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Apreciación de “Niño con Pipa”

Título: “Niño con Pipa”

Categoría: Óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm

Autor: Picasso

Precio de subasta: 104.168 millones de dólares americanos

Ranking de precio de venta: nº1 del mundo

Época de creación: 1905

Tiempo de subasta: 5 de mayo de 2004

Este es un cuadro pintado por Picasso cuando tenía 24 años. El joven parisino del cuadro es llamado "Pequeño Louis" por Picasso. Va a menudo al taller de Picasso. Mientras pasaba tiempo en el estudio, Picasso lo utilizó como modelo para crear el cuadro "El niño con la pipa". El "pequeño Louis" en la pintura viste un mono azul, sostiene una pipa en la mano izquierda y lleva una corona en la cabeza. Hay dos grandes ramos de flores al fondo, que se parecen un poco a una pintura china. "El pequeño Louis" lleva una corona en la cabeza. Los expertos creen que Picasso decidió añadirla temporalmente cuando la pintura estaba a punto de terminarse, pero parece bastante armoniosa y colorida.

"El niño de la pipa" es la obra maestra del "Período Rosa" de Picasso. Algunos críticos dijeron que este niño tiene tanto "el misterio de la "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci" como "el misterio de la de Van Gogh". "Jardín". "La melancolía del Doctor Xie", esto es realmente como las palabras de un crítico.

El 5 de mayo de 2004, una mujer llamada Betty Whitney confió a la casa de subastas Sotheby's de Londres, Inglaterra, la subasta de "El niño de la pipa" por un precio mínimo de 55 millones de dólares. Antes de la subasta, Sotheby's estimó que el precio más alto de esta pintura al óleo podría rondar los 70 millones de dólares. Inesperadamente, el precio se disparó el día de la subasta y finalmente fue comprado por un misterioso hombre de negocios rico por la impactante cifra de 104.168 millones de dólares. un récord Precio récord mundial para una sola pintura en subasta.

Aunque las obras de arte no tienen precio, sólo hay una palabra para describir el precio de un cuadro: ¡pervertido! Este adjetivo se aplica también a otros cuadros famosos con precios altísimos. Es razonable que una buena obra se venda por cientos de miles, o incluso más de un millón. Una vez que supera esta cifra, básicamente no tiene nada que ver con el arte o la estética, y es completamente una "mercancía".

A los ojos de la gente corriente, si la persona que invirtió cientos de millones de dólares para comprar "El niño de la pipa" no lo hizo por motivos de inversión, sólo habría dos posibilidades de tenerlo. mucho dinero te hace sentir incómodo si no lo gastas y, en segundo lugar, ¡estás mentalmente enfermo! ¿Imagínense quién en su sano juicio gastaría casi mil millones de yuanes en comprar un cuadro? ¡Con tanto dinero, y mucho menos los planos, puedes comprar muchos "chicos con pipas" vivos!

Al escuchar una cifra tan astronómica, se estima que los pintores que aún hoy siguen vivos no solo están celosos sino también un poco confundidos, sino que la mayoría se reprime y no dice nada, por miedo a perder. dinero, recientemente descubrí que el artículo del Sr. Chen Danqing “¿No es el consumo un lujo? Respuestas a las noticias del consumidor urbano” en la “Colección Retrógrada” del Sr. Chen Danqing hablaba de este asunto. Dijo: “¿Es la compra y venta de arte un lujo? Hace unos días me entrevistaron sobre si un cuadro de Picasso vale 100 millones de dólares. Puede que sea una colección, puede que sea una inversión, puede que sea simplemente una locura, no estoy seguro, pero no puede considerarse una locura. El consumo es lo que hace la mayoría de la gente. "¿Cuántas personas pueden gastar millones y millones en comprar arte?"

En 1990, el famoso cuadro de Van Gogh "Retrato del Dr. Gachet" estableció un récord en la historia. 14 años después, "El niño de la pipa" batió este récord en subastas de cuadros con un récord de 82,5 millones de dólares. El comprador inmediatamente se convirtió en el centro de atención de los principales medios de comunicación del mundo y luego se quedó en nada. La pintura fue comprada por un comprador anónimo. Sotheby's se negó a revelar cualquier información sobre el comprador, e incluso rechazó una solicitud para dar pistas sobre su nacionalidad. Algunas personas han analizado que entre las celebridades que expresaron interés en "El niño de la pipa" antes de la subasta se encuentran los fundadores de Microsoft, Bill Gates y Allen, Ronald Lauder, el heredero de la empresa de cosméticos Estee Lauder, los financieros Sara, el magnate de los casinos de Las Vegas, Wayne, y otros estiman que Es probable que los compradores se encuentren entre estas personas.

El 20 de noviembre de 2004, medio año después de la venta de "El niño de la pipa", la muerte de un rico empresario alemán llamado Steve Georg hizo que la gente supiera con seguridad la identidad de este cuadro. e inesperadamente supo que detrás de este cuadro había una conmovedora historia de amor que duró medio siglo.

Steve Georg es el misterioso comprador que ofrece 100 millones de yuanes. ¡No está loco, sino loco por el amor!

Los padres de Steve Georg y Betty Whitney son amigos de la familia. Steve es un judío alemán y la familia de Betty es estadounidense. Cuando eran jóvenes, ambas familias vivían en Berlín.

En 1905, se completó "El niño con la pipa" de Picasso. Cambió de manos varias veces y finalmente fue coleccionado por el padre de Steve Georg. Steve Georg se parece bastante al "Pequeño Louis" del cuadro de Picasso. A Betty le gusta mucho este cuadro. Los dos niños se enamoraron gradualmente de un juego. Cada vez que Betty hacía algún pedido, simplemente escribía una nota en la parte posterior de "Boy with". a Pipe", y Steve hará todo lo posible para satisfacerla después de verlo. Una vez, para satisfacer el deseo de Betty de ir a Viena a disfrutar de un concierto, Steve, de 13 años, la llevó en secreto a Viena en un viaje en tren durante más de diez horas. Como resultado, las personas enviadas por el padre de Steve fueron llevadas de regreso a Berlín tan pronto como él bajó del tren. Por esto, Steve fue severamente castigado por su padre.

En 1935, estalló la guerra, innumerables familias fueron desplazadas y los amantes quedaron separados. La familia de Betty regresó sana y salva a los Estados Unidos, mientras la familia de Steve luchaba por escapar en medio de la guerra. Después de la guerra, Betty, angustiada, regresó inmediatamente a Alemania desde los Estados Unidos para encontrar a su amada. Sin embargo, después de muchos giros y vueltas, finalmente recibió la noticia de que, a excepción de unos pocos miembros de la familia Steve, todos murieron en el. guerra. Betty quedó desconsolada y pronto abandonó Alemania.

En 1949, Betty se casó con un embajador estadounidense en el Reino Unido y siguió a su marido a Londres al año siguiente. En la subasta de Sotheby's, Betty, inesperada y emocionada, volvió a ver "El niño de la pipa". Se trataba de un botín capturado por las fuerzas aliadas en Alemania. Como era imposible saber quién era el propietario original, se subastó y las ganancias se donaron al Fondo Judío Mundial.

La oferta inicial por "El niño de la pipa" fue de 10.000 dólares, y Betty finalmente pagó 28.000 dólares por este cuadro que conocía desde que era niña. Cuando unos dedos temblorosos tocaron suavemente la imagen, los ojos de Betty se llenaron de lágrimas y el feliz recuerdo de su infancia resurgió, todavía tan claro. Después de años de guerras tumultuosas, "El niño de la pipa" afortunadamente quedó intacto, y Steve, al igual que esta pintura, siempre tendrá el aspecto joven y atractivo antes de que se separaran en el corazón de Betty.

Steve tuvo tanta suerte como "El niño de la pipa" No sólo escapó de la muerte durante la guerra, sino que también se reunió con Betty después de 28 años de separación. Después de experimentar las dificultades de la vida y la muerte, todavía pueden enfrentarse juntos a "El niño de la pipa". Este ha sido el sueño de Steve y Betty durante muchos años. También es una esperanza extravagante que nunca pensaron que algún día su sueño se haría realidad. Es cierto que después de la sorpresa, ambos tienen sentimientos encontrados.

Betty quería devolverle el "Niño con una pipa" que le pertenecía a Steve, pero Steve no lo aceptó. Esperaba que ella se lo quedara.

Steve todavía estaba soltero en ese momento y se convirtió en un buen amigo de Betty y su esposa. A la edad de 50 años, Steve finalmente se casó y tuvo hijos.

En 2001, Betty falleció. Antes de eso, una vez más le propuso devolver "Boy with a Pipe" a Steve, pero él todavía no lo quería. Entonces Betty dejó sus últimas palabras. Si Steve aún se niega a aceptar el cuadro después de su muerte, entonces sus hijos podrán subastarlo y las ganancias de la subasta se dividirán en partes iguales entre sus hijos, la asociación Fondo Mundial para Niños Discapacitados. y la organización benéfica que lleva el nombre de Steve Georg recibieron uno cada uno.

A finales de 2003, un año y medio después de la muerte de Betty, "El niño de la pipa" fue subastado según su testamento, y Steve lo compró en secreto. El cuadro permaneció con él hasta el final de. su vida. Se dice que antes de su muerte, Steve había estado mirando al niño en el cuadro, y debió haber visto su sombra y la de Betty en el cuadro.

Después de escuchar la historia anterior, echemos un vistazo a "Boy with a Pipe" nuevamente bajo la luz dorada, finalmente podemos ver algo de su "rosa" original. Este es exactamente el valor que debe tener el arte. Proporcionar estas historias son mejores que cualquier "crítica de arte".

El éxito de la mayoría de los artistas depende del llamado sistema "empresario-crítico".

Nombre: “La paliza del bebé”

Autor: Rubens

Precio de subasta: 73,5 millones de euros

Ranking de precios: Mundial Tercero

Tiempo de subasta: 2002

Las obras de Rubens son ricas en imaginación, expresan su amor por la vida y sus hermosos ideales, y afirman el poder de las personas a través de imágenes artísticas y la alegría de vivir. Sabe utilizar imágenes saludables, regordetas y vibrantes, y un carácter lleno de optimismo y pasión, para expresar sus propios ideales e intereses estéticos. Este "Baby Beating" se vendió por 73,5 millones de euros en 2002.

Rubens nació en el pequeño pueblo de Ziegen, Alemania. Posteriormente se mudó a Flandes con sus padres y se estableció en Amberes. Rubens vivió toda su vida como un príncipe. Su amada esposa falleció a la edad de 49 años. A la edad de 53 años se casó con una joven de 16 años, Helen Fuhrman, y aún así vivió una vida feliz. A la edad de 63 años, completó su vida artística y aportó más de 3.000 tesoros artísticos al tesoro del arte humano. El historiador de arte francés Danner dijo: Sólo hay un Rubens en Flandes, así como sólo hay un Shakespeare en Inglaterra Por muy grandes que sean los demás pintores, siempre les falta parte de su genio.

El cuerpo humano descrito por Rubens es fuerte y voluptuoso. Se dice que en Flandes, ciudad natal del pintor, la gente come mucho carne, lo que da como resultado un cuerpo regordete y con demasiada grasa como lo describe el pintor. escribió. El cuerpo deslumbrante del hombre. Algunos artistas ridiculizaron a Rubens por "dirigir una carnicería humana", pero la vitalidad de sus pinturas y la expresión de intensas escenas deportivas son tan sobresalientes que no podemos dejar de admitir que era un maestro del arte.

Presta especial atención a las estructuras con una sensación de movimiento giratorio para expresar escenas emocionantes. Es bueno usando tonos contrastantes, luces y sombras fuertes y líneas fluidas para realzar la sensación de movimiento en esta imagen. Este estilo artístico barroco dominó sus actividades creativas casi durante toda su vida. El maestro no sólo tiene extraordinarios talentos para la pintura, sino que también tiene conocimientos, domina 7 idiomas y es bueno en el manejo de asuntos diplomáticos. De 1621 a 1630 fue contratado como asesor diplomático por las autoridades gobernantes y en 1624 se le concedió el título de nobleza. Se ha desempeñado muchas veces como embajador y negociador en varios países con el fin de buscar el camino hacia la independencia y la autonomía nacional.

En sus más de 40 años de actividad artística, ha explorado constantemente nuevas técnicas artísticas, cambió su estilo de pintura, integró las técnicas de sus predecesores extranjeros y creó audazmente combinando las características de su propia nación. Sus obras se caracterizan por composiciones dramáticas, colores ricos y formas poderosas, y celebran la fuerza y ​​la belleza de las personas.

Rubens creó una vida extremadamente rica. La mayoría de sus obras tienen grandes escenas, un fuerte sentido del movimiento, formas majestuosas, tramas imaginativas y dramáticas; colores contrastantes, fuertes y fluidos, el emocionante efecto artístico de; la imagen brinda a la gente un sentimiento artístico magnífico, hermoso, ardiente, jubiloso e inspirador.

Nombre: "El baile del Moulin Rouge"

Autor: Renoir

Precio de subasta: 78,1 millones de dólares

Clasificación de precios: Nº 4 del mundo

Fecha de subasta: 1990

La noche caía suavemente rodeando Montmartre. Este es un lugar donde se reúnen bares, cafeterías y discotecas. Al pintor postimpresionista Lautrec (Herry De Toulouse-Lautrec 1864-1901) le gustaba mucho este tipo de lugar social de clase baja. La gente aquí no tiene pretensiones y no hay distinción entre clases, ricos y pobres. Siempre que tengas la misma opinión, puedes chatear y divertirte tanto como quieras. En tal ambiente, el complejo de inferioridad de Lautrec causado por su discapacidad física lo abandonó temporalmente. Se sintió física y mentalmente relajado, su mente estaba activa y tenía más inspiración artística.

En Montmartre, el molino de viento rojo brillante en el techo es el famoso lugar feliz: Moulin Rouge. El Moulin Rouge abrió sus puertas en 1889 y todas las noches se celebraban bailes. La banda del Moulin Rouge es una banda de circo que utiliza principalmente instrumentos de viento. Todas las noches, las encantadoras bailarinas levantan sus largas faldas y mueven sus piernas desnudas al son de las trompetas. Sus posturas de baile fuertes y emocionantes son bastante provocativas. , al baile le siguen cantos y actuaciones acrobáticas. Durante los descansos del espectáculo, los bailarines frecuentemente miraban a los invitados y bebían y reían alegremente con ellos. La seria perspectiva secular fue ahogada por el carnaval y el carnaval. Poco después de su apertura, el Moulin Rouge se convirtió en el centro social y de entretenimiento de París. Lautrec también fue invitado. Venía aquí todos los días a dibujar.

"El baile en el Moulin Rouge" de Lautrec fue pintado en 1890. Debido a que la imagen representa vívidamente la alegría y la atracción del Moulin Rouge y resalta las estrellas del baile popular, el dueño de la tienda admiró mucho esta obra e inmediatamente la compró y la colgó en el pasillo de la puerta del Moulin Rouge para atraer clientes.

Bailando en el cuadro está la reina de Montmartre en ese momento: La. Gu Liu y su compañero de baile Hua Landan. Es una bailarina salvaje y sin educación. La gente se reunió alrededor de la pista de baile y observó la feroz actuación. A nadie le importaba quiénes eran, simplemente se divertían en este lugar.

El cielo se vuelve cada vez más oscuro, tal como mucha gente esperaba. En las luces parpadeantes, las figuras son como fantasmas, y el lugar presenta vagamente una especie de belleza degradada. La gente está inmersa en el mundo de la noche. Aquí es tan desenfrenado y libre que algunas personas se entregan a la sensualidad. El ruido de la gente por la noche no podía ocultar la soledad y la tristeza durante el día, por lo que algunas personas estaban borrachas, mientras que otras lucían muy decadentes. En resumen, la indulgencia aquí es muy diferente del rigor del día. El baile, el canto y el alcohol redujeron a cenizas todo durante el día. Tal vez la noche les brinde a las personas mucha felicidad o consuelo, por eso las vuelve tan obsesionadas y lascivas. Nadie pensará en si habrá arrepentimientos después de un exceso o si estarán más tristes después de recuperar la sobriedad. Las personas que viven de noche no prestarán atención al mundo durante el día. Pero, de hecho, la noche oculta los estados de ánimo invisibles de las personas, e incluso los momentos más alegres no pueden ocultar la tristeza en el rincón. Siempre habrá un dolor más o menos oculto en la alegría desenfrenada de la noche. Hay una especie de belleza en el mundo bajo el sol, que es brillante y agradable; en la noche oscura, en el campo sensual del placer, también hay algo profundo e inolvidable, que es una especie de hundimiento.

"Mujer con los brazos cruzados", de Picasso, vendida por 55,6 millones de dólares en 2000. El mago del arte moderno Picasso, que tenía un estilo original y colorido, utilizó sus pinceles de colores brillantes para crear obras maestras con una influencia de gran alcance. De las artes occidentales más importantes de los últimos cien años, excepto el brutalismo, probablemente no haya ninguna que no se haya originado en él, o que haya sido absorbida por él y hecho buen uso de él. Sus creaciones son diversificadas, fusionando el pasado y el presente.

Picasso fue un auténtico genio. El siglo XX pertenece a Picasso. A principios de este siglo cambiante, vino desde España a París, la capital mundial del arte en ese momento, y comenzó el viaje de su vida para descubrir arte brillante. En el siglo XX ningún artista fue tan versátil y conocido como Picasso. La fama de Picasso no se debe sólo a su fama temprana y a obras maestras como "Las señoritas de Aviñón" y "Guernica", sino también a su abundante creatividad y su colorida vida. Dejó una gran cantidad de obras de arte multifacéticas. . Picasso ha completado aproximadamente entre 60.000 y 80.000 obras. Además de pinturas y dibujos, también incluye esculturas, cerámica, grabados, vestuario escénico y otras expresiones de modelaje. Después de que Picasso falleciera en 1973, los principales museos de arte de todo el mundo continuaron lanzando diversas exposiciones retrospectivas de diferente índole sobre él. Los temas sobre Picasso continuaron, a menudo con nuevos argumentos, como si todavía estuviera vivo en el mundo.

La principal tendencia en la pintura de Picasso son los ricos métodos de modelado, es decir, el uso del espacio, el color y la línea.

"Iris" es una obra terminada por Van Gogh en mayo de 1889. Los lirios son lo mismo que los girasoles. En 1892, Tanguy (amigo de Van Gogh) vendió el cuadro al crítico Octave Mirbeau por 300 francos. Fue uno de los primeros en apreciar las obras de Van Gogh. Este retrato, como muchos otros cuadros de Van Gogh, siguió siendo comprado y vendido después de su muerte. En la subasta de 1988, alguien pagó un precio altísimo de 53 millones de dólares.

A partir de esto podemos ver cómo la gente entiende y mide el "valor". Van Gogh fue Van Gogh y sus pinturas también contribuyeron a la explicación de las leyes económicas.

En "Iris", aunque las flores en el cuadro se ven raras, la fuerte atmósfera y el gran grupo de mariposas azul-violetas parecen bailar en tu plato de pintura y en tu corazón. Al igual que los recuerdos superficiales de azul y morado en nuestros corazones. También es como nuestra juventud que está a punto de florecer, como una llama, como un elfo, apagándose en los años de fuego. Esa belleza, esa luz, esa vitalidad florece vívidamente en el momento de la mirada. Las personas que lo aprecian parecen haber olvidado el rincón solitario de la ropa, el ático solitario y el mundo solitario. Y con ojos de admiración, sienta a Van Gogh y su mundo solitario.

Parece que la imagen congelada de esta pintura ha abandonado la melancolía y la tristeza azul violeta de Van Gogh, y también ha abandonado las almas desconsoladas de las personas, una y otra vez, día tras día, por los siglos de los siglos...

" "Iris", colocados en un jarrón, que florecen solos. Apasionados, colores muy exquisitos y llamativos, seductores. Aunque parte de la flor está enterrada bajo el agua, no hay luz ni agua real. ...¿como un ser humano? ¿Te gusta la mente? ¿Te gusta la vida?

Frente al cuadro, puedes imaginar todo lo que quieras: mayo, el hermoso y tentador final de la primavera y principios del verano, es la estación ideal para que florezcan las flores de lirio. Se pueden ver mariposas azules bailando graciosamente entre las hojas verdes y las flores azules. Todo esto indica que parece que quiere difundir la noticia de la primavera a lugares muy, muy lejanos. Apreciar "Iris" es apreciar a Van Gogh, junto con todo lo relacionado con él...

Frente al cuadro, se puede recurrir a la encantadora imaginación de los años: mayo, el final de la primavera somnoliento y confuso. y principios del verano, es la estación brillante en la que florecen los lirios. Puedes ver grupos de elfos azules, pasando débilmente entre las hojas verdes y las flores azules. Todo esto indica que: parece que ella contagiará tu soledad durante miles de años y el mundo después de miles de años.

Frente al cuadro, puedes usar tu imaginación para pasear en el recuerdo azul: puedes inventar muchas historias. Las historias pueden ser tristes e inolvidables, también pueden ser extrañas como los cuentos de hadas; Puede ser tan gentil como persistir, o tan cruel como el odio... Puedes escribir o dibujar cualquier cosa en el mundo. Como Van Gogh, como "Iris", porque Dios te dio lápiz y papel, además de miles de años de historia y pensamientos. Mire, las pinturas de Van Gogh son ejemplos. La verdadera belleza de "Iris" reside en el hecho de que representa el corazón de Van Gogh.

Nombre: "Naturaleza muerta"

Período: 1945

Creador: Paul Cézanne (1839-1906) Francia

Época de venta: 1999 por 60,5 millones de dólares

Categoría: lienzo + pintura al óleo

Escuela: Impresionismo

Colección: Universidad de Lincoln, Filadelfia, Pensilvania, EE. UU. Fundación Enns

Valoración de las obras: "Naturaleza muerta" fue pintada por Cézanne y vendida por 60,5 millones de dólares en 1999. El éxito de Cézanne en naturalezas muertas, paisajes y otras pinturas superó con creces las descripciones verbales de Balzac. Para Cézanne, como para otros artistas anteriores y posteriores a él, el encanto de la naturaleza muerta reside evidentemente en el hecho de que el tema en cuestión puede representarse y dominarse como el paisaje o la persona retratada. Cézanne disponía cuidadosamente las cestas de manzanas inclinadas y las botellas de vino, esparcía casualmente otras manzanas entre los picos formados por el mantel y colocaba el plato con los pasteles al fondo de la mesa, que también es un vértice de la mesa vista verticalmente. Después de hacer esto, siguió observando hasta que todos estos elementos comenzaron a formar una cierta relación entre sí. Estas relaciones fueron la base final de la pintura.