Describe brevemente varios puntos de vista sobre la naturaleza del arte en la historia.

La esencia y características del arte

1. Respecto a la esencia del arte, cuestión fundamental en la disciplina artística, existen varias visiones principales en la historia del arte: La primera , la "teoría espiritual objetiva". Se cree que el arte es la encarnación de la "idea" o del "espíritu universal" objetivo. El antiguo filósofo griego Platón fue uno de los primeros estudiosos que llevó a cabo debates filosóficos sobre la naturaleza del arte. Platón creía que el mundo racional es primario, el mundo perceptivo es secundario y el mundo artístico es sólo tercero. Hegel, el maestro de la estética clásica alemana, también basó su comprensión de la esencia del arte en el sistema filosófico del idealismo objetivo. Liu Xie, que vivió en las dinastías del Sur y del Norte de China, creía que la escritura era la expresión del Tao y que el Tao era el origen de la escritura. Zhu Xi, un erudito en funciones de la dinastía Song, creía que la "literatura" es sólo una herramienta simple para llevar el "Tao", es decir, "como un carro que transporta cosas". De esta manera, el "Tao" no es sólo la esencia de la literatura y el arte, sino también el contenido de la literatura y el arte, y la "literatura" es sólo una herramienta del "Tao". Evidentemente, esta teoría de que "la literatura transmite el Tao" también atribuye la esencia del arte a algún tipo de espíritu objetivo. El segundo tipo es la "teoría del espíritu subjetivo". Cree que el arte es "la expresión de la autoconciencia" y "el impulso de la vida misma". Kant, el fundador de la estética clásica alemana, creía que el arte es pura creación genial de escritores y artistas. Este "arte libre" no implica ningún interés ni propósito en absoluto. Destacó que en la creación artística, la imaginación y la originalidad del genio pueden hacer que el arte alcance el reino de la belleza. La teoría de Kant sobre el libre albedrío se convirtió en una de las fuentes del voluntarismo posterior. El filósofo alemán Nietzsche, que se encontraba en el punto de inflexión de los siglos XIX y XX, lo llevó al extremo. Nietzsche creía que la voluntad subjetiva humana es dueña de todas las cosas del mundo y también es la fuerza impulsora fundamental del desarrollo histórico. En Nietzsche se dice que la voluntad subjetiva es una entidad independiente que lo domina todo, y se exageran los deseos instintivos para tener iniciativa ilimitada. Nietzsche inició su actividad filosófica con cuestiones estéticas. En su primer libro "El nacimiento de la tragedia", Nietzsche utilizó los símbolos de Apolo y Dioniso para explicar el origen del arte, la naturaleza y función del arte, e incluso el significado de la vida, etc. Se convierten en la premisa de toda la estética de Nietzsche. y filosofía. En la historia de la crítica teórica de la literatura y el arte en la antigua mi país, las dinastías del Sur y del Norte fueron un período en el que la literatura se volvió cada vez más próspera y se valoraron las características líricas y expresivas de la literatura y el arte. Sin embargo, algunos críticos literarios y de arte durante este período atribuyeron "emoción" y "ambición" a las expresiones de las almas y deseos personales de escritores y artistas, y simplemente negaron la conexión entre la literatura, el arte y la realidad social. La teoría "Miaowu" de Yan Yu en la dinastía Song y la teoría "Xingling" de Yuan Hongdao en la dinastía Ming también consideraban la expresión y la expresión del espíritu subjetivo como la característica artística esencial de la literatura. ? El tercer tipo es la "teoría de la imitación" o la "teoría de la reaparición". En la historia del pensamiento literario y artístico occidental, la "teoría de la imitación" ha sido una visión muy influyente desde la antigua Grecia. Esta visión cree que el arte es una "imitación" de la realidad. Más tarde, incluso se creyó que el arte es una "reproducción de la vida social". Aristóteles de la antigua Grecia fue la primera persona en la historia del pensamiento humano en aclarar el concepto de estética con un sistema independiente, convirtiéndose antes que él en el maestro del pensamiento estético griego. Aristóteles creía que el arte era una “imitación” de la realidad. Primero afirmó la autenticidad del mundo real, afirmando así la autenticidad del arte que "imita" la realidad. Al mismo tiempo, Aristóteles creía además que la función de "imitación" del arte hace que el arte sea aún más real que el mundo fenoménico que "imita". Chernyshevsky, un demócrata revolucionario ruso del siglo XIX, partió de su afirmación de que "la belleza es vida" y creía que el arte es una "reproducción" de la vida y una "reproducción" de la realidad objetiva. El argumento básico de Chernyshevsky es que el arte refleja la realidad, pero la vida real que él entendió incluye no sólo la naturaleza objetivamente existente, sino también la vida social de las personas, lo que la hace más profunda en contenido social. En la historia del arte chino y extranjero, existen muchas teorías influyentes, como la "teoría de la imagen", la "teoría de las emociones", la "teoría de la expresión" y la "teoría de la forma". Pensadores, esteticistas y artistas de diferentes épocas de la historia han explorado la naturaleza, las características y las leyes básicas del arte desde diferentes ángulos y aspectos, y han aportado muchas ideas incisivas y significativas. ? (2) La base teórica científica de la esencia del arte. La vida social humana se puede dividir en dos componentes principales: la vida material y la vida espiritual. Las actividades de producción que se llevan a cabo para satisfacer estos dos tipos de vida se denominan producción material y producción espiritual. La producción material tiene como objetivo satisfacer las necesidades materiales de las personas, y sus resultados constituyen la civilización material humana.

La producción espiritual tiene como objetivo satisfacer las necesidades espirituales de las personas, y sus resultados constituyen la civilización espiritual humana. Como tipo especial de producción espiritual, la producción artística tiene como objetivo satisfacer las necesidades estéticas de las personas, y sus resultados constituyen un glorioso tesoro del arte y la cultura humanos. ? Marx propuso claramente el concepto de "producción artística", consideró el "arte" y la "producción" en conexión, examinó las cuestiones artísticas desde la perspectiva de las actividades prácticas de producción y consideró el arte como un tipo especial de producción espiritual. la historia de la estética. Es una iniciativa sin precedentes en la historia del arte. La teoría de la "producción de arte" proporciona una base teórica científica para revelar el origen y el desarrollo del arte, revelar la naturaleza y las características del arte y revelar los misterios de un sistema artístico completo, como la creación artística, las obras de arte y la apreciación del arte. . ¿Qué esclarecimiento aporta la teoría de la "producción artística" a la investigación artística? En primer lugar, la teoría de la producción artística revela el origen, la naturaleza y las características del arte. En primer lugar, desde la perspectiva del origen del arte, la propia producción artística pasó por un largo proceso histórico antes de diferenciarse de la producción material. Las primeras obras de arte de la humanidad a menudo están directamente relacionadas con la práctica del trabajo productivo. Son herramientas de trabajo, como exquisitas herramientas de piedra y huesos, o frutos del trabajo, como pieles de animales, colmillos, plumas, etc., utilizados como decoración. Sólo con el desarrollo de las fuerzas productivas y el progreso de la sociedad humana la producción artística se volvió gradualmente independiente, y estos productos laborales pasaron gradualmente de satisfacer las necesidades materiales de las personas a satisfacer las necesidades espirituales de las personas. Puede haber varias razones para el origen del arte, pero en última instancia, con el trabajo como premisa y la brujería como intermediaria, el origen del arte es inseparable de las actividades de práctica social humana. En segundo lugar, desde la perspectiva de la naturaleza y las características del arte, la teoría de la producción artística nos dice que el arte es la forma más elevada de relación estética sujeto-objeto y que la belleza artística contiene dos aspectos. la vida social, y por otro lado, el arte es un reflejo de la vida social objetiva. Por otro lado, el arte encarna los ideales estéticos subjetivos y los deseos emocionales de escritores y artistas; En otras palabras, la belleza artística tiene factores tanto objetivos como subjetivos. Estos dos aspectos se penetran y se integran entre sí a través de las actividades creativas de escritores y artistas, y forman obras artísticas con imágenes artísticas a través de la materialización. Por tanto, el valor estético del arte debe ser la unidad orgánica de sujeto y objeto. La característica sobresaliente de la producción artística es que los fuertes factores subjetivos del sujeto creativo (escritor y artista) penetran en todo el proceso de creación artística y se integran en las obras artísticas. La práctica de la producción humana en sí misma es una especie de trabajo creativo. Como tipo especial de producción espiritual, la producción artística es, por supuesto, una especie de trabajo creativo libre y consciente. Aunque la producción artística no puede separarse de la realidad objetiva, y la vida social real es la fuente y fundamento de la creación artística, la producción artística no puede separarse de la creación subjetiva. Sólo cuando el artista moviliza su fuerte y rica imaginación para participar en la creación, puede crear. Imagen artística de carne y hueso, vívida y conmovedora. En este sentido, el arte debe ser la combinación de mente y materia, la combinación de subjetividad y objetividad, la combinación de reproducción y expresión. En segundo lugar, la teoría de la producción artística aclara la "relación desequilibrada" entre los dos tipos de producción. Como ideología social especial, el arte no puede desarrollarse aislado de las condiciones materiales de producción de una época determinada. El desarrollo del arte en una determinada época siempre se configura, en última instancia, sobre una determinada base económica. Como tipo especial de producción espiritual, la producción artística es relativamente independiente. La Rusia del siglo XIX es un ejemplo típico. En tercer lugar, la teoría de la producción artística revela el misterio del sistema del arte. La teoría de la producción artística estudia los tres vínculos interrelacionados entre la creación artística, las obras de arte y la apreciación del arte como un sistema completo. Se puede decir que la creación artística es la "etapa de producción" del arte. Es el proceso en el que el sujeto creativo (escritor, artista) reflexiona activamente sobre el objeto creativo (vida social). Las obras de arte pueden verse como “productos” de la producción artística. La apreciación del arte puede considerarse como la "etapa de consumo" del arte. Es el proceso de interacción entre el sujeto de apreciación (lector, espectador, oyente) y el objeto de apreciación (obra de arte) y la obtención del disfrute artístico. De esta manera, para todo el sistema del arte, la teoría de la producción artística revela la relación dialéctica de interdependencia y transformación mutua entre obras de arte y apreciadores, objetos y sujetos, producción y consumo. En todo el proceso de producción artística, la producción, como punto de partida, juega un papel dominante, y el consumo, como necesidad, determina directamente la producción. Una obra de arte se crea para que la gente la lea o la aprecie, y si nadie la aprecia, es sólo una obra potencial. Por tanto, la producción artística se adapta a las necesidades de consumo de los espectadores para crear arte.

Al mismo tiempo, la apreciación del arte se convierte a su vez en una fuerza impulsora para estimular la producción artística y promueve el desarrollo de la producción artística. Se puede decir que en todo el sistema del arte, la relación dialéctica entre estos tres y sus propias leyes únicas son el núcleo de nuestra investigación artística. ? La sección "Características del Arte" explica las características básicas del arte como la imagen, la subjetividad y la estética. (1) Capacidad de imagen. Una de las características básicas del arte es la capacidad de imagen. La filosofía y las ciencias sociales siempre reflejan el mundo objetivo en formas abstractas y conceptuales, mientras que la literatura y el arte reflejan la vida social y expresan los pensamientos y emociones del artista en imágenes artísticas concretas, vívidas y conmovedoras. Las imágenes artísticas creadas por cada categoría de arte específica pueden tener diferentes características. Por ejemplo, las imágenes artísticas de la escultura, la pintura, el cine, el teatro, etc. pueden ser sentidas directamente por el espectador a través de los sentidos, mientras que las imágenes artísticas de la música y la literatura. , etc., el apreciador debe sentirlo indirectamente a través del sonido, el lenguaje y otros medios. Pero pase lo que pase, ningún arte puede existir sin imagen. ?En primer lugar, la imagen artística es la unidad de lo objetivo y lo subjetivo. La imagen de cualquier obra artística es concreta y perceptiva, y también encarna ciertos pensamientos y sentimientos. Es una unidad orgánica de factores objetivos y factores subjetivos. Para diferentes categorías de arte, la unidad de factores objetivos y factores subjetivos, como la imagen artística, tiene características diferentes. En artes plásticas como la escultura y la pintura, los pensamientos y emociones del artista a menudo se infiltran en la reproducción de imágenes de la vida. Esta unidad de subjetividad y objetividad a menudo se manifiesta como la disolución de factores subjetivos en imágenes objetivas. Otras categorías de arte expresan mejor directamente los pensamientos y emociones del artista y reflejan indirecta y tortuosamente la vida social. La unidad de subjetividad y objetividad en estas categorías de arte se manifiesta en la disolución de factores objetivos en factores subjetivos. En segundo lugar, la imagen artística es la unidad de contenido y forma. Cualquier imagen artística es inseparable tanto del contenido como de la forma, y ​​debe ser la unidad orgánica de ambos. En la apreciación del arte, lo primero que afecta directamente los sentidos del espectador es la forma de arte, pero la razón por la que la forma de arte puede conmover e influir en las personas es porque esta forma encarna vívida y vívidamente un profundo contenido ideológico. En la historia del arte chino y extranjero hay muchas anécdotas al respecto que demuestran plenamente que las imágenes artísticas deben ser una unidad dialéctica de contenido y forma para poder contagiar y conmover verdaderamente a las personas. En la década de 1930, cuando Lu Xun dio una conferencia en la Universidad de Arte de China en Shanghai, comparó las dos pinturas. Uno de ellos es "The Gleaners", obra representativa del pintor francés del siglo XIX Millet, y el otro es "Fashion Beauty", un anuncio comercial de la British American Tobacco Company en Shanghai en ese momento. Aunque esta pintura de una belleza moderna es muy detallada y requiere mucho esfuerzo en color y línea, esta pintura es solo un anuncio y no puede etiquetarse como una obra de arte. Todo el tono de "The Gleaners" de Miller es suave y la composición estable, sin colores ni dinámicas visualmente estimulantes. En la imagen, tres campesinas se inclinan para espigar. La imagen completa es simple y natural. Lu Xun pensó que esta pintura era hermosa. Las excelentes obras de arte deben tener profundas connotaciones ideológicas y formas artísticas perfectas. Es la unidad orgánica de ambas lo que da al arte su sorprendente y conmovedor encanto. A finales del siglo XIX, cuando la Sociedad Literaria Francesa encargó al famoso escultor francés Rodin la creación de una estatua de Balzac en memoria del gran escritor Balzac, Rodin se llenó de reverencia y decidió reproducir el espíritu del gran escritor con una estatua. Para ello, Rodin no sólo leyó mucha información relevante, sino que visitó personalmente la ciudad natal de Balzac para realizar entrevistas y encontró varias modelos que se parecían exactamente al gran escritor. Incluso hizo un viaje especial para encontrar al viejo sastre que confeccionaba ropa para Balzac. A partir de ahí, encontró las medidas exactas del cuerpo de Balzac como referencia. Después de arduos esfuerzos y más de 40 revisiones de borradores en varios años, Rodin finalmente encontró la inspiración para la creación y eligió como contorno de la estatua la costumbre de Balzac de pasear en camisón mientras escribía a altas horas de la noche. En tercer lugar, la imagen artística es la unidad de personalidad y personalidad. Al observar la gran cantidad de obras literarias y artísticas que se encuentran en el tesoro artístico nacional y extranjero, podemos ver que todas las imágenes artísticas exitosas tienen personalidades distintas y únicas y, al mismo tiempo, tienen generalizaciones sociales ricas y extensas. Es precisamente por el alto grado de unidad de personalidad y pasión que estas imágenes artísticas tienen una vitalidad artística inmortal. Las teorías literarias y artísticas chinas y extranjeras ya han tenido muchas discusiones profundas sobre este tema. La imagen artística debe tener características de personalidad distintivas y únicas. Al mismo tiempo, la imagen artística debe ser universal y general.

Esto se debe a que todo en el mundo es una unidad de personalidad y la personalidad existe en personalidades muy diferentes, y la personalidad es siempre una manifestación de la personalidad de diferentes maneras. Todas las cosas encarnan la misma esencia y leyes con necesidad en los fenómenos individuales con contingencia. Por lo tanto, al resumir la experiencia de crear imágenes artísticas, muchos artistas siempre consideran la capacidad de capturar este tipo de características personales únicas y el significado universal de la vida como la clave del éxito o el fracaso. Esta unidad de personalidad e independencia de las imágenes artísticas se refleja más concentradamente en los modelos artísticos. La llamada tipicidad artística significa que los escritores y artistas utilizan métodos de tipificación para crear imágenes típicas con personalidades vívidas y distintivas y un significado universal. Por ejemplo, el personaje de Ah Q creado por el Sr. Lu Xun es un modelo artístico poco común en el tesoro de la literatura china. Las imágenes artísticas y los modelos artísticos están relacionados y son al mismo tiempo diferentes. Fundamentalmente hablando, ambos son la unidad orgánica de la personalidad y la personalidad, y tienen la misma esencia. Sin embargo, los modelos artísticos tienen una individualidad más fuerte y un atractivo más amplio que las imágenes artísticas. En otras palabras, la tipicidad artística es más única y más universal. Es la condensación y sublimación de imágenes artísticas. La tipicidad es un requisito más alto para las imágenes artísticas basadas en la autenticidad. La existencia objetiva es un requisito para toda la imagen, así como para los personajes, el entorno, la trama, los detalles, las emociones y otros factores de la imagen. Por lo tanto, sólo los escritores y artistas destacados pueden crear imágenes típicas con vitalidad inmortal en sus obras. Estos modelos deben tener una originalidad artística distintiva y, a menudo, revelar profundamente la esencia y la naturaleza de la vida social. (2) Subjetividad. Otra característica básica del arte es la subjetividad. Como se mencionó anteriormente, el arte como una ideología social especial y la producción artística como una producción espiritual especial determinan que el arte debe tener las características de la subjetividad. No hay duda de que el arte debe utilizar imágenes para reflejar la vida social, pero esta reflexión no es de ninguna manera una simple "imitación" o "reproducción", sino que incorpora los pensamientos y emociones del sujeto creativo e incluso del sujeto apreciador, reflejando imágenes muy distintas. creatividad e innovación. Por tanto, la subjetividad, como una de las características básicas del arte, se refleja en todo el proceso de las actividades de producción artística, incluida la creación y la apreciación del arte. En primer lugar, la creación artística tiene características de subjetividad. La vida social es la fuente de la creación artística. La dependencia de la creación artística de la vida social se refleja en primer lugar en el hecho de que los artistas a menudo obtienen motivación e inspiración creativas de la práctica de la vida. En particular, el contenido de la creación artística proviene de la vida social real. Pero al mismo tiempo, la creación artística es una especie de labor creativa. Los escritores y artistas, como sujetos creativos, desempeñan un papel decisivo en la creación artística. Sin un sujeto creativo no se puede producir una obra de arte. Por eso decimos que la creación artística no puede separarse de la vida social, mucho menos del sujeto creativo, y no puede separarse del trabajo creativo de los artistas. Para la especial producción espiritual de la producción artística, la creación artística es el proceso de objetivación del arte como sujeto de la creación. Además, en comparación con el trabajo de producción material, esta subjetividad en la producción artística es más distinta y prominente. Esta subjetividad en la creación artística se concentra en la iniciativa y originalidad de las actividades creativas del artista. Frente al vasto mundo de los materiales vitales, los artistas deben seleccionar, refinar, procesar, transformar y "materializar" sus fuertes pensamientos, emociones, deseos, ideales y otros factores subjetivos en sus propias obras de arte. Este tipo de iniciativa hace del arte una unidad dialéctica de subjetividad y objetividad, de representación y expresión. La creación artística es más original. Cada excelente obra de arte siempre encarna la experiencia estética y la emoción únicas del artista, lleva el color subjetivo personal y la búsqueda artística del artista, y refleja el estilo creativo y la búsqueda artística distintivos del artista, con fuertes características de creatividad e innovación. . En segundo lugar, las obras de arte tienen las características de la subjetividad. Como producto del trabajo creativo del artista, las obras de arte deben llevar la huella distintiva del artista como sujeto creativo. La razón por la que hay tantas obras de arte diversas en el tesoro artístico nacional y extranjero es que encarnan el descubrimiento único del artista y su profunda comprensión de la vida, impregnan la experiencia estética y las emociones estéticas únicas del artista y reflejan el carácter artístico distintivo del artista. Estilo y búsquedas estéticas. Cualquier obra de arte excelente debe ser única, irrepetible y poseer originalidad artística.

Quizás ésta sea una de las marcadas diferencias entre los productos de la producción artística y los productos de la producción material. Esto se debe a que las obras de arte tienen una subjetividad y características creativas más distintivas. En tercer lugar, la apreciación del arte tiene las características de la subjetividad. Por lo general, la gente no tiene dudas sobre las características subjetivas de la creación artística y las obras de arte, pero puede resultarles difícil comprender que la apreciación del arte también tiene características subjetivas. De hecho, debido a que la belleza tiene similitudes y diferencias, utilidad social e intuición personal, la belleza tiene características individuales muy diferentes. Dado que la experiencia de vida, la personalidad, el temperamento, la capacidad estética y la alfabetización artística de cada persona son diferentes, se forman las diferencias de personalidad distintivas de cada apreciador en los sentimientos estéticos, lo que hace que la apreciación del arte esté inevitablemente marcada por el tema de la apreciación. Este tipo de diferencia de personalidad en la apreciación del arte es omnipresente en la historia del arte. "Hay mil lectores, hay mil Hamlets", lo que ilustra esta verdad. Por supuesto, la apreciación del arte debe basarse en obras de arte objetivamente existentes, sin obras de arte como objetos estéticos u objetos de apreciación, las actividades de apreciación del arte son naturalmente imposibles. Sin embargo, en la apreciación del arte, el sujeto de la apreciación (lector, espectador, oyente) no es una reflexión pasiva o una contemplación pasiva. En la superficie, físicamente, el espectador parece estar en un estado completamente "estático". Sin embargo, desde un punto de vista sustantivo y psicológico, el tema de la apreciación tiene un proceso psicológico extremadamente complejo en las actividades estéticas, que incluye actividades de autocoordinación de muchos factores psicológicos como la percepción, la comprensión, la emoción, la asociación y la imaginación. No se trata sólo de la percepción del objeto por parte del sujeto, sino también de la transformación y el procesamiento activo de la imagen artística por parte del apreciador. Por lo tanto, el sujeto de apreciación siempre necesita procesar, transformar, recrear y reevaluar la imagen artística en la obra a partir de su experiencia de vida, intereses, pensamientos, emociones e ideales estéticos, para completar y realizar, complementar y enriquecer el valor estético de la obra de arte. Se puede observar que en las actividades de apreciación del arte existe una relación interactiva y oscilante entre el sujeto de apreciación y la obra de arte. Por un lado, las obras de arte siempre guían al apreciador a avanzar hacia el ámbito artístico especificado por la obra, por otro lado, el sujeto de apreciación siempre transforma y procesa la imagen artística en la obra de acuerdo con sus propios ideales estéticos; y sensibilidad estética. Considerándolo todo, la esencia de la apreciación del arte es una especie de recreación estética. (3) Estética. Otra característica básica del arte es la estética. Desde la perspectiva de la producción artística, cualquier obra de arte debe tener las dos condiciones siguientes: primero, debe ser un producto de la producción artística humana; segundo, debe tener valor estético, es decir, calidad estética. Son estos dos puntos los que distinguen las obras de arte de todas las demás no obras de arte. Primero, la estética del arte es una expresión concentrada de la conciencia estética humana. La teoría estética nos dice que la forma de la belleza se divide en belleza natural y belleza artística. En última instancia, la división entre las dos es que la belleza artística encarna directamente la cristalización del trabajo y la sabiduría humanos. Por lo tanto, la majestuosidad del Monte Tai, la pendiente del Monte Hua, la extrañeza del Monte Huang, la belleza de Emei y la belleza natural de estas famosas montañas y ríos se deben al establecimiento de la relación estética sujeto-objeto en el Sin embargo, estas bellezas naturales tienen una larga historia de práctica social humana. Después de todo, la belleza del paisaje es creada por la naturaleza. La belleza del arte es diferente. Cualquier obra de arte debe ser creada por humanos y encarna la cristalización del trabajo y la sabiduría humanos. Sin embargo, al mismo tiempo, debemos señalar que no todas las creaciones del trabajo y la sabiduría humana pueden considerarse obras de arte. Sólo aquellas creaciones humanas que pueden brindar a las personas placer y placer espiritual, es decir, tener valor estético o estética, pueden considerarse obras de arte. Debido a esto, cuando escuchamos una pieza musical, vemos un cuadro, leemos una novela o miramos una película, sentiremos una especie de placer espiritual y obtendremos un disfrute estético. La naturaleza estética del arte encarna la conciencia estética humana. El surgimiento y desarrollo de la conciencia estética son inseparables de la práctica social humana. En el largo proceso de desarrollo histórico, finalmente se ha completado la transición de la practicidad a la estética. Fue durante este proceso evolutivo que el arte surgió y se convirtió en la forma más elevada de actividad estética humana. Como reflejo de la realidad, la belleza artística es producto del trabajo creativo del artista. Es más concentrada y típica que la belleza de la vida real y puede satisfacer más plenamente las necesidades estéticas de las personas. Al mismo tiempo, el arte es la manifestación material de la ideología estética humana. En segundo lugar, la cualidad estética del arte es la cristalización de la verdad, la bondad y la belleza. La razón por la que la belleza artística es superior a la belleza de la realidad es que a través del trabajo creativo de los artistas, la verdad, la bondad y la belleza de la vida real se condensan en obras de arte.

Aunque la particularidad de la apreciación del arte radica en la sensibilidad intuitiva, es decir, la imagen artística vívida y vívida despierta directamente el sentido de belleza de las personas. Cuando la gente aprecia las obras de arte, esta imagen artística vívida y vívida ha integrado la connotación de verdad, bondad y belleza. Es sólo que se refleja directamente a través de la belleza artística. La belleza artística debe basarse en la verdad y la bondad, y reflejar la unidad de la verdad, la bondad y la belleza en el arte a través de la estética. La "verdad" en el arte no equivale a la realidad de la vida, sino que debe ser sublimada en realidad artística mediante el trabajo creativo del artista, mediante el refinamiento y el procesamiento, es decir, convirtiendo la "verdad" en "belleza" y manifestándola a través de imágenes artísticas. . salga. De manera similar, la "bondad" en el arte no es una predicación moral. También debe ser creada cuidadosamente por el artista para que la actitud de vida y la evaluación moral del artista puedan penetrar en las obras artísticas, es decir, convertir la "bondad" en "belleza" y. encarnarlo. Es una imagen artística vívida y conmovedora de carne y hueso. La relación entre la estética del arte y la “fealdad”. Hay verdad, bondad y belleza en la vida, así como falsedad, maldad y fealdad. Una vez que las cosas "feas" de la vida entran en el arte, a través del trabajo creativo de los artistas, la "fealdad" de la vida también debe reflejarse en las obras de arte a través de características estéticas. En la vida se pueden encontrar fenómenos tanto bellos como feos, pero en el arte todos se expresan estéticamente. La "fealdad" de la vida se convierte en belleza artística mediante la creación activa de los artistas. La naturaleza "fea" de la cosa en sí no ha cambiado, pero como imagen artística ya tiene significado estético. En tercer lugar, la estética del arte es la unidad de la belleza del contenido y la belleza de la forma. Como característica del arte, la belleza artística presta atención a la forma, pero no se separa del contenido: es la unidad orgánica de ambos. Cada arte tiene su propia belleza formal especial. En el desarrollo histórico a largo plazo de diversas artes, cada categoría de arte ha acumulado mucha experiencia y reglas valiosas en la aplicación de las reglas de la belleza formal. Sin embargo, estas leyes de la belleza formal no son estáticas. La innovación es la clave del arte. Con el desarrollo continuo de la práctica artística, las leyes de la belleza formal también cambian y se desarrollan constantemente. En su propia práctica creativa, los artistas exploran y buscan constantemente formas hermosas, y eligen la forma más apropiada en función del contenido para realzar la belleza y la expresión artística, enriqueciendo y desarrollando así la belleza formal del arte.