¿Cuáles son las características del cine independiente estadounidense contemporáneo? Por favor sea detallado, gracias.

El cine independiente proviene del inglés “independent film”, también conocido como cine independiente. Es un concepto correspondiente al cine convencional de Hollywood. Como todos sabemos, el desarrollo del cine hasta convertirse en una industria madura se completó básicamente en Hollywood. Después de que gradualmente tomaron forma el gran sistema de estudios, el sistema de estrellas, el modelo de cine de género, la industria cinematográfica de Hollywood básicamente ha madurado; La industria cinematográfica mundial es el centro de los Estados Unidos, su estatus en los Estados Unidos es incomparable y se ha convertido en sinónimo de la industria cinematográfica. Sin embargo, las características del cine nunca pueden medirse únicamente por los negocios. Desde el día en que nació, el cine ha sido explorado y practicado continuamente como una forma de arte y una herramienta para la expresión de ideas. Por supuesto, desde la perspectiva de toda la historia del desarrollo cinematográfico, la industria cinematográfica de Hollywood ha desempeñado un papel vital en la promoción de películas en todo el mundo, pero la corrección excesiva es inevitable. El desarrollo excesivo de la industria cinematográfica dañará inevitablemente el arte cinematográfico. Por lo tanto, un grupo de artistas comenzó a iniciar la creación cinematográfica sin considerar intereses comerciales, utilizando únicamente su voluntad personal como punto de referencia y recaudando sus propios fondos para iniciar la creación cinematográfica. Este tipo de creación se denominó "cine independiente".

Las películas independientes se originaron en Estados Unidos en la década de 1960 y al principio fueron sólo una rebelión contra el sistema de producción de Hollywood. Pero con el desarrollo de la industria cinematográfica, las películas independientes actuales ya no pueden distinguirse únicamente por su sistema de producción. Hoy en día, las películas independientes se parecen más a las "películas de autor", mostrando ciertas características inherentes en la forma y el núcleo espiritual, no importa si son incorporadas al sistema de la industria cinematográfica por los productores. En otras palabras, las llamadas "películas independientes" deberían examinarse más desde sus características artísticas e ideológicas. En cuanto al sistema de producción, es sólo un indicador de referencia. Si una película puede crearse según el libre albedrío del artista desde el principio, y el productor solo desempeña el papel de inversor y no interfiere con el contenido específico de la película, entonces no importa si la película tiene a Michael en el título. Ya sea The Lion de May o The Peak de Paramount, no afectará su identidad como película independiente.

El cine independiente se ha desarrollado hasta nuestros días y ya es un concepto ampliamente aceptado. De hecho, en países de todo el mundo existen las llamadas "películas independientes". En términos generales, cualquier creación cinematográfica que esté fuera del sistema cinematográfico convencional (comercial/oficial) del país puede clasificarse como una película independiente. Esto también da como resultado la calidad desigual de las películas independientes. Dependiendo de los estándares personales del creador, puede ser una obra maestra artística superior o una basura de mala calidad. Pero relativamente hablando, la región donde el cine independiente está más desarrollado y ha logrado mayores logros es precisamente Estados Unidos, donde el cine comercial está más desarrollado. Por lo tanto, tomar el cine independiente estadounidense como ejemplo puede darnos una visión relativamente completa y profunda. Comprensión del cine independiente. Por supuesto, desde un punto de vista puramente conceptual, los documentales y los dibujos animados pueden considerarse películas independientes, pero en la práctica, las películas independientes generalmente sólo se refieren a largometrajes. Aquí también nos referimos a "películas independientes" en el sentido de largometrajes. de.

Almas diversas

Estados Unidos es una sociedad diversa, donde una variedad de culturas, ideas y valores pueden encontrar su lugar. Este es también el tema de las películas independientes estadounidenses. Una razón importante por la que surge sin cesar. Por supuesto, todavía existen voces "autorizadas" de la corriente principal, pero para los artistas apasionados por la creación cinematográfica independiente, esas voces son simplemente "tonterías" y todo lo que tienen que hacer es hacer oír sus propias voces. Para las películas independientes, lo que importa no es lo que dices sino lo que dices.

Esta forma cultural abierta y diversa también conduce directamente a la apertura y diversidad de las películas independientes estadounidenses. Básicamente, no existen restricciones sobre el tema de las películas independientes estadounidenses. La política, la violencia, el erotismo, la ciencia ficción, el crimen e incluso los sueños inexplicables pueden convertirse en temas de películas independientes. Como resultado, es difícil utilizar un género específico para cubrir películas independientes; esos métodos de clasificación de géneros generalmente solo son válidos para películas comerciales de Hollywood.

Las diversas características de las películas independientes pueden incluso ser confirmadas por sus creadores. Si miras con atención, encontrarás que los directores de cine independientes suelen ser de diferentes razas, clases y regiones. son mejores, y estas áreas se entrelazan para formar un panorama complejo de películas independientes estadounidenses.

Por ejemplo, John Cassavetes, el "padre del cine independiente estadounidense", nació en una familia de inmigrantes griegos. El énfasis de los griegos en los conceptos y las relaciones familiares afectó naturalmente las creaciones de Cassavetes, por lo que en sus obras podemos verlo claramente. su meticulosa observación y tortura de las familias estadounidenses. Lo que atraviesa las obras de Cassavetes es esta profunda comprensión de la familia y los diversos desafíos que plantea la familia. El famoso Woody Allen nació en una familia de intelectuales judíos en Brooklyn, Nueva York; Este ambiente familiar hace que las obras de Woody Allen respiren sinceramente una atmósfera intelectual, por lo que podemos ver que siempre está criticando, desde "Annie Hall" hasta "Melenda y Melinda", el sentido de responsabilidad intelectual de Woody Allen no muestra signos de desvanecerse. ; él también nació en Nueva York, Spike Lee, quien también es un director de renombre, se encuentra en un ángulo completamente diferente. Debido al color de la piel, las cuestiones raciales se han convertido en un tema persistente en las películas de Spike Lee y el origen de. Las películas de una familia civil de Spike Lee están llenas de sabor callejero. Las dos están superpuestas, y el estilo de las películas de Spike Lee construidas es naturalmente muy diferente al de Woody Allen. Ambas están en la ciudad de Nueva York, pero a los ojos de los dos. artistas Aquí, hay una escena completamente diferente; el padre de Jim Jarmusch es húngaro y su madre es iraní. Esta ascendencia hace que las películas de Jarmusch sean más "extrañas". Una cosa obvia es que la forma de pensar no cristiana contenida en las obras de Jarmusch está obviamente relacionada. a su origen familiar, especialmente su madre iraní; la turbulenta vida infantil de David Lynch y su experiencia viviendo en los barrios marginales de Filadelfia hacen que sus obras estén siempre llenas de oscuridad y miedo a la corrupción y la violencia. Esto es completamente diferente del estilo de otros directores. El llamado "Fantasticismo" "Lin".

Incluso para el mismo tipo de tema, diferentes directores independientes a menudo tienen diferentes perspectivas y opiniones. Tomemos el sexo como ejemplo. En "Sex Guide" de Woody Allen, la farsa sin sentido deconstruye el modelo sexual tradicional y los chistes mordaces reemplazan la discusión seria original. Para llevar esta farsa hasta el final, Woody Allen Lun incluso interpretó a un esperma parlanchina. él mismo (Dios, sólo este tipo puede pensar en eso); y en Soderbergh, el sexo se ha convertido en un símbolo que hace referencia a la crisis espiritual de la gente contemporánea, por eso en "Sex, Lies" En "Video", el sexo está distorsionado y sólo hará que la gente está ansiosa, pero nunca será tan relajada y divertida como Woody Allen; en "Tres en una cama" de Greg Arache, el sexo se ha convertido en una forma eficaz para que los jóvenes hagan alarde de sí mismos y expresen su individualidad. , ni siquiera tiene un modelo existente. Casi conduce a una especie de "nihilismo sexual" y en Richard Cohen En los cortometrajes independientes, todo sexo es un medio de autoexpresión pervertido y deformado, lo cual es una pérdida total; y decadencia... En resumen, los directores de películas independientes tienen cada uno sus propios estilos y temas. Esta mirada diversa se mezcla para formar el panorama general de las películas independientes.

Por supuesto, aunque hay diversidad, todavía hay un centro relativo. Desde un punto de vista geográfico, el centro del cine independiente estadounidense es Nueva York, lo que puede resultar un tanto irónico: Nueva York es el centro económico de Estados Unidos e incluso del mundo, y es el lugar con la atmósfera comercial más fuerte como podría. ¿Engendra películas independientes anticomerciales? Las razones principales probablemente sean las siguientes: En primer lugar, desde una perspectiva cultural, Hollywood pertenece al círculo cultural del Pacífico en la costa oeste, mientras que Nueva York pertenece al círculo cultural del Atlántico en la costa este. Los atributos culturales de los dos lugares son muy diferentes. han sentado las bases para la prosperidad del cine independiente en Nueva York. En segundo lugar, desde un punto de vista económico, aunque Nueva York está económicamente desarrollada, el centro de la industria cinematográfica está en Hollywood no puede ni puede establecer un sistema cinematográfico comercial. Además, Nueva York, como ciudad enorme, tiene un consumo cultural diverso y multinivel. Una sola película comercial de Hollywood no puede satisfacer los múltiples gustos de los "neoyorquinos". Acabo de llenar este vacío. Sin embargo, con el desarrollo de las películas independientes en los últimos años, la posición central de Nueva York ha comenzado a tambalearse. Creo que en los próximos años las películas independientes estadounidenses mostrarán una tendencia de desarrollo dispersa y sin centros.

Humor negro

El humor negro en las películas independientes estadounidenses es más bien un humor triste, utilizado como sustento espiritual para aquellos que están en los márgenes y en la base de la sociedad. El efecto emocional de este humor es la lástima por ellos mismos o la burla de los hipócritas "grandes hombres". El principal representante de este último es Woody Allen. Este director de cine intelectual independiente es conocido por sus comedias exageradas y divertidas, y la mayoría de ellas subvierten la tradición y la autoridad, especialmente sus primeros trabajos como " "Banana", "Sex Guide" y ". Idiots Raising Science City" son burlas y parodias de películas clásicas del género Hollywood, como películas políticas, películas eróticas y películas de ciencia ficción. Pero estas burlas y parodias no son en absoluto chistes baratos y sin valor. Siempre invitan a la reflexión y hacen que la gente se sienta un poco triste después de reír. En las obras intermedias y posteriores de Woody Allen, este tipo de humor negro ha logrado grandes avances. Ya no se dirige únicamente a Hollywood, sino que ridiculiza y satiriza a toda la sociedad y a la propia naturaleza humana. Por ejemplo, en "Érase una vez en Stardust", "Todos dicen que te amo" y "Bullets Over Broadway", conceptos profundos como la naturaleza humana, el amor, la violencia, la felicidad, etc. reemplazaron a Hollywood y se convirtieron en el objetivo de Woody Allen. Aunque suene un poco misterioso, las geniales habilidades cómicas de Woody Allen siempre pueden liberar cargas inesperadas y hacer reír al público. Incluso en "Érase una vez", considerado el más oscuro de los homenajes a Bergman, la autodesprecio de Woody Allen es claramente visible, ya que imita a los maestros del cine artístico europeo en esta película, hasta el punto de que los críticos lo llamaron burlonamente Woody. "9 y 1/2" de Allen, pero Woody Allen no solo aceptó esta evaluación, sino que también la consideró como su mejor trabajo con tranquilidad. Por supuesto, ridiculizar a Hollywood es un tema que Woody Allen nunca olvidará. El más representativo es "La rosa púrpura de El Cairo", que se burla y confronta amargamente los sueños creados por la industria cinematográfica de Hollywood. Hay un gran contraste entre el mundo real y el mundo del cine en la película, que también es fuente de varios trucos y bromas en la película. Esta es sin duda una comparación entre la vida real y la vida exagerada y encalada de la película. planteando una feroz objeción a la industria cinematográfica. El trasfondo histórico elegido para la película durante la Gran Depresión fue también una condición importante que utilizó Woody Allen para enfatizar deliberadamente el contraste entre el interior y el exterior de la pantalla. Esta es una de las obras más importantes de Woody y sus reflexiones sobre el cine le han dado un encanto único y duradero.

Más directamente, burlarse de la gente pequeña es una técnica común utilizada por la mayoría de los directores de cine independientes. Por ejemplo, los hermanos Coen están entre los mejores. Desde que entraron en la industria cinematográfica con "Blood Labyrinth", este humor negro amable, humilde y un poco extraño se ha convertido en el sello distintivo de las obras de los hermanos Coen. Especialmente "Blood Labyrinth", es una película histórica en la historia del cine independiente. Las características básicas del contenido y la forma de esta película han influido en muchas películas estadounidenses en el futuro, especialmente en la gran cantidad de películas independientes que aparecieron después de la década de 1990. Las obras cinematográficas se han convertido en tendencia casi diez años después. Sin embargo, "Blood Maze" fue sólo el primer intento de los hermanos Coen. Unos años más tarde, "Barton Fink" hizo que los hermanos Coen fueran verdaderamente famosos a nivel internacional. Al mismo tiempo, en esta obra también maduró el humor negro de los hermanos. Al igual que Woody Allen, "Barton Fink" también está lleno de burlas de los hermanos Coen hacia Hollywood. Quizás esto sea un reflejo de los sentimientos personales de los hermanos después de que "Blood Maze" se hiciera famoso. Para esos magnates de Hollywood, el jefe de la compañía cinematográfica en "Barton Fink" es su representante típico. Su actitud orientada al dinero le permite arrodillarse y besar los pies de un guionista, y también puede matar a un miembro del personal que no cumple con los requisitos. Los requisitos para patear eran completamente inhumanos y, por supuesto, el llamado arte cinematográfico no estaba dentro de su alcance. Después de eso, "Hudsucker Agent", "Fargo" y "The Big Lebowski" de los hermanos Coen heredaron el estilo del humor negro en "Barton Fink". A través de este humor negro, los hermanos Coen no sólo ampliaron su pensamiento sobre el dinero y el arte. en sus películas, pero también lograron un éxito comercial inesperado.

Y "Dude, Where Are You" del año 2000 se convirtió en otro hito en el proceso creativo de los hermanos Coen después de "Barton Fink". Esta película que describe la fuga de tres estúpidos ladrones fue en realidad una adaptación de la épica "La Odisea". En esta historia, los hermanos Coen llevaron a cabo una exploración metafórica de la historia y la política estadounidenses, rastreando los cambios históricos en la política democrática, la religión y la mentalidad pública estadounidenses en la década de 1930. En este punto, la película puede considerarse una épica y bien merecida. Por ejemplo, al final de esta película, el humor negro de los hermanos Coen le dio a la película su tono originalmente trágico y finalmente tuvo un final cómico: una inundación del cielo rescató a tres estúpidos ladrones que estaban a punto de ser ejecutados. Parece que los hermanos Coen no sólo se están burlando de los jefes de Hollywood, sino también de los jefes de "La Biblia".

El mismo ejemplo es Quentin Tarantino. Este mago del cine estadounidense obsesionado con el kung fu chino también es famoso por su estilo de humor negro. A partir de su famosa obra "Reservoir Dogs", este tipo de burla y sátira con las pandillas, el crimen, la violencia, etc. como objetos principales se ha convertido en la marca única de Quentin y en "Pulp Fiction", todos los miembros de las pandillas son representados como sucios; estúpidos y carentes de la capacidad de pensar normalmente, a menudo fanfarronean frente a los débiles, pero cuando se encuentran con un personaje más fuerte que ellos, no saben qué hacer e incluso están dispuestos a aceptar insultos personales y físicos. para salir de la situación, un grupo de payasos hace reír a la gente; en el reciente trabajo de Quentin "Kill Bill", esta "estética de la violencia negra" se ha desarrollado al extremo, la heroína empuña una espada samurái, pelea con gánsteres japoneses y mata. Individuos ¡Es fácil pisar una hormiga! ¡Esta escena es probablemente la burla de Quentin sobre el abuso del kung fu chino por parte de Hollywood!

Este tipo de humor negro también es común en las obras de Jim Jarmusch. Por ejemplo, en su película "Ghost Dog Killer", el protagonista de la película es un americano negro que es un asesino al estilo de un samurái japonés, pero Jarmusch encontró un hombre gordo para desempeñar este papel. Mira a este negro que pesa. varios cientos de libras en la pantalla Bailar con una espada samurái y girar es divertido en sí mismo, pero eso no es todo. Jarmusch también le pidió al asesino que se comunicara con su maestro a través de "palomas voladoras", además del uso de música Hip-Hop. El contraste es aún más divertido. Además de "Ghost Dog Killer", "Strangers from Paradise", "Mystery Train", "¿Has visto el color de la muerte" e incluso la reciente "Broken Flower", si lo pruebas con atención, encontrarás lo oculto? significados en él. Contiene mucho humor negro. Aunque las películas de Jarmusch siempre han sido conocidas por su frialdad, extrañeza y alienación de la cultura estadounidense, el humor negro que contienen es verdaderamente estadounidense.

El representante más típico del humor negro en el cine independiente estadounidense es "Clark" de Kevin Smith. Esta producción independiente costó sólo 27.000 dólares, suficiente para avergonzar a las películas de comedia de Hollywood de 1994 e incluso de toda la década de 1990. La historia es muy sencilla. Los protagonistas son dos dependientes de tienda corrientes. No pasó nada trascendental en sus vidas. Sin embargo, el ingenio del director permitió a los dos protagonistas vivir una serie de cosas embarazosas que parecían ridículas pero que eran razonables: No hay negocio. al abrir una tienda; cerrar la tienda e ir a jugar al golf, pero hacer el ridículo e incluso tirar el ataúd... Las historias de la película suceden todas en un día; En conexión, se interpretan a la perfección. La capacidad del director para escribir y contar historias es realmente admirable. Las historias son comunes, pero están llenas de una filosofía profunda. En una serie de cuentos así, las interacciones entre las personas se reflexionan constantemente y finalmente nos revelan una verdad aparentemente simple pero a menudo ignorada: no te olvides de ti. seres queridos y amigos a tu alrededor en todo momento. El éxito de "Clerk" se debe en gran parte a los maravillosos diálogos. Kevin Smith es desenfrenado y no rehuye la carne y el pescado, lo que capta firmemente el gusto de los jóvenes.

Además, en las películas independientes suele haber uno o varios personajes de comedia destacados para llevar el humor negro a lo largo de la película. Como Tom Cruise en "Magnolia", Dustin Hoffman en "I Love Huckabee", Samuel L. Jackson en "As You Should Do", etc. La ambientación de estos personajes añade un poco de ligereza a la película originalmente seria. Parece insignificante, pero en realidad conecta el pasado y el futuro, estructura toda la película y tiene un mayor espacio para la actuación. Los papeles y observar las habilidades de actuación de Da Biao son realmente bastante agradables.

Libertad·Rebelión·Violencia

Para el cine independiente, la libertad debería ser su característica central.

La libertad aquí no sólo se refiere a la libertad de las ataduras comerciales, sino también a la libertad de expresar la propia alma. En este sentido, la llamada "película independiente" es en realidad una "película libre". Por supuesto, la libertad también significa romper con las limitaciones, y romper con las limitaciones también significa rebelión contra lo existente. De esta manera, la connotación espiritual única de las películas independientes es esta "rebelión libre".

Así encontraremos que en muchas películas independientes los protagonistas no son compatibles con el sistema social existente y suelen mostrarse cínicos y desinhibidos como forma de resistencia. Tomemos como ejemplo "Wild at Heart" de David Lynch. Los protagonistas de la película son un hombre y una mujer que no dudan en utilizar todo tipo de métodos sensacionales para romper conspiraciones y resistencias mundanas y unirse. En esta película, Lynch utiliza escenas surrealistas de violencia sangrienta y fantasías eróticas para mostrar el estado mental ansioso y deprimido de la gente moderna. Está llena de análisis psicológico freudiano y tiene un fuerte color extraño, pero también revela una especie de aura del tiempo. al tiempo. La pasión romántica es un tipo de persistencia en el amor extremadamente alternativo. "Wild at Heart" es también una típica road movie y rock movie. El estado más común del protagonista es conducir un auto y acelerar en la autopista, apareciendo frente al mundo como un cantante de rock rebelde. La posterior "Lost Highway" puede considerarse básicamente como una continuación de "Wild at Heart". El estilo, las características, las técnicas de imagen de la película e incluso el protagonista (Nicolas Cage) no han cambiado. Sólo que esta vez, las presiones mundanas abstractas y conceptuales de "Wild at Heart" se han transformado en una cinta reveladora. Esta es una película experimental y de pesadilla que representa a los personajes oscuros, extraños y misteriosos de Chaotic Psychology. de las películas de Lynch. Vale la pena señalar que, además de la rebeldía del protagonista, este tipo de revelación desnuda que va directo al corazón del personaje es en realidad una forma de rebelión cinematográfica independiente. El artista utiliza esta forma para liberar el alma del personaje, que en realidad es una rebelión. reflejo del yo interior del personaje. La rebelión contra la falsa "Fábrica de sueños" de Hollywood es común en las películas independientes, pero es más obvia y extrema en el caso de David Lynch.

Pero comparado con Oliver Stone, David Lynch parece mucho más amable. Al menos la perversidad violenta de "Natural Born Killers" definitivamente no se encuentra en "Wild at Heart" y "Lost Highway". "Natural Born Killers" puede ser la película independiente estadounidense más violenta de toda la década de 1990. En esta película, Oliver Stone rompió todas las reglas y regulaciones, e incluso ignoró la experiencia visual del público, llevando la estimulación de la violencia al extremo. Esto no es sólo una ironía de Hollywood, sino también un completo contraataque contra el lado oscuro de la sociedad y la cultura estadounidenses. Sin embargo, este tipo de contraataque es desesperado en comparación con la sociedad, el poder de los individuos siempre parece muy pequeño y los protagonistas sólo pueden expresar su ira y resistencia matando o incluso matando a personas inocentes indiscriminadamente. Por supuesto, no es un embellecimiento incondicional del violento Stone. Cuando el protagonista masculino mata a un amable anciano indio, la actitud de la película hacia él obviamente se vuelve despectiva. Esto es diferente del trato heroico del protagonista masculino en la escena del motín en la prisión. La representación contrasta marcadamente.

La violencia pura, sin modificaciones y desnuda de "Natural Born Killers" es similar a las películas de gánsteres de Quentin Tarantino. Entre las pocas películas de Quentin en la obra, la violencia también se ha convertido en una pista poderosa a lo largo de la película. Especialmente en "Kill Bill", Quentin no puso mucho esfuerzo en la narrativa, pero describió la violencia misma en detalle, dándole incluso un cierto color poético. Este tipo de estética de violencia extrema es mucho más cómoda que la de "Asesinos natos" en términos de percepción, pero no es diferente en términos de efecto ideográfico.

También vale la pena mencionar que "Shooting Andy Warhol", una película independiente filmada por la directora Mary Harron en 1996, fue adaptada de hechos reales y utilizó básicamente la técnica del dibujo lineal para volver a contar los hechos. De manera simple, verdadera y tranquila nos presenta la trágica vida de una feminista. Para Andy Warhol, una figura importante en la historia del arte popular, la película no tiene demasiadas representaciones positivas. En cambio, se centra en Vermilie, quien lo asesinó, y se centra en mostrar la motivación interna del asesinato de Vimili. figura del feminismo, pasó a primer plano. Vimili no es una pionera consciente del feminismo. Su resistencia proviene más de su experiencia personal. Es precisamente porque este tipo de resistencia emocional proviene de impulsos profundamente arraigados lo que la hace más impactante y poderosa.

Cuando era estudiante universitaria, Vimili mendigaba y se prostituía en las calles, lo que en sí mismo era una rebelión contra el sistema. En este sentido, la violencia en "El tiroteo de Andy Warhol" no es la violencia que Vimili infligió a Andy Warhol, sino la violencia que la sociedad estadounidense infligió a Vimili. Como representante del cine feminista, "El rodaje de Andy Warhol" expresa la acusación y la resistencia de las mujeres estadounidenses modernas contra la sociedad patriarcal, lo que significa el resurgimiento de la conciencia femenina a finales del siglo pasado. En este sentido, "El rodaje de Andy Warhol" puede considerarse una obra rebelde incluso entre las películas independientes, porque la conciencia masculina que la película resiste y acusa no sólo se encuentra en las películas convencionales de Hollywood, sino también en las películas convencionales. También es común en películas independientes. El éxito de "El tiroteo de Andy Warhol" también inspiró a los recién llegados. Poco después, películas feministas como "Boys Don't Cry", "The Devil Wears Prada" y "Million Dollar Baby" aparecieron sucesivamente en la pantalla grande y se hicieron populares. Fue un gran éxito.

Por supuesto, la violencia no es el único medio de rebelión. A veces, la ternura es también una pistola silenciosa. Tomemos como ejemplo "Buffalo '66". En esta película independiente escrita, dirigida, interpretada, interpretada y cantada por Vincent Gallo, casi no hay escenas violentas. Toda la película se desarrolla en una atmósfera discreta y triste, complementada con. con un piano ligero, baladas alternativas sentimentales y una banda sonora de claqué, nos cuenta la historia de un niño deprimido que regresa a casa. Pero en esta atmósfera aparentemente cálida, se hace evidente la frialdad y la alienación de las relaciones interpersonales en las familias estadounidenses. Lo más impresionante es la escena en la que el protagonista come en la misma mesa con sus padres y su novia. La cámara está deliberadamente rígida y solo muestra a una cuarta parte de las personas en la mesa. La cámara se jacta sola y luego cambia a la siguiente persona. Aquí se demuestra claramente la vergüenza de una familia rimbombante, falta de comunicación y sin emociones. En este simple corte de lentes, el público puede sentir fuertemente la existencia de una especie de "violencia fría". Como dice el refrán, "en este momento el silencio es mejor que el sonido". Sin palabras, el protagonista ha emitido su declaración de rebelión.

Al igual que "Buffalo '66", "Do What You Should Do" de Spike Lee también utiliza más técnicas de expresión de "violencia fría". Esta es una película sobre cuestiones raciales. Desde el comienzo de la película, se demuestra claramente la marcada oposición entre la comunidad blanca y la comunidad negra. Pero a diferencia de otras películas callejeras, Spike Lee no dejó que este enfrentamiento se convirtiera rápidamente en un fuerte conflicto físico, sino que fue implícito, convirtiendo la violencia en un montón de fragmentos de imágenes, y tratando de prolongar el momento lo más posible. formando así una fuerte tensión dramática, permitiendo que el público se involucre inconscientemente en el evento durante el proceso de visualización de la película. En "Do the Right Thing" de Spike Lee, la rebelión violenta muestra una clara curva de desarrollo, avanza capa por capa como hervir una rana en agua tibia, y finalmente alcanza un clímax que no es ni demasiado grande ni demasiado pequeño, ni "Buffalo" ni " Buffalo". "City '66" es tan tierna como "Natural Born Killers", y no tan violenta como "Natural Born Killers". Se puede decir que la creación de Spike Lee es única. En sus manos, la violencia es perfecta, y La rebelión y la libertad son el núcleo de sus obras. El tema, la violencia, nunca predomina.

El dolor del pensamiento

Esto de ninguna manera es una pretensión de ser un lobo de cola grande. La razón por la que uso un término tan amargo como "el dolor del pensamiento" es. Realmente porque no puedo encontrar una forma de expresión más apropiada. Los judíos decían: "Cuando los humanos piensan, Dios se ríe". Sin embargo, todavía hay un grupo de personas que se apegan al campo del pensamiento de caña. Específicamente para las películas estadounidenses, no existen las llamadas "películas de arte" y "películas de poesía". Las funciones ideológicas y artísticas de las películas las desempeñan principalmente películas independientes. Por supuesto, no estoy diciendo que las películas convencionales no tengan funciones ideológicas y artísticas, pero en comparación con la estimulación sensorial pura de la mayoría de las películas comerciales, las películas independientes tienen un temperamento mucho más fuerte en este sentido.

Además, a diferencia de las películas artísticas en Europa y otras partes del mundo, las películas independientes estadounidenses están arraigadas en el suelo cultural occidental contemporáneo y están acostumbradas a reflejar directamente los problemas de supervivencia de las personas actuales. No importa qué tema o tipo adopte la película, este tipo de exploración profunda de la naturaleza humana y la ansiedad por la supervivencia actual es común en las películas independientes estadounidenses.

Tomemos como ejemplo "Lone Star" de John Sayles. La película adopta el tema de una película policial y combina elementos comúnmente utilizados en películas comerciales como suspenso, western y terror. Al principio, realmente hace que la gente piense que se trata de una película comercial común y corriente, pero a medida que avanza, se vuelve independiente. películas Su temperamento emergió gradualmente.

La narración de la historia trae un misterio tras otro a la audiencia y, a medida que los misterios se resuelven uno tras otro, la verdad emerge gradualmente. En el proceso, la película llevó a cabo una reflexión profunda sobre el papel de la política en la sociedad estadounidense contemporánea y su impacto en la gente común. Se puede decir que "Lone Star" se disfraza de película policial, pero en realidad es una película. Película seria. Película política.

Del mismo modo, "Summer of Sam" de Spike Lee también es una película independiente con una temática criminal. En esta película, la historia también está provocada por el asesinato, y el asesinato se utiliza como refuerzo de la trama para avanzar capa por capa. El protagonista de la película está involucrado en la confusión provocada por el asesinato, pero la atención no está en el. Asesinato en sí, pero en torno al caso de asesinato, inició una discusión en profundidad sobre la relación entre las personas. A medida que avanza la trama, el asesinato acaba convirtiéndose en nada más que un telón de fondo. Lo que Spike Lee quiere contarnos no es de ninguna manera una historia de misterio criminal, sino una cuestión ética entrelazada de familia, amistad, traición y lealtad frente a la crisis. En "Summer of Sam", este tipo de pensamiento doloroso se puede sentir claramente. De hecho, el propio Spike Lee no tiene la respuesta. Simplemente nos señaló varias posibilidades sobre qué hacer. esperar. El público piensa por sí mismo.

"Summer of Sam" es similar a "Elephant" de Gus Van Sant. En "Elephant", Gus Van Sant también utilizó un lenguaje de lente frío. Aunque toda la película se basa en un. Tiroteo en la escuela, no hay muchas escenas que describan directamente este incidente. Al igual que Spike Lee, Gus Van Sant también lleva a la audiencia a pensar por sí mismos. Lo que hizo fue simplemente restaurar la escena original del evento de la manera más realista posible.

También vale la pena mencionar que "Far From Las Vegas" de Mike Figgis es una película independiente llena de colores sentimentales que acerca al público al director desde el principio. Cuando veas "Far From Las Vegas", nunca experimentarás la falsa emoción como en "Dream Factory" de Hollywood, sino un dolor real. Figgis nos organizó una historia de amor entre una prostituta y un alcohólico, pero en la película ni a la prostituta ni al alcohólico les falta humanidad. Al contrario, lo que sentimos es la represión y opresión de los dos protagonistas por parte de toda la sociedad. La esclavitud, aquí las prostitutas y los borrachos son en realidad sólo metáforas de la identidad. Lo que el director realmente quiere decir es la ansiedad por la difícil situación actual de la supervivencia de la gente.

"Magnolia" de Paul Thomas Anderson va más allá que "Far From Las Vegas". En "Magnolia", el director nos presentó un retrato de gente contemporánea temerosa, ansiosa y decadente. Durante más de tres horas, Anderson utilizó técnicas narrativas para combinar hábilmente 9 desarrollos paralelos en las 24 horas del día. juntos, utilizando a padres e hijos, la ira y el perdón, el mundo ilusorio de la televisión y la vida real, las expectativas y las pérdidas, las oportunidades y las oportunidades perdidas como punto de partida, y muestran verdaderamente la confusión y la lucha de las personas. "Magnolia" tiene un estilo de expresión fuerte y moderno que es completamente diferente de las películas comerciales de Hollywood.

La modernista más típica es "Kafka" de Soderbergh. Esta película protagonizada por el famoso escritor Kafka en realidad no tiene nada que ver con el propio Kafka, Soderbergh retejió la historia de un thriller político en el que Kafka simplemente tomó prestados ideogramas. Toda la película es compacta y tiene un ritmo claro, mostrándonos claramente el mundo interior de una paranoia confusa y loca. Para poder adaptar la historia de Kafka hasta tal punto, las habilidades de escritura y dirección de Soderbergh son realmente impresionantes.

Llegado a este punto, hay una película que tengo que mencionar. Esa es "¿Has visto el color de la muerte?" de Jim Jarmusch. "A diferencia de otras películas independientes, esta película está ambientada en los Estados Unidos a finales del siglo XIX. Cuenta la historia de la fuga de un joven inocente. Durante el proceso de fuga, la trama se vuelve cada vez más surrealista y los personajes Los corazones se vuelven cada vez más extraños, la película utiliza las escenas y la atmósfera habituales de las películas occidentales. Las exquisitas imágenes en blanco y negro reproducen perfectamente el primitivismo y la desolación de Occidente, y también purifican el pensamiento espiritual de la película. Cuando el protagonista yace en el barco y al final acepta la muerte pacíficamente, la película tiene un sentimiento redentor apocalíptico. "Ves la muerte