La experiencia personal de Robert Altman
La década de 1970 se considera generalmente un período de renacimiento en la producción cinematográfica estadounidense. Robert Altman rompió las prácticas convencionales de varios géneros de producción cinematográfica, mientras satirizaba y alegaba, hizo creativamente algunos musicales y películas policiales sobre la vida occidental, avanzando hacia películas convencionales que narran puramente historias y no tienen ningún impacto en el método de filmación. y combinó creativamente sonido, imagen, personajes e historia en la realización cinematográfica. Al mismo tiempo, Robert Altman también es muy apreciado por su diálogo personal, a menudo improvisado, y su dominio de la tecnología fotográfica moderna, y es reconocido como un maestro de la tecnología fotográfica moderna. Aunque la experiencia de Altman, tipo Don Quijote, en la industria cinematográfica estadounidense no fue del todo fácil, sigue siendo una figura clave en la historia del cine contemporáneo. Dejó una profunda huella en la definición de cine de su época.
Esta experiencia en el rodaje de televisión le dio a Altman la oportunidad de experimentar con técnicas narrativas y desarrollar su característica "técnica de diálogo superpuesto". Al mismo tiempo, también se dedicó a estudiar cómo aprovechar el limitado presupuesto para ganar velocidad y eficiencia durante el proceso de rodaje. Aunque fue despedido con frecuencia por negarse a cumplir con los dictados televisivos e insistir en incorporar subtextos políticos y sentimientos pacifistas en sus películas, nunca fue elegido para el puesto debido a la falta de talento experimentado en la industria. Altman incluso fundó su propia productora, Lion's Gate Films, que casi vendió cuando acumuló deudas de juego. En 1964, se promovió su estreno comercial un cortometraje "Nightmare in Chicago" que produjo para "Craft's Suspense". Más tarde, fue invitado a dirigir el thriller de ciencia ficción "Countdown", una película de pequeña producción sobre viajes espaciales, pero fue despedido pocos días después de filmar la película porque se negó a editar este video para que fuera más corto. En 1971, Altman adaptó la película del oeste "Hanamura" (McCabe y Sra. Miller, 1971), en la que volvió a mostrar su encantador estilo de rodaje. Los medios de comunicación favorecieron el estilo de rodaje nebuloso de la película, al estilo de Vilmos Zsigmond, pero sus operaciones comerciales fueron insatisfactorias. También es cierto que, si bien Altman ha logrado un éxito como "Hospital", históricamente nunca ha obtenido el reconocimiento general acorde con su estatura en la industria cinematográfica. De hecho, a principios de la década de 1970, sólo personas como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y Woody Allen habían intentado hacer películas que pudieran competir con los vídeos de Altman. Altman lanzó una película tras otra, desde la atmosférica y extraordinaria adaptación cinematográfica de la novela de Raymond Chandler "The Long Goodbye" (1973), hasta la gran Desde la comedia romántica y alegre "Thieves Like Us" (1974) durante la depresión hasta En el drama sobre juegos de azar "California Split" (1974), Robert Altman creó la obra más importante de la industria cinematográfica estadounidense contemporánea. Un estilo de rodaje sensacional y original. Es solo que el público lo desaprueba mucho Entre sus películas, la actuación de taquilla que más lo decepcionó puede ser "Californication", pero lo irónico es que esta película todavía se transmite en las estaciones de televisión 2 años después de su estreno. .
En 1975, Altman lanzó otra de sus obras maestras, el drama musical "Nashville", que fue su película de mayor éxito hasta la fecha. Esta película realista muestra que durante las elecciones presidenciales de Estados Unidos, con el fin de ganar más votos y fondos para los candidatos, el director de campaña John invitó a muchos cantantes de "canciones pop" y "música country" a actuar en el escenario, lo que provocó una serie de escándalos. Noticias y malentendidos entre famosos.
Estrenada en el 200 aniversario de la fundación de los Estados Unidos, la película no solo restableció su gloria de taquilla, sino que también demostró plenamente su nuevo sistema de sonido Lionsgate de 8 pistas. Con este sistema, puede recopilar sonidos en el sitio a través de micrófonos, en lugar de usar equipos voluminosos para el post-doblaje. También le permite lograr un fuerte contraste y efectos de sonido en capas mediante la mezcla y la separación en el futuro. Esta película fue nominada a 5 premios, incluidos Mejor Película y Mejor Director en la 48ª edición de los Premios de la Academia en 1976. Al año siguiente, lanzó otra película del oeste, "Buffalo Bill and the Indians" (Buffalo Bill and the Indians, 1976), contrariamente a los elogios generalizados de "Nashville", esta película fue ampliamente criticada por los medios de comunicación. Posteriormente, la película fue reeditada por el productor Dino DeLaurentiis y estrenada en el mercado alemán, y ganó el Premio Oso de Oro en el 26º Festival Internacional de Cine de Berlín en 1976. Pero el obstinado Altman rechazó el premio alegando que la edición de Dino De Laurentiis iba en contra de sus deseos. Posteriormente, Robert Altman se dedicó al desarrollo escénico, fundó Sandcastle5 y dirigió "Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean" de Ed Graczyk en 1982. (1982). Un año después, filmó la película Streamers (1983) sobre la guerra de Vietnam de David Rabe. Al igual que sus películas anteriores, el sobrenatural Altman se negó a adoptar las técnicas de expresión más informales comúnmente utilizadas en la década de 1970 y, en cambio, adoptó un estilo más riguroso y estándar que tenía un espíritu más cercano al teatro. En 1984, dirigió el docudrama de Richard Nixon "Secret Honor" (1983), que se filmó en un dormitorio de la Universidad de Michigan, donde era profesor contratado y recibió ayuda de estudiantes asistentes de enseñanza. En 1985, Home Box Office le asignó la película The Laundromat (1985), una adaptación de la novela de Marsha Norman, seguida de "Fool for Love" (1985) de Sam Shepard.
Altman regresó a la producción televisiva en 1988 y dirigió The Caine Mutiny Court-Martial (1988), una película para televisión satírica sobre el año de las elecciones presidenciales. La situación fue cocreada con Garry Trudeau, el guionista de ". Doonesbury". En 1990, Altman regresó a la industria cinematográfica de Hollywood y dirigió la película biográfica "Vincent and Theo" (1990), que describe la vida de Van Gogh y su hermano, lo que provocó una fuerte respuesta y mucha gente comenzó a preguntarse si Altman. ¿Qué estaba volviendo a la industria del cine? En 1992, se estrenó la comedia de suspenso "Big Player". "Super Big Gamer" Tim Robbins no solo ascendió al alto puesto de presidente, sino que también engañó a la bella novia de su colega, que es digno de ser llamado "Big Gamer". . La película expuso vívidamente las cuestiones morales de Hollywood y ganó el Premio al Mejor Director en el 45º Festival de Cine de Cannes en 1992 y el 46º Premio de la Academia de Cine Británica, y fue nominada a Mejor Director en la 65ª edición de los Premios de la Academia en 1993. Esta película le demuestra a la gente que Robert Altman efectivamente ha regresado.
De repente, Robert Altman sintió que estaba de nuevo en las filas de los directores de primer nivel.
En 1993, lanzó el largometraje "Short Cuts" (1993), que reflejaba el lado oscuro de la sociedad de Los Ángeles. Su método de rodaje siguió el estilo de "Nashville" y logró el mismo éxito. Refleja un rincón de la sociedad estadounidense contemporánea al analizar las vidas ordinarias de múltiples personajes de la sociedad de Los Ángeles y las complicadas relaciones entre ellos. La película ganó el León de Oro a la Mejor Película en el 50º Festival de Cine de Venecia y fue nominada a Mejor Director en la 66ª edición de los Premios de la Academia en 1994. La comedia de 1994 "Prêt-à-Porter" (1994) y la película policial de 1996 "Kansas City" recibieron críticas medias. En 1998, se convirtió en una figura controvertida cuando lanzó una adaptación del thriller de John Grisham The Gingerbread Man (1998), que se proyectó en ese momento. Después de recibir malas críticas, los productores reeditaron la película, pero aún así recibió críticas. críticas y resultados de taquilla decepcionantes. Sin embargo, la comedia de Altman "Cookie's Fortune" (1999), estrenada un año después, logró un gran éxito. La película sigue la vida de los residentes de un pequeño pueblo de Mississippi y, en general, la respuesta ha sido aceptable. En 2000, Altman estrenó la comedia romántica "Dr. T and the Women", una película muy imaginativa sobre un ginecólogo de Dallas (interpretado por Richard Gere) que está obsesionado con su vida. Aunque las críticas sobre esta película han sido variadas, en general son positivas. Mucha gente incluso cree que, aunque muchas de las películas anteriores de Altman fueron un fracaso, el director aún mantiene características distintivas. En 2001, Altman, de unos 70 años, dirigió su última obra maestra, "Gosford Park". La película cuenta la historia del rico propietario de una mansión británica, Sir William McCordle, y su esposa Lady Sylvia, quienes invitaron a algunos amigos a realizar una partida de caza en la década de 1930. Durante este período, el Sr. McCorder fue asesinado en el estudio. Muchas personas en la mansión parecían tener motivos para el asesinato, lo que hizo que el caso fuera temporalmente confuso. Después del estreno de "Gosford Park", fue bien recibido y ganó el premio al mejor director de la Asociación de Críticos de Cine de Nueva York y el primer premio al mejor director de la Academia de Cine Estadounidense el 25 de febrero de 2002, en la competencia por los premios de cine de la Academia Británica. La película derrotó a la favorita al Oscar, el musical "Moulin Rouge" (2001) y ganó el premio a la mejor película británica del año. Robert Altman también ganó el 59º Globo de Oro al Mejor Director por esta película de suspenso sobre asesinatos y fue nominado al Premio de la Academia al Mejor Director por quinta vez.
Altman ha mantenido un estilo muy personal en sus creaciones a lo largo de los años, centrándose en el procesamiento del sonido en la película y su "diálogo superpuesto", que muestra múltiples diálogos al mismo tiempo y se cruzan y superponen deliberadamente. se han convertido en la "marca registrada" de originalidad de sus obras. Es muy bueno filmando escenas grupales con muchos personajes. Utiliza guiones complejos para organizar muchos personajes, utiliza varios métodos narrativos y organiza y suaviza tranquilamente tramas de varias líneas, haciendo que toda la película parezca clara y bien organizada. mirar. Su actitud seria hacia la creación y su persistente búsqueda de la individualidad también lo diferencian de otros directores de Hollywood. Siempre se ha mantenido a una distancia considerable del sistema empresarial de Hollywood y se puede decir que es un líder en la industria del cine independiente estadounidense.