La carrera artística de Joseph Mallord William Turner

Después de que Turner fue admitido en el Royal College of Art, los cursos en el colegio fueron de poca utilidad para mejorar sus habilidades de pintura (el colegio no le enseñó "técnicas" específicas, es decir, cómo usar el color sobre papel o lienzo). En este sentido, parece haber recibido más instrucción de Sir Joshua Reynolds (1723-1792). Reynolds fue el primer decano. Animó a los estudiantes a observar las obras de artistas mayores, analizar sus técnicas de pintura y aprender sus imágenes. Con diligencia y perseverancia, Turner rápidamente logró avances que atrajeron la atención de sus compañeros. En 1805, Edward Dayes (1763~1804) tomó a Turner como ejemplo y dijo que "con diligencia y autocontrol, uno puede progresar rápidamente sin un maestro". Unos años más tarde, Turner también se dio cuenta de las características de su crecimiento. Dijo con franqueza en su diario: "No basta con tener talento. Hay que trabajar duro y practicar más. Si los jóvenes no pueden hacer esto, deberían cambiar. "Carrera". Para Turner, confiar únicamente en un destello de inspiración era obviamente poco realista. Abogaba por la práctica dura y la perseverancia. Mucho más tarde, cuando se le preguntó sobre el secreto del éxito, dijo: "Sólo hay un secreto, el trabajo duro y el trabajo duro".

Mientras aún estaba en la academia, Turner comenzó a presentar trabajos para la exposición anual de primavera. La exposición es el escenario más importante del mundo del arte londinense, donde los pintores pueden hacerse un nombre y recibir financiación. Comenzó a presentar magníficas acuarelas en exposiciones en 1790, pero pronto se dio cuenta de que para lograr el éxito que deseaba necesitaría dominar la pintura al óleo. Así, en 1796 expuso su primer óleo. Sin embargo, la obra que mejor demuestra su ambición es la obra que expuso en otra exposición ese mismo año, una pintura en acuarela del interior de la Abadía de Westminster. La iglesia es también el cementerio nacional más importante. Turner grabó su nombre y fecha de nacimiento en la lápida en el primer plano de la pintura, insinuando que también tendría un lugar aquí en el futuro. Resulta que esta audaz confianza no era falsa. Logró el éxito, pero simplemente adivinó el lugar equivocado: finalmente fue enterrado en el cementerio de la Catedral de San Pablo, entre otros artistas y héroes nacionales, incluido el almirante Nelson. .

Turner, que aspiraba a estudiar en la Royal Academy, absorbió los estilos existentes de pinturas de paisajes y océanos durante varios años. Antes de 1800, las pinturas de este tipo tenían mucho menos importancia en los círculos académicos que las de temas históricos, pero Turner siempre estuvo dispuesto a romper la estricta definición de categorías. Introdujo ricas narrativas en las pinturas de paisajes, dándoles una atmósfera única y efectos dramáticos. desarrollando un estilo único de pintura de paisajes históricos. Luego, basándose en los logros en acuarela de pintores contemporáneos como John Robert Cozens (1752~1797) y Richard Westall (1765~1836), utilizó tonos contrastantes y una Las técnicas audaces y novedosas y los grandes tamaños de la serie desafían la idea de que Las acuarelas no son tan expresivas como las pinturas al óleo. Este ataque total, junto con el desafío a críticos autorizados como J. Farington (1747-1821), convirtió a Turner en una estrella deslumbrante entre la generación más joven. A finales de 1799, fue elegido miembro asociado de la Real Academia de Bellas Artes; a principios de 1802 pasó a ser miembro de pleno derecho, convirtiéndose en el artista más joven en ganar este honor. Sus destacados logros en la Real Academia de Bellas Artes naturalmente atrajeron a muchos nobles amantes del arte que le encargaron pintar. También obtuvo acceso a la sociedad de clase alta y obtuvo acceso a las mejores colecciones de arte de Gran Bretaña, porque no había una Galería Nacional en. Gran Bretaña antes de 1824 y las colecciones estaban en manos privadas.

Las obras expuestas por Turner mostraron fuertes efectos visuales, aunque eran similares al arte de vanguardia británico de la época (abandonando el estilo pictórico suave de Francia), de principios del siglo XIX, aquí, conservador. Las voces comenzaron a acusar su estilo de hacer poco para realzar las escenas que pintaba. Algunos críticos escribieron un artículo sobre "Porcupine" en 1801, acusando su estilo de ser vago y "disfrazar su ligereza". Desde entonces, las valoraciones de las obras expuestas de Turner se han basado principalmente en tales calumnias. Igualmente importante fue la crítica privada que le hicieron sus compañeros, muchos de los cuales sintieron que sus métodos pictóricos carecían de integridad. Por ejemplo, John Hoppner (1758~1810) vio las obras de Turner basadas en su primer viaje a Europa en 1802 y se sorprendió por la aspereza y la falta de pulido de estas obras: "Hay tanto que adivinar que parece mirar fijamente". un fuego de carbón encendido o una vieja pared, informe y difícil de sondear”. Otros, como Constable y J. Northcote (1746~1831), creían que las obras de Turner eran "cada vez más exageradas y cada vez más alejadas de la naturaleza".

A Turner pareció importarle estos comentarios, porque a mediados del siglo XIX inició un movimiento para pintar al aire libre con luz natural (plein air) a lo largo del río Támesis para experimentar directamente la apariencia original de la naturaleza. cómo reproducir esta apariencia original en la pintura. En ese momento, muchos artistas jóvenes en Gran Bretaña intentaban dibujar al aire libre. Se dieron cuenta de que los pintores de paisajes anteriores, como el francés Claude Lorrain (alrededor de 1604/5 ~ 1682) y Nicholas Poussin (1594 ~ 1665), primero dibujaron en la campiña romana y luego llevaron estos "fragmentos" de los ejercicios al lugar. Estudio para recreación. Turner creía que la obra de Lorraine era muy superior a la de su compatriota francés Poussin y era el modelo de la pintura de paisaje, quizás la esencia de la pintura de paisaje. La composición de las obras de Lorraine es elegante, aunque parece un poco rígida, reproduce la imagen armoniosa de la sociedad clásica. La escena y la narrativa se combinan orgánicamente y son inseparables. En la década de 1790, Turner vio la obra de Lorrain por primera vez y quedó profundamente impresionado por la sutil comprensión de la luz de Lorrain y admitió que era "inimitable".

Sin embargo, Turner no se desanimó y no ocultó su deseo de superar su ejemplo, que se convirtió en la tarea central de sus pinturas históricas. Lorraine es considerada por los conocedores como la paisajista más prestigiosa, y un gran número de sus obras se han convertido en colecciones de coleccionistas británicos, lo que sin duda influyó en los objetivos de Turner. Aunque Turner obviamente atendía los gustos y bolsillos de los coleccionistas británicos, no se contentó con simplemente imitar el trabajo de Lorraine, sino que añadió importantes temas británicos, combinando orgánicamente imaginación y realidad. En las pinturas que creó después de 1805, basadas en bocetos del Támesis, se puede ver que utilizaba una perspectiva lorena para examinar el paisaje local. En El Támesis en Weybridge (c. 1806, Petworth House), El Támesis cerca de Windsor (c. 1806, Petworth House) y Richmond Hill and Bridge En pinturas como Richmond Hill and Bridge (1808, Tate), Turner situó naturalmente la nostalgia pastoral en perspectivas y temas realistas.

De hecho, el paisaje ribereño en el que se centró Turner ha despertado durante mucho tiempo la nostalgia de la gente por el pasado, y poetas y escritores han estado escribiendo poemas a lo largo del siglo XVIII. "Thomson's Aeolian Harp" es la obra de Turner con el encanto pictórico más lorena. Tiene vistas a la sección de Twickenham del Támesis desde Richmond Hill y cita obras de dos poetas.

Estos dos poetas, Alexander Pope (1688~1744) y James Thomson (1700~1748), vivieron aquí. En algunas de sus primeras exposiciones, Turner tituló sus obras en el catálogo de exposiciones de la Royal Academy con citas literarias, muchas de ellas de poemas de Thomson. En ocasiones, añadía versos escritos por él mismo para enriquecer el significado de la obra, como este cuadro "Thomson's Harbin" creado en 1809. En los siguientes 40 años, continuó usando este método, pero el poeta que más citó fue Lord Byron (1788-1824). Ocasionalmente citaba el poema épico "La falacia de la esperanza" que estaba escribiendo pero que nunca había publicado. ('Las falacias de la esperanza'). Una búsqueda tan intensa de un medio de expresión auxiliar para compensar la expresión puramente visual es digna de atención, especialmente porque a menudo se consideraba a Turner un hombre de pocas palabras. Las generaciones posteriores podrán adivinar la intención de Turner al hacerlo a partir de su diario lleno de poemas. Intentó distinguir los diferentes roles del poeta y del pintor. Entre las opiniones que resumió, el punto más básico es que un pintor sólo puede describir lo que ve, pero la imaginación de un poeta es vasta e ilimitada. Sin embargo, una distinción tan concisa no puede satisfacer los objetivos artísticos de Turner. Como dijo E. Joll (Evelyn Joll) en 1979, Turner "espera hacer que todas las obras de arte sean superiores a la naturaleza", lo que requiere una nueva definición basada en la experiencia y la sabiduría. los elementos básicos de la imagen.

Cuando Turner comenzó a involucrarse en la creación poética, también exploró teóricamente el alcance de la pintura de paisaje. Esto último se refleja en dos aspectos: en primer lugar, su serie de grabados en cobre influenciados por Lorena, concretamente "Liber Studiorum", que puede considerarse como una declaración de sus ideales artísticos; en segundo lugar, su papel como director en perspectiva de la Real Academia de Bellas Artes; Profesor de Derecho (ocupó este cargo de 1807 a 1837, pero enseñó sólo ocasionalmente después de 1828). Aunque los estudiantes quedaron impresionados por sus diagramas de ejemplo únicos, la mayoría vio sus conferencias (si es que las escucharon) como poco más que una colección recortada y pegada de tratados anteriores sobre perspectiva. Su conferencia más exitosa fue sobre la importancia del "antecedentes" en la pintura, que se convirtió en una de las lecciones más apasionantes en la historia del arte del paisaje. Estas actividades docentes ocuparon gran parte de su tiempo y energía y, en última instancia, consolidaron su posición como líder en el arte. Otro factor que consolidó su posición fue la apertura de su galería personal en Harley Street en abril de 1804. La razón por la que decidió hacer esto puede deberse a que existían grandes diferencias dentro de la Real Academia de Arte. Lo que es más importante es que después de establecer su propio negocio, puede organizar libremente sus obras para su exhibición y exhibir algunas obras que pueden considerarse demasiado radicales en exposiciones de arte públicas. El estadounidense Benjamin West (1738-1820), entonces presidente de la Real Academia de Bellas Artes, señaló una vez que las pinturas de paisajes del Támesis de Turner expuestas en la Academia eran simplemente "manchas feas" y que "no hay nada como esto". .”

Durante este período, las voces despectivas internas cobraron impulso, especialmente encabezadas por el estrecho de miras de Sir George Beaumont (1753~1827). Este rico aristócrata representaba la autoridad de los conocedores de la época y también creaba arte él mismo, pero sus ideas pictóricas eran muy conservadoras. A partir de 1806, descartó a artistas como Turner, A.W Callcott (1779~1844) y J. Crome (1768~1821) como "pintores blancos" y los trató como "pintores blancos". extremadamente desdeñoso. Este nuevo cambio de luz en el color de las pinturas de Turner proviene de su abandono del método tradicional de composición con fondos oscuros y en su lugar pinta sobre un fondo blanco, que se parece más a pintar con acuarela sobre una superficie brillante.

Esta técnica es particularmente efectiva para reproducir cambios sutiles en el aire. Por ejemplo, en "Frosting Morning" de Turner, el frío cortante del invierno británico parece provenir de la pintura. La pintura rompió audazmente con la tradición y se ganó la admiración de Monet después de su muerte. Monet dijo que esta pintura fue "pintada con los ojos abiertos". Sin embargo, en aquella época todavía había gente a la que le costaba aceptar este método de pintura de vanguardia. Apenas tres años después de que apareciera The Foggy Morning, el ensayista William Hazlitt (1778-1830) escribió una reseña de los paisajes de Turner, posiblemente con este trabajo en mente y "Blizzard: Hannibal and His Army Crossing the Alps" de 1812. , cree que en las pinturas de paisajes de Turner se puede ver que "debido a que los objetos pintados están vacíos, refleja aún más cuán rico es el conocimiento del pintor y qué poderoso es el pincel. Toda la pintura está hecha de aire, tierra y agua". Luego concluyó con sus grandes trazos: "El artista está feliz de regresar al estado caótico del comienzo de la creación del mundo, al momento en que la tierra y el agua se separaron, y el día y la noche se separaron. En ese momento En ese tiempo, no había seres vivos en la tierra, y no había árboles con frutos fructíferos. La tierra estaba vacía. Algunas personas dicen que sus pinturas de paisajes 'pintan la nada', creo que es apropiado."

En la escena de "Misty Morning", hay un carruaje que se aproxima en el lado izquierdo del camino, que es un escenario importante en la vida de Turner. Ha viajado con frecuencia desde que era niño y cada verano recorre cientos de kilómetros dibujando en diferentes partes del Reino Unido. Durante sus años de viaje, dibujó una gran cantidad de bocetos y acumuló valiosos datos visuales. Esto se convirtió en su punto de entrada para pasar de la acuarela a la pintura al óleo y al aguafuerte, y también se convirtió en su medio más importante para ampliar su audiencia fuera del mundo. ciudad. A través de la práctica constante, ha desarrollado su visión. Al dibujar, apenas necesita pintar en el lugar. Solo necesita unos pocos trazos para delinear el contorno, que luego puede transformarse en una rica obra maestra de acuarela, con muchos detalles ricos en local. características. . Una vez afirmó que podía hacer de 15 a 16 bocetos a lápiz en el mismo tiempo que le llevaba dibujar una acuarela. Las acuarelas de Turner reproducen más vívidamente el paisaje británico que sus pinturas al óleo, incluido su rico paisaje, su clima cambiante y su creciente urbanización. Estos grandes logros son inseparables de sus cuadernos de bocetos, de los cuales podemos ver su interés por explorar los orígenes y su constante reflexión y definición de las cosas que ve. Como dijo A. Wilton (Andrew Wilton): "El boceto es la encarnación de su. actividades ideológicas." A principios de 1819, muchas de las acuarelas más creativas de Turner (incluidas algunas pinturas al óleo) fueron compradas por el aristócrata Whig antiesclavista W. Fawkes (1769~1825). Fox vivía en Farnley Hall, cerca de Leeds, Yorkshire, y desde 1808 invitó frecuentemente a Turner como su huésped, involucrándolo en proyectos como la recolección de especímenes de aves, integrándolo en la familia y le encargó pintar la mansión y la finca. Fox ha estado prestando mucha atención a la evolución del estilo pictórico de Turner, por lo que acepta y aprecia más que la mayoría de las personas las audaces innovaciones de Turner, y está buscando diversas oportunidades para coleccionar sus nuevas obras, como la serie Rhine River Scene de 1817 y el perezoso, el tono miel "Vistas de Dordrecht", etc. De abril a junio de 1819, Fox expuso su colección en su mansión de Londres. Las más aclamadas fueron sin duda la veintena de acuarelas creadas por Turner en su primer viaje a los Alpes en 1802, tanto por su expresividad como por su calidad. técnica, es comparable a la pintura al óleo. El momento de la exposición de Fox fue muy apropiado. La batalla de Waterloo había terminado y era una era de creciente patriotismo. La pintura con acuarela se consideraba un arte británico original, y Turner era el representante número uno de este arte, y su reputación también. Consolidación sin precedentes. Todos los medios de comunicación elogiaron unánimemente los logros de Turner y lo llamaron un maestro de la magia en el mundo del arte. Esto es raro.

Escuchando los aplausos de la crítica, Turner se embarcó en su primer viaje a Italia. Este viaje cumplió su anhelado deseo y, en retrospectiva, también fue una transición hacia una nueva dirección artística. El objetivo principal del viaje era visitar Roma.

Allí, Turner fue malinterpretado como un pintor de la corte y se le pidió que pintara un lote de cuadros para el Príncipe Regente (pero, de hecho, Turner solo pintó para la familia real una vez, poco después de su regreso a Londres, cuando creó una pintura que representaba a Trafford). La magnífica obra de la Batalla de Calgary, aunque no apreciada, se encuentra ahora en el Museo Marítimo Nacional de Greenwich. Sin embargo, en la mente de Turner y de muchas personas de la época, la comprensión de Roma es inseparable de la pintura. antes de partir hacia Roma en 1819, su amigo Sir Thomas Laurence había señalado que Turner era el único artista de su época que podía comprender las características italianas tan profundamente como Lorena: "Un paisaje como Italia es muy adecuado para mostrar su personalidad". Buen gusto y creatividad. La atmósfera armoniosa que aquí se respira envuelve todo con una dulzura lechosa que, en mi opinión, sólo puede expresarse con los hermosos colores de Turner", afirmó Lawrence. Lo que esperamos se puede ver en el gran óleo "Roma". from the Vatican", que se exhibió poco después de que Turner regresara a Londres en 1820. Este paisaje exuda una atmósfera de "pureza, tranquilidad, gracia y paz", que en opinión de Turner es la esencia de las pinturas de Lorraine.

Aunque el viaje a Italia a menudo se considera la culminación del estilo pictórico de Turner, en realidad muchas de sus transformaciones en la década de 1820 se habían estado gestando mucho antes de que abandonara Inglaterra, y su primer encuentro con Italia sirvió como catalizador. Por ejemplo, "Dotter o Dottere", pintado en 1818. "El barco Dorset de Rotterdam" ya insinúa un cambio hacia tonos más brillantes. Del mismo modo, el uso audaz de colores puros en sus obras posteriores ya era evidente en sus bocetos experimentales en acuarela en el. Década de 1810 Hay indicios, incluso en las pinturas dedicadas a temas italianos, de que no hay ruptura con el pasado (véase Bahía de Bea, Apolo y la profetisa, 1823, Museo Tate), pero nada en los diez años posteriores a su regreso de Roma. La cuestión es un período de agitación, que sólo se hace menos evidente por su incansable participación en varios proyectos editoriales.

Durante este período, la fama de Turner estaba en su apogeo y sus logros fueron decididos. que su reputación es bien merecida, sin embargo, sus pinturas al óleo no son tan populares como sus obras sobre papel. Aunque algunos críticos han comenzado a darse cuenta de que las pinturas al óleo que exhibe intentan expresar un paisaje poético, no son tan populares. Como sus obras sobre papel, los temas etéreos y los tonos grises todavía confunden a muchos espectadores en su ciudad natal de Londres (donde los espectadores son al menos algo conscientes de su evolución estilística), y es comprensible que haya causado mayor controversia en otros lugares. En 1828, cuando estuvo en Roma por segunda vez, expuso tres pinturas al óleo que fueron consideradas como graffitis incomprensibles, y el color amarillo de las pinturas también fue ridiculizado. Se dice que una vez un hombre de negocios romano visitó a Tou. sarcásticamente: "Algunas personas venden mostaza y otras pintan mostaza". Sólo los británicos describirían cortésmente sus pinturas como "de la mano de un poeta". Cuando Turner cumplió cincuenta años, utilizó una nueva estrategia diferente a la de mediados de la década de 1820 para mantener su posición dominante en las exposiciones públicas de Londres, especialmente en la Exposición Anual de la Royal Academy. La competencia es extremadamente feroz y la gran sala de exposiciones está llena de pinturas que compiten por la atención de todos. La descripción de George Scharf de la Exposición Anual de 1828 ilustra vívidamente la posición fundamental de la obra de Turner: en el centro de la pared norte de la sala, de cara al público, se encuentra la obra maestra de Turner "Dido dirigiendo su música". " (Dido dirigiendo el equipamiento de su flota, ubicado en el Tate Museum), y en la pared derecha hay una obra más pequeña de Turner. La luz supera todas las obras circundantes y atrae a la mayor parte del público. Esta obra más pequeña es una de las dos que representan escenas de la regata de Cowes. Como puede ver en este ejemplo, una pintura puede tener un gran impacto en las pinturas que la rodean.

Turner fue a veces generoso y se dice que tomó la iniciativa de atenuar los colores en Colonia (1826, Colección Frick, Nueva York) para no eclipsar los retratos de Lawrence a ambos lados del cuadro. Sin embargo, en estas anécdotas no oficiales de lo que más se habla es de cómo se roba el protagonismo. A veces era una broma, como con un grupo de amigos como George Jones (1786~1869), a veces era maliciosa, como cuando deliberadamente colocó algunos trazos en sus obras para hacer la majestuosa y pesada La apertura de Waterloo de Constable; Bridge (1832, Tate Gallery) es torpe. Constable no tuvo más remedio que admitir que tuvo mala suerte y dijo con tristeza: Turner vino y "le disparó".

A partir de entonces, Turner a menudo hizo que sus pinturas se destacaran de las de sus compañeros. Su método consistía en presentar cuadros que en realidad estaban inacabados, porque en aquella época existía la tradición de que los pintores podían hacer ligeras correcciones en sus obras durante tres o más días antes de que la exposición se abriera al público. Turner aprovechó esta última oportunidad para realizar cambios importantes en la obra, agregando trazos ligeros y gruesos, y agregando colores para lograr la presentación definitiva. Todo el proceso parece una actuación para sus compañeros.

Sus habilidades de actuación son tan perfectas que la gente siente que en realidad es un alquimista que usa materiales con facilidad. Sin embargo, también hay que señalar que sus pinturas son abiertas, a veces vacías e inacabadas, y a veces ambiguas. De esto podemos ver la conexión entre los dos diferentes medios de pintura al óleo y acuarela. De hecho, la experiencia que obtuvo de sus experimentos ilimitados con la acuarela influyó cada vez más en sus pinturas al óleo. Por ejemplo, en la década de 1810 experimentó dibujando varios cuadros sobre papel al mismo tiempo, y parece que también utilizó este método en sus pinturas al óleo en los diez años siguientes. Además, en el siglo XX se descubrió un lote de pinturas al óleo inacabadas tardías, todas las cuales fueron estudios de Turner al crear paisajes. Son comparables a cientos de acuarelas de "El comienzo del color". Entre ellos se encuentra un estudio de un barco de vapor en el Támesis, que parece ser un estudio para "Vistas pintorescas de Inglaterra y Gales". Tiene las características esquemáticas y no resueltas típicas, lo que le ofrece una variedad de opciones. potencial para un mayor pulido. La capacidad de ampliación de estos estudios todavía se puede ver en los trabajos finales producidos en las dos últimas décadas de su carrera artística, y la ambigüedad de estos estudios se convirtió en el tema más interesante para los críticos posteriores.

Aunque las generaciones posteriores creen que las técnicas de pintura expresivas y las imágenes simplificadas de las obras maduras de Turner son sus cualidades más esenciales, sus contemporáneos parecen estar más dispuestos a comprar impresiones reimpresas en blanco y negro. En la superficie, al realizar impresiones, la vitalidad y el movimiento de la obra original se ven algo disminuidos debido a las líneas precisas y delicadas que se requieren para grabarlas, pero Turner parece haber creído que sus acuarelas eran simplemente una transición, y que sólo después de ser tallados en grabados, ¿podrían? La forma final de la obra se logra a través de delicados contrastes de luz y oscuridad. No es de extrañar que sus contemporáneos se interesaran por estos grabados, ya que realizó tantos grabados, abarcando más de 800 temas, que su nombre se encuentra a menudo en grabados literarios y artísticos. Estas impresiones en blanco y negro cubren una variedad de temas, y Turner también controló estrictamente la calidad de las impresiones, lo cual fue crucial para consolidar su reputación. Turner trabajó con editores a lo largo de su vida, cerrando efectivamente la brecha entre los conceptos artísticos y la realidad artística, y permitiendo que más personas apreciaran sus pinturas. Después de que estas impresiones aparecieran en Londres, se extendieron rápidamente a París, Berlín y Filadelfia, como sus escenas ribereñas francesas. La gente de aquella época estaría muy emocionada de recibir un nuevo libro con las ilustraciones de Turner, algo inimaginable en una época en la que las imágenes podían transmitirse simultáneamente en todo el mundo. Después de 1830, la gente se interesó aún más por los grabados de Turner, lo que se debió al gran éxito de sus ilustraciones para el poema "Italia" de Samuel Rogers. De hecho, pueden incluso eclipsar la poesía. Walter Scott es un ejemplo.

A principios de la década de 1820, le pidió a Turner que ilustrara sus obras, pero luego se separó de él porque Turner era demasiado popular. Sin embargo, en 1831, cuando el editor planeaba lanzar una nueva edición de las obras de Scott, insistió en invitar a Turner a unirse a él: "Con las ilustraciones del Sr. Turner, puedo garantizar que el volumen de ventas del poema superará las 8.000 copias. De lo contrario, no se venderán ni siquiera 3.000 copias." Salir ". Este año, el novelista y poeta británico tuvo que hacer concesiones y volvió a invitar a Turner a su casa. En aquel momento, Turner estaba dibujando en la romántica isla de Staffa, en la costa oeste.

Es en obras como "Staffa, Fingal's Cave" (1832, Museo de Arte Británico de la Universidad de Yale, New Haven) que representan barcos de vapor frente a las olas entrantes Avanzando contra las crecientes nubes de tormenta, Turner lo recrea. una imagen única de la vida moderna, no sólo porque describe los inventos de la emergente era del vapor, sino también porque implica que estos nuevos inventos tienen un noble espíritu heroico. Turner a menudo incluía escenas de la era industrial en sus acuarelas, sobre todo Leeds y Dudley, pero también incluía a menudo las propias máquinas que provocaron cambios, como en el caso de que la gente de la época las considerara feas e indecentes. Este tema llega a su extremo en "Rain, Steam and Speed ​​- The Great Western Railway", en el que un tren de vapor a toda velocidad parece salir corriendo de la imagen y dirigirse directamente hacia el público. Vale la pena señalar que este tipo de pintura no recibió la atención que merecía hasta aproximadamente la década de 1980, cuando se publicó en cinco volúmenes Modern Painters (1843~1860) de John Ruskin. 19 La obra más influyente sobre Turner en el siglo básicamente ha excluido tales obras. Ruskin vio que Turner estaba siendo cada vez más ridiculizado a finales de la década de 1830 y principios de la de 1840, y se sintió obligado a defender a Turner. La crítica más criticada a Turner durante este período fue la falta de una conexión clara entre las cosas representadas y la forma de expresión. Por ello, Ruskin centró su defensa en lo que es más fiel a la naturaleza en la pintura. En vista de esto, la discusión de Ruskin puede ser más centrada que exhaustiva. Sin embargo, el trabajo de Ruskin fue extremadamente popular entre los lectores de ambos lados del Atlántico, quienes también fueron más tolerantes con el trabajo de Turner. A pesar de la enérgica defensa de Ruskin, muchos encontraron oscuros los trabajos posteriores de Turner, descartándolos como "sueños, desafíos, teorías, experimentos y falacias".

La publicación del primer volumen de "Pintores modernos" de Ruskin en 1843 también ayudó financieramente a Turner al reavivar el interés de los compradores por las pinturas no vendidas de Turner. Sin embargo, numerosas anécdotas sugieren que Turner estaba algo incómodo con los intentos de su joven admirador de interpretar la obra de su vida. De hecho, le llevó mucho tiempo agradecer a Ruskin, probablemente porque confiaba en que no necesitaba el arduo trabajo de la promoción. Habiendo sido objeto de críticas constantes durante años, parece haberse acostumbrado a las burlas de sus críticos, reconociendo sabiamente que toda crítica, por terrible que sea, tiene sus méritos. Sin embargo, todavía anhelaba el reconocimiento, que fue la fuerza impulsora de su lucha en su juventud. Las obras de Ruskin una vez más lo hicieron venerado, e inevitablemente había una sensación de satisfacción en su corazón.

Es muy común que un artista pierda gradualmente el favor durante su vida, solo para que su obra vuelva a ser amada después de su muerte. En cierta medida, Turner ya había comenzado a prepararse para tal destino ya en la década de 1820. En ese momento, le resultó difícil vender sus obras por primera vez. Redactó su primer testamento y dejó claro que expresaba su deseo. colgar dos de sus cuadros en la nueva Galería Nacional, junto a las dos obras más famosas de Lorraine. Esto demuestra que espera que su posición en la historia del arte pueda considerarse como el sucesor de Lorrain, el mayor pintor paisajista del siglo XVII. La yuxtaposición con Lorrain también puede resaltar sus nuevos logros en la continuación del pasado y la apertura del futuro. Además de este sentimiento de orgullo, el Turner mayor a menudo se comparaba con su yo más joven cuando recordaba sus logros.

Quizás fue por esta razón que creó su última serie de paisajes suizos a principios de la década de 1840. Estas obras eran técnicamente competentes y no eran menos que cuando pintó para Fox hace veinte o treinta años, consolidando aún más su reputación como el mejor acuarelista. pintor.