Consejos para la edición de vídeo

Consejos para la edición de vídeo

El cine y la televisión se han convertido en los medios de comunicación más populares e influyentes en la actualidad. A continuación se muestran algunos consejos para la edición de videos que compartí. ¡Puedes leerlos!

1. Necesario para editores de vídeo

La capacidad de encontrar las mejores expresiones y movimientos en materiales limitados, editar los materiales y encontrar los cortes que los conectan con la siguiente imagen. La capacidad de usar imágenes y elegir música, y la creatividad para crear melodías y tramas. El montador también tiene que dar a la película, compuesta de imágenes fijas continuas, una sensación de movimiento y dar vida a la imagen. El editor encontrará naturalmente la mejor expresión entre las muchas tomas y descubrirá cuál es el punto de corte. Esta es la melodía de la edición. Al mismo tiempo, la imagen completa de la obra se irá revelando poco a poco en numerosos materiales fotográficos. A través de los materiales se puede ver cómo debe ser la obra.

2. ¿Cómo encontrar el punto de corte?

¿Dónde se debe realizar el corte y la conexión? Encontrar el punto de corte es sin duda una de las tareas importantes del editor. v necesita un poco de atención aquí, este es el vértice de la imagen. El llamado ápice de la imagen se refiere al punto de inflexión del movimiento y la expresión en la imagen, como cuando los brazos del personaje están completamente extendidos, cuando la inclinación de la cabeza termina después de asentir a modo de saludo, cuando la pelota se eleva y a punto de caer, cuando se retira la sonrisa, etc. La imagen es una continuación de una serie de imágenes fijas debido a que la película anterior formará una imagen residual en el ojo humano, las imágenes de la película parecen dinámicas. Por lo tanto, cuanto más intenso sea el movimiento, el corte en la parte superior de la imagen o justo antes de que comience la acción producirá un fuerte efecto de imagen residual en la película siguiente, dejando una profunda impresión en el público.

3. Puntos cortantes que producen sensación de melodía

Tomemos la acción de girar un libro como ejemplo para ver cómo encontrar el punto cortante. Si comienza a filmar desde un estado en el que la acción está completamente detenida, filme fielmente la acción de girar el libro desde el principio hasta el final, para que el público sepa de un vistazo que se trata de la acción de girar el libro. Sin embargo, la belleza de la imagen no puede reflejarse simplemente permitiendo que la gente la entienda. También son indispensables un sentido de melodía y comodidad. Entonces, ¿qué se debe hacer exactamente?

Seleccionamos el punto de corte inicial cuando ha comenzado la acción de voltear el libro. Si la acción de girar un libro se divide en 1 a 24 escenas, entonces los primeros 3 a 4 segmentos se cortarán como punto de corte inicial. Este cambio no tiene ningún impacto en la comprensión del acto de girar un libro. Por el contrario, también puede expresar la melodía y la comodidad del movimiento. Este método de edición también se puede aplicar a otras imágenes.

4. No existe sólo una forma correcta de editar una película.

Una cosa que espero que no malinterpretes es que el punto de corte no es el único. Cuando la página del libro se gira hacia la mitad, se puede usar como punto de corte, y cuando la acción de pasar el libro está a punto de terminar, también se puede usar como punto de corte. Dependiendo del trabajo y la diferencia entre las imágenes de anverso y reverso, el punto de corte puede variar. No existe una única forma correcta de editar. Por supuesto, la edición también tiene su forma fija y varias convenciones, que se pueden decir que son las reglas de edición. Es importante conocer estas reglas, pero como la edición es un trabajo creativo, hay ocasiones en las que puedes romper las reglas y probar algo nuevo.

5. El propósito del montaje

Liberarse de las limitaciones físicas y controlar libremente el tiempo y el espacio: En fotografía y producción, a veces es necesario dividir las tomas y darles forma de trama. más tarde, el paso real del tiempo en la historia y el movimiento del espacio en la historia se omiten en la obra.

Combina la intención escénica para formar una trama y determinar la apariencia final de la obra: conecta las tomas de manera intencionada, aclara y enfatiza el contenido que deseas expresar, ajusta la secuencia y estructura de las tomas, y resaltar los elementos de la trama.

6. Reglas fijas en la edición de acciones.

Método de edición cuando el objeto que se está fotografiando está en movimiento. La vinculación de acciones se refiere a la edición de los movimientos del objeto fotografiado.

En el pasado, el rodaje de una acción a menudo tenía que interrumpirse debido al cambio de película. Sin embargo, la misma acción conectada con diferentes lentes se ve sorprendentemente fluida e impresionante. Se dice que este es el origen de este método de edición.

Las acciones están conectadas en una proporción de 7:3. Primero, echemos un vistazo a los conceptos básicos de la edición de acciones, "conexión de acciones".

"Conexión de acción" se refiere a un método de edición que utiliza dos imágenes para conectar una acción.

En teoría, la diferencia entre estos dos conjuntos de imágenes está únicamente en el tamaño de las imágenes. Describen la misma acción en el mismo momento, por lo que la edición se puede iniciar desde cualquier punto. Sin embargo, en este momento habrá movimientos incoherentes o repetitivos. La imagen final editada carecía de ritmo. El método general de edición de video es conectar acciones según una proporción de 7:3 o 3:7 para lograr efectos de acción fluidos. De esta manera, no sólo los movimientos hacia adelante y hacia atrás parecen coherentes, sino que también surge una sensación de ritmo y viveza.

Por supuesto, conectar según la proporción de 7:3 no es la verdad absoluta. Dependiendo del material y de los puntos de corte, el ojo humano a veces produce la ilusión de repetición y salto. Por lo tanto, al recortar o superponer deliberadamente ciertas tomas, la acción parece más natural y fluida. Intente cambiar el punto de corte en diferentes imágenes para ver el efecto.

Conectar dos acciones en una y conectar múltiples acciones de diferentes objetos fotografiados en una sola, es lo que comúnmente se llama "edición de acción única".

Conexión de puntos clave de acción: Dos cámaras capturaron dos imágenes de diferentes tamaños en la misma posición y ángulo. Si se trata de una posición y un ángulo diferentes, esta regla también se puede utilizar para solucionarlo. Por supuesto, si el metraje no se filmó al mismo tiempo, siempre que se cambie el ángulo y se utilice el vértice de una determinada acción (una acción característica) como punto de corte, hay muchas formas de conectarlos.

Al editar con la acción como centro, debes prestar atención a varios aspectos. Los siguientes son los puntos clave.

Utiliza el plano más largo como plano principal. Considere la parte superior, inferior, izquierda y derecha de la pantalla para no afectar la continuidad de la acción. Cambiar drásticamente la aplicación y la posición de la cámara cambiará el impulso de la imagen. Las conexiones en tiempo real parecerán lentas, así que condense lo que se puede omitir en la transición. Especialmente en escenas con acción intensa, conviene acortar la duración del plano. En teoría, el material filmado simultáneamente se puede editar en cualquier punto, pero al elegir diferentes puntos de corte y repetir u omitir algunas tomas, la acción será más fluida. Cuando utilice diferentes conexiones de pantalla para la misma acción, intente conectarse en el vértice de la acción.

Superposición intencionada de acciones para enfatizar

La repetición intencionada para enfatizar una acción se denomina acción doble o acción triple. Las acciones dobles sólo son efectivas cuando conscientemente quieres resaltar una determinada acción, y deben ser lo más breves posible para evitar que sean largas.

Las escenas de acción intensa pueden omitir la parte central. Uno de los propósitos del montaje es omitir tiempo y espacio. Si editas de acuerdo con el paso real del tiempo y el movimiento del espacio, ninguna cantidad de tiempo será suficiente para expresarlo, y el público lo encontrará largo y aburrido. En este momento, un método más eficaz es extraer algunos planos intermedios de la misma acción y luego conectarlos y combinarlos. Este método también se llama técnica de extracción media. Su función es reducir mucho el tiempo y aumentar la velocidad de la película, haciendo que el público nunca se canse de ella. Al utilizar esta técnica, hay que elegir qué disparos eliminar, cuál es la dificultad. Lo más importante es no cortar el vértice de la acción (acción característica). Los brazos se levantan al punto más alto, los brazos se bajan al punto más bajo, la cara es la más enojada, la cara es la sonrisa más brillante, etc. Si se quitan estas tomas superiores, es imposible entender en qué dirección está se desarrollará la acción.

La edición con salto desarrolló esta técnica. Se trata de una especie de técnica de corte por el medio creada por Godard, que salta entre imágenes como la aguja de un tocadiscos. Jump editing se atreve a romper los tabúes del montaje tradicional, permitiendo crear escenas impresionantes.

Método de eliminar el medio de la acción: Al recortar el plano medio para omitir el tiempo y resaltar la sensación de velocidad, se debe prestar atención a lo que se debe omitir en otros planos, el estado inicial. y cuando la posición del brazo alcanza su punto más alto al lanzar, el brazo está caído y la acción de lanzamiento se puede expresar al mínimo con solo estos tres tiros.

Conectar las pantallas FRAMEIN y FRAMEOUT

El objeto a fotografiar se encuentra en el marco de disparo, que se denomina FRAMEIN. Por el contrario, si el objeto fotografiado sale del campo de tiro, se denomina FRAMEOUT.

Personas, animales, coches, tranvías que caminan o corren, todos estos objetos en movimiento se pueden editar.

Consideremos cómo conectar las imágenes FRAMEIN y FRAMEOUT del mismo sujeto en diferentes fondos. En la escena en la que la bicicleta pasa frente a la cámara, se filmaron dos conjuntos del mismo tamaño en diferentes lugares. Por supuesto, podemos conectarlo en el orden desde la bicicleta que entra al escenario vacío (solo está el fondo en la toma, no se fotografian objetos) hasta la bicicleta que sale de la toma. No hay nada de malo en este método de conexión, pero el espacio parece demasiado vacío y el movimiento no es lo suficientemente fluido. Un excelente método de vinculación de acciones rítmicas es conectar el conjunto anterior de tomas cuando el sujeto está a punto de abandonar el campo de tiro, y luego conectar el último conjunto de tomas cuando el objeto acaba de ingresar al campo de tiro. La clave es utilizar un encuadre en el que el sujeto esté la mitad dentro y la mitad fuera de la toma. De esta manera la acción de conexión se verá más fluida. Si el ángulo del objeto que se está fotografiando es diferente en los dos conjuntos de tomas, agregar una toma de escenario vacía entre FRAMEIN y FRAMEOUT hará que el frente y el reverso de la imagen sean más coherentes.

Utiliza una lente oscura o el mismo punto para conectar los movimientos de diferentes objetos fotografiados. ¿Cómo conectar los movimientos de diferentes objetos fotografiados? Primero, deje que los personajes que corren se acerquen cada vez más hasta que llenen toda la pantalla, volviéndola negra, y luego conecte las tomas posteriores.

Aunque la velocidad de carrera de los personajes es diferente de la velocidad del coche, la pantalla negra (o la lente muy oscura) entre el ida y vuelta reproduce con éxito el movimiento suave.

7. Reglas fijas en la edición de diálogos

Aquí el diálogo se refiere a líneas y la edición de diálogos se refiere a la edición de las líneas de los personajes. Está ligado a la edición de acción como el método de edición más representativo y es un factor indispensable para mostrar la trama. La edición de diálogos, que parece simple, en realidad consiste en algunas reglas fijas que se utilizan para expresar efectos especiales.

Las líneas están conectadas en una proporción de 1:3.

Entre líneas, excepto SE y BGM, el resto es silencioso.

Para la edición de imágenes, lo importante es cómo crear ese estado de silencio y utilizarlo para expresar el ritmo de la película. Ejemplo: Es una escena de dos personas hablando en el auto. La clave para editar es cuánto espacio debe haber entre las conversaciones de dos personas. Cada toma de diálogo se realiza con la cámara reemplazando a otro personaje, por lo que las dos personas no están teniendo una conversación real. Al editar, es importante crear espacios naturales entre las conversaciones.

En general, será más coherente si los intervalos entre conversaciones están conectados en una proporción de 1:3. Si el espacio que queda después de las líneas en el primer plano es de 1 largo, entonces debe haber un espacio de 3 largos antes de que comience el diálogo en los planos siguientes.

Mueve las líneas hacia arriba y hacia abajo para aumentar el efecto dramático

Mueve el diálogo hacia arriba y hacia abajo, es decir, inserta la parte de la línea en la toma anterior (mover hacia arriba) o arrástrala en el siguiente tiro (movimiento hacia abajo) adentro. Su función es resaltar los cambios en las expresiones y movimientos de los personajes provocados por el contenido del diálogo.

Por ejemplo: Alguien detuvo al Sr. A. El Sr. B lo saluda y le dice "Hola, Sr. A", mueve esta parte hacia arriba y luego inserta las líneas del Sr. A que se han movido hacia arriba en la toma del Sr. B, "¿No es este el Sr. B?". .

De esta forma, toda la escena parecerá más fluida y coherente.

Por ejemplo: mueva la palabra clave "Tengo a alguien que me gusta" en la toma anterior hacia abajo para resaltar el cambio en la expresión del actor bajo la influencia de esta oración. Ésta es la intención de esta técnica.

Por ejemplo: para resaltar los cambios en la expresión de la heroína antes y después de que el héroe la invite a dar un paseo, las líneas del héroe se mueven hacia arriba y aparecen junto con la foto de la cara de la heroína. Si las líneas no se movieran hacia arriba y hubiera un plano silencioso del rostro de la heroína, la película parecería muy larga y no tendría sentido del ritmo.

No es la longitud de las líneas lo que determina el corte de las tomas, pero es crucial realizar cortes intencionados teniendo en cuenta la trama.

Utilice montaje incrustado para expresar el estado de ánimo. Para hacer que la escena anterior sea más dramática, puede utilizar el método de insertar otras tomas entre líneas. Por ejemplo, está bien mostrar algunas tomas de seguimiento.

En la toma frontal, cuando las líneas de la heroína están a la mitad, se inserta una toma del rostro del héroe. Esto no solo muestra los intensos cambios en la expresión del héroe después de escuchar la respuesta de su novia, sino que también puede enfatizar. un estado previo de calma y felicidad.

Métodos de edición de diálogos y sin acción, transiciones de escenas y creación de puntos de conexión

Los principiantes pueden utilizar el método O.L tradicional para realizar transiciones suaves entre tomas: O.L (fotografía SUPERPUESTA) y fundidos de aparición. y desvanecimiento Lo mismo, es un efecto de transición muy común. Representa el paso del tiempo y el movimiento del espacio, y también puede usarse para expresar el estado de ánimo. Métodos de transición similares incluyen el método de limpieza, el método de dispersión, etc.

Usa obstrucciones para conectar diferentes escenas: el cambio de ventana se refiere a un método de edición que utiliza obstrucciones para bloquear la imagen y realizar la transición a tomas posteriores cuando hay una obstrucción frente al sujeto. Las cubiertas se pueden dividir a grandes rasgos en dos tipos: cubiertas inmuebles (paredes u otros objetos grandes) y objetos móviles como peatones. Ambos se pueden conectar directamente, pero usar un escudo para conectar parece más natural.

Usar imágenes borrosas para conectar diferentes escenas para reunir y no reunir significa sintetizar gradualmente imágenes borrosas en imágenes claras, o convertir gradualmente imágenes claras en imágenes borrosas. Debido a que es una imagen muy abstracta, resulta muy natural usarla para conectar dos tomas diferentes. Pero una cosa a tener en cuenta es que si el color y la imagen de la imagen anterior y la imagen posterior no son los mismos, el resultado final se verá muy disonante.

Por ejemplo, desde una rosa roja hasta la luz de señalización de un coche de policía, o desde el rostro de una persona al rostro de otra, etc., la imagen borrosa debe estar conectada a una escena concreta, en el escenario o en rodaje. Los objetos sólo se pueden utilizar cuando son absolutamente idénticos en color y forma.

Utiliza el efecto de desenfoque causado por el movimiento para conectar la lente: El disparo en movimiento rápido consiste en disparar moviendo la cámara hacia la izquierda y hacia la derecha (o hacia arriba y hacia abajo) a una velocidad extremadamente rápida. Al utilizar este método, aparecerá un efecto borroso al conectar diferentes lentes. Esta técnica da la impresión de poner énfasis en el movimiento en el espacio, y se debe prestar atención al uso de planos muy cortos y rápidos. Si se utiliza un plano largo, será difícil utilizarlo como plano conector para las transiciones de escenas. Tenga en cuenta que el fondo también debería cambiar significativamente en diferentes escenas.

Utiliza el mismo escenario para conectar los planos: Un corte aéreo es cuando se conectan dos escenas diferentes que están sucediendo al mismo tiempo en el plano anterior, se levanta la cámara para disparar al cielo, y luego. la cámara se baja para cambiar a otras escenas. En cuanto al método de edición de la lente, el cielo no es azul, pero se pueden utilizar la luna, el sol, las estrellas, etc. Las escenas de los dos planos pueden estar muy alejadas, pero debe haber un punto de conexión (como el mar).

Utilice el efecto de exposición para conectar la lente: al igual que usar un flash potente para disparar, usar un flash (una lente completamente blanca que aparece en un flash rápido) para conectar la lente es diferente. conectar la lente se llama efecto flash. Incluso si conecta lentes sin puntos de comunicación, no habrá ninguna sensación de falta de armonía. Esta técnica se utiliza a menudo en anuncios y vídeos musicales.

Utiliza pantallas divididas para pasar a tomas posteriores: una práctica común es dividir tomas simultáneas y juntarlas. Si no hace esto, será difícil que la audiencia comprenda la imagen. Se divide la mitad derecha de la lente y se insertan otras lentes para formar la imagen completa. Muy útil a la hora de representar eventos sincrónicos.

8. Otros métodos de edición representativos

Se puede decir que los productos de imagen son una colección de montajes.

Finalmente, presentamos métodos de edición representativos como CUTBACK. Los editores pueden usar diferentes métodos de edición para marcar una gran diferencia en la trama, el estado de ánimo de los personajes y el significado de la imagen, algunos cambios. Incluso dio un giro de 180 grados.

El montaje consiste en crear una historia a través de la combinación de imágenes. Aquí te presentamos este método de edición con muy buenos efectos.

Dejar que aparezcan alternativamente diferentes tomas que están sucediendo al mismo tiempo.

Dejar que aparezcan alternativamente cosas que suceden al mismo tiempo en diferentes lugares. A esto se le llama backcutting (también puede serlo). llamado transversal). Los recortes no sólo enfatizan la continuidad de la escena, sino que también realzan la tensión y la expresividad. Al cambiar la velocidad de disparo de la lente (cámara lenta), la trama se puede hacer más expresiva. En el recorte, las tomas de diferentes lugares aparecen alternativamente y finalmente ambas partes aparecen en el mismo lugar. Este método será más efectivo.

Por ejemplo, si llegas tarde a una cita, las tomas de hombres corriendo rápidamente se alternan con tomas de mujeres esperando en el lugar señalado. Al final, ya sea que los dos finalmente se encuentren o que el hombre no llegue y la mujer se vaya de compras sola, el efecto de la cámara será muy bueno.

Un método de edición similar al cutback es el flashback (FLASHBACK). Flashback se refiere a la inserción de muchos planos ultracortos al mostrar los recuerdos o descripciones psicológicas de los personajes.

Cuando la conexión sea difícil, inserte escenas como pegamento.

El recorte (CUTAWAY) es un método de edición que conecta las tomas frontal y trasera como pegamento. Es un método teórico antitradicional que tiene un gran impacto en toda la audiencia al conectar dos imágenes del mismo tamaño.

Por ejemplo, al filmar una escena de dos personas en una cafetería, en lugar de conectar tomas específicas de las dos personas, se inserta una toma de cubitos de café en el medio para que la película parezca más rítmica. . Siempre y cuando la lente insertada capture el objeto que apareció en la lente anterior.

Por ejemplo, conecte la toma de una mujer mirando gemas, el primer plano de las gemas y las tomas de ella comprando en otras tiendas. Por favor, sienta por sí mismo, si no hay una lente de esta joya, qué diferencia le dará al público en términos de ritmo y shock.

¡Utiliza tomas de diferentes fotogramas para conectarlas y crear una sensación de ritmo!

Acercar y alejar es una forma muy común de aportar novedad a las lentes comunes.

Combina tomas de estado de ánimo con diferentes encuadres (generalmente primeros planos que pueden expresar el estado de ánimo del personaje) y tomas de escena (tomas de situación, generalmente tomas largas o tomas súper largas) en etapas. El enfoque habitual se divide en 3. etapas, tenga en cuenta que los fotogramas de diferentes tomas son diferentes.

Por ejemplo, una toma de acercándose tres veces a un hombre fumando (ampliar). También puedes alejar gradualmente la imagen en tres pasos. Este método se puede utilizar si el mismo cuadro es monótono.

Lo maravilloso del "cutback" desde la perspectiva de las películas

El backcut es una técnica de edición que hace que dos o más tomas de escenas diferentes se crucen con algún tipo de correlación. Este método puede parecer difícil, de hecho, podemos verlo a menudo en series de televisión y películas. Es una técnica de edición muy común.

Por ejemplo, hombres y mujeres en el teléfono aparecen alternativamente. Esta es una toma muy común, pero utiliza el método de recorte. La ventaja de recortar es que hace que el paso del tiempo se repita, dando una sensación de tiempo más cercana a la de la película.

Por ejemplo, al describir a un asesino y la policía persiguiéndolo, el uso de recortes llevará la película a un clímax, aumentará la sensación de velocidad y dará al público una mayor sensación de tensión. El clímax de "El silencio de los corderos" se desarrolla hábilmente utilizando técnicas de recorte.

La técnica del recorte puede dar un nuevo significado a la toma: por ejemplo, la escena de la película de Hitchcock "Atrapar a un ladrón": Kelly Brand y Grace Kelly en el hotel Mientras hablan en la habitación, fuegos artificiales fueron lanzados fuera de la ventana. Los fuegos artificiales aquí sirven como metáfora del amor entre los dos. Aquí, los planos de los fuegos artificiales se recortan para hacer más expresiva la trama de la película.

En la película "Hell" de Kerppola, el recorte vuelve a ser algo filosófico.

En la escena donde Wenrad asesinó al coronel Carter, se insertó una escena de los aborígenes sacrificando ganado a los dioses. Esta toma es fácil de entender, pero Crapo abordó la escena desde una perspectiva antropológica cultural.

¿Qué software es bueno para la edición de vídeo?

No hace mucho, hubo un evento dentro de la empresa, cuyo objetivo principal era mejorar el entendimiento mutuo y el trabajo en equipo entre los empleados. Realice un vídeo sencillo para reproducir la presentación de cada colega, como puesto, edad, áreas de especialización, etc., para facilitar la navegación por parte de los conocedores de la empresa. Como miembro del departamento de planificación, naturalmente tengo la responsabilidad de esta tarea. Sin embargo, ¿qué software es mejor para editar videos? Es realmente un problema para mí, que nunca he usado este tipo de software.

Entonces comencé a buscar en línea y encontré una gran cantidad de software de edición de video, y todas las presentaciones del software decían que era muy poderoso. ¿Qué software es bueno para la edición de video? la respuesta.

El primer software que probé fue Premiere. Tuve muchos problemas para descargar e instalar el software, finalmente descargué e instalé uno, pero no funcionó después de que lo abrí. y luego lo instalé, pero no pude desinstalarlo, así que le pregunté a "Baidu" una y otra vez, y finalmente lo desinstalé, instalé otra versión y comencé a buscar tutoriales para estudiar cómo usarlo. Solo inserté algunas fotos y luego inserté efectos de transición. Estaba tan desordenado que estaba tan mareado que ni siquiera pude sacar un video.

¿Qué software es bueno para la edición de video? Continué preguntando a Baidu, así que encontré la versión china de VideoStudio X5. También la descargué y la instalé. Esta instalación me ahorró muchos problemas y fue exitosa. una vez. Cuando lo abra, verá que la interfaz de la línea de tiempo de VideoStudio es mucho más grande, lo cual es muy adecuada para ajustar y ver. Precisamente porque he estudiado Premiere antes, la interfaz de VideoStudio es relativamente clara. pasos para explicar.

1. Importe fotos, música de fondo y otros materiales a VideoStudio. Dependiendo de la versión, el método de importación también es diferente. En VideoStudio X5, haga clic derecho en el área de edición de cada pista para insertar. , y para versiones anteriores, puede elegir importar desde "Archivo" en la barra de menú.

2. Inserte efectos de transición entre fotos (los usuarios también pueden configurar el video para que agregue automáticamente efectos de transición. Todos los efectos de transición están en el área de la biblioteca de materiales. Puede seleccionar los efectos de transición y arrastrarlos. Simplemente vaya entre ellos). fotos.

3. Edite la música de fondo de acuerdo con el contenido del video. El objetivo principal de editar la música de fondo es detener la línea de reproducción en la parte que necesita cortarse. seleccione el logotipo de estilo "tijeras pequeñas". Se puede cortar directamente, la música se divide en dos partes y las partes innecesarias se pueden eliminar.

De esta manera, se completa toda la edición del video. Todo lo que necesitas hacer es exportarlo. Toda la edición es inteligente y simple, lo cual es muy adecuado para un principiante como yo.

¿Qué software es mejor para editar vídeos? Esta pregunta ya ha sido respondida. Porque siento una sensación de logro al hacer videos por mi cuenta. Más tarde, investigué más basándose en los tutoriales de VideoStudio y descubrí que VideoStudio no solo es fácil de operar e inteligente, sino también un software de edición de video profesional, es el más adecuado. principiantes a elegir este software. ;