Nueva York
Este Este maravilloso conjunto de discos plantea un tema inevitable en la música, es decir, a la hora de interpretar obras musicales, ¿debemos ser completamente fieles a la partitura o seguir el espíritu de la música? Leopold Stokovsky era famoso por su tendencia a adaptar libremente la música que dirigía, e incluso fue criticado por ello. Pero en la mayoría de las grabaciones de este set, Stokovsky no está tan fuera de lo común como podríamos pensar. Estas grabaciones proporcionan una clara evidencia de que Stokovsky sigue siendo un destacado director capaz de transmitir fielmente la emoción y el espíritu de su música a su audiencia, un talento que aplicó a una gama inusualmente amplia de repertorio, incluido un gran número de obras contemporáneas y modernas del compositor.
El CD1 comienza con una excelente interpretación de la Sinfonía nº 1 de Sibelius. Esta grabación se completó en Londres en noviembre de 1976 con la Orquesta Filarmónica Nacional, que es una grabación de larga duración compuesta por una orquesta de alto nivel. artistas independientes. La Primera Sinfonía es relativamente débil entre las siete sinfonías del compositor, pero el tratamiento de Stokovsky hace que esta obra sea igualmente brillante. Tanto el director como los intérpretes dieron lo mejor de sí, creando esta excelente grabación que ya era de muy alto nivel para los estándares de la época. La comprensión de los detalles por parte de Stokovsky también es extremadamente exquisita. Escuche las claras frases de contrabajo sobre el fondo del arpa al comienzo del movimiento Andante (CD1, pista 2), así como algunos pasajes importantes de la tuba que Sibe Lius parece usar a menudo. la tuba para aludir a los monstruos oscuros que emergen de las profundidades de la tierra en la mitología nórdica.
El primer movimiento estuvo bien interpretado y el tempo bien controlado. Stokovsky no sólo enfatizó el dramatismo y la pasión de la música, sino que también destacó el concepto único de desarrollo sinfónico de Sibelius. Después de escuchar esta grabación, descubrí por primera vez que el largo desarrollo del movimiento (pista 1 de 5 minutos 18 segundos a 8 minutos) es muy similar a la segunda mitad del primer movimiento de la Quinta Sinfonía del compositor, y aquí Nunca antes me había sentido así. Puedes sentir claramente cómo esas ideas y fragmentos musicales no relacionados se unen lentamente y finalmente se convierten en uno. Esta técnica se utilizó con mayor efecto en las obras posteriores del compositor, pero sus raíces se encuentran aquí.
El movimiento Andante puede causar cierta controversia porque Stokovsky utiliza un tempo demasiado suave, ignorando así la calificación del compositor del término tempo Andante, que es un Andante que no es demasiado lento.
Sospecho que algunos oyentes encontrarán el comienzo de este movimiento muy aburrido, pero el estado de ánimo triste que se desarrolla a medida que se desarrolla el movimiento es muy consistente con la intención original de la obra, y la excelente comprensión del director de las ideas musicales del movimiento anterior puede compensar esta deficiencia. El movimiento Scherzo es tan robusto como debería ser, ¡aunque el juego de timbales parece demasiado intenso! La sección central de tres notas interpretada por Stokovsky es colorida y llena de encanto, con los instrumentos de viento cantando como una serenata y el glissando del arpa chapoteando como un claro manantial. La extraordinaria atmósfera del movimiento final es tan convincente que los intérpretes vuelven a hacer todo lo posible bajo la inspiración de Stokovsky. La incertidumbre intermitente en la música ya no parece ser importante, y en toda la expresión musical solo se puede sentir el alma. -Poder conmovedor, este es un verdadero "gran tono".
La Sinfonía nº 2 de Nielsen fue grabada en directo en un concierto en Copenhague en 1967. La actuación de la Orquesta Sinfónica Nacional Danesa fue un poco discordante, pero en general fue excelente. El tercer movimiento es particularmente emotivo. Este movimiento, denominado "Melancholic Andante", creo que es el mejor de los cuatro movimientos de la sinfonía. En general, la sinfonía muestra que Nielsen carecía de la sofisticación técnica que logró en la Tercera Sinfonía. Fue compuesta sobre la base de una inspiración novedosa, es decir, utilizando cada uno de los cuatro movimientos para expresar una especie de temperamento (o carácter) de los seres humanos. , por lo que hay un primer movimiento "violento", un segundo movimiento furioso y feroz, "tranquilo", un tercer movimiento amable y humorístico, "melancólico", como se mencionó anteriormente, y un cuarto movimiento "optimista". Este último movimiento fue obviamente el más difícil de componer para Nelson. Aunque el final está lleno de pasión triunfante, parece extremadamente vacío. El ritmo de marcha recuerda a algunas de las malas obras de Elgar producidas por dinero.
Tres bocetos de Grainger grabados en Nueva York en 1950 dan lugar a una anécdota. En 1949, Stokovsky le escribió a Granger, que había vivido en Estados Unidos desde 1915, pidiéndole que adaptara algunos de sus bocetos más populares, en los que debían utilizarse (usando palabras de Stokovsky Ski) "Instrumentos como el vibráfono, la marimba, el saxofón, la celesta". , etc., dan a la gente la sensación de jugar y bailar en el parque del pueblo". ¿Qué es lo que hace que Stokovsky conecte los sonidos aparentemente no relacionados del vibráfono y el saxofón con los espacios verdes rurales? No lo sabemos, pero los arreglos suelen ser agradables y están magníficamente ejecutados aquí, aunque parte de la percusión afinada parece demasiado simplista para los estándares actuales.
El CD2 es como una mezcolanza de canciones famosas, que comienza con la famosa canción de tambor y trompeta del ballet de Duka "La Sylphide". A esto le siguió la Obertura trágica de Brahms, grabada en 1977, que debe haber sido una de las últimas series de grabaciones de estudio de Stokovsky, ya que tenía 95 años y murió cinco meses después. Pero lo increíble es que no hay indicios de ningún declive en su vida. habilidad en esta grabación. Si bien no es la versión preferida de esta gran obra, sin duda es una interpretación vivaz y enérgica. Las intensas y ágiles frases del inicio aparecen bien organizadas, estableciendo una idea musical clara a lo largo de la pieza. La marca de 8 minutos y 20 segundos es sin duda la esencia de la música, y Stokovsky la maneja igualmente satisfactoriamente, con el sonido de la bocina elevándose como una bendición.
Los otros temas del disco son todos trabajos ligeros con excelentes interpretaciones, pero la suite sinfónica "Port" de Iber definitivamente no se puede perder. Curiosamente, este excelente trabajo está en la lista de varias compañías discográficas en la actualidad. Rara vez se ve en grabaciones (las únicas comunes son la versión de Naxos dirigida por Yuasa Takuo, y parece haber una versión de la Orquesta de París), por lo que la grabación en este álbum es extremadamente rara. La pieza contiene tres secciones, en orden: "Roma", "Túnez" y "Valencia". La composición de la música es muy distintiva, la orquestación es maravillosa, la melodía y la armonía también son muy hermosas y está llena de exotismo. sentimientos Quizás la serpenteante melodía del oboe en "Tunisia" sobre un fondo de cuerdas en pizzicato parezca un poco cliché, pero el ritmo vivo y enérgico de "Valencia" lo compensa con creces.
Estas tres piezas musicales breves son realmente paisajes musicales encantadores, similares al "Salón Mexicano" de Copland.
Lo más destacado del segundo CD proviene de la minuciosa obra maestra de Wagner "Tristan und Isolde". Aquí, Stokovsky interpretó la segunda y tercera ópera. Se trata de una "música de amor" adaptada de algunos pasajes musicales del acto. La actuación de la Orquesta de Filadelfia fue magnífica y el violonchelo tocó melodías familiares como si cantara un cantante de ópera. Siempre he pensado que el logro más imaginativo de esta ópera es el aria profética cantada por la criada durante la vigilancia. El libreto está lleno de ingeniosa ironía y lleno de conocimiento previo del futuro. Este es sin duda un punto culminante en una de las piezas musicales más promiscuas jamás producidas.
Admiramos aún más la interpretación de Stokovsky de esta obra de Wagner, pero en realidad no es un experto en dirigir a Wagner y ni siquiera ha dirigido nunca una ópera completa de Wagner. Creo que este "poema sinfónico" que adaptó de la ópera de Wagner todavía tiene defectos, principalmente porque carece de suficiente contraste. Escuchar esta música es como dejarte comer dos cajas de chocolates de una sola vez (¿Probarlo?). Aunque la música estaba llena de brillantez, mis oídos estaban cansados cuando terminó, siempre sentí que era una broma por parte de la compañía discográfica arreglar una canción de Russian Sailor Dance de Griel después de permitir que la gente experimentara esta indulgencia emocional. Es como si estuvieran diciendo: "¡Derriben rápidamente el escenario de la ópera ahora mismo, la compañía de ballet viene!". Realmente está tomando el pelo a la gente.
En cualquier caso, este sigue siendo un excelente conjunto de grabaciones, que nos da una idea de los enormes logros musicales de Stokovsky, su amplio repertorio y su delicada expresión emocional. Es una persona única, siempre capaz de transmitir fielmente al público la esencia de la música que ama, y las actuaciones bajo su mando nunca se vuelven clichés ni aburridas. Este arte de dirigir es algo que nadie más puede imitar.