Lenguaje de la lente cinematográfica
Lenguaje de la lente: normalmente podemos ver la intención del fotógrafo a través de las imágenes capturadas por la cámara, porque podemos sentir lo que el fotógrafo quería a través de la lente del sujeto y los cambios en la imagen. El contenido de expresión es el llamado "mi lente puede hablar", que también se conoce comúnmente como "lenguaje de la lente". La mayoría de los principiantes todavía se encuentran en la etapa de "aprender a hablar" cuando son bebés, por lo que no pueden expresar claramente lo que quieren decir a través de "palabras", e incluso hablan de manera incoherente e incoherente, lo que confunde a la gente. Entonces, siempre que comprenda el "lenguaje de la lente", podrá "hablar de manera significativa y libre" y expresar lo que quiera expresar claramente en unas pocas palabras, para que la gente ya no se sienta incomprensible. Lo anterior utiliza el 'lenguaje' como metáfora para explicar que la fotografía es como hablar. La belleza de las palabras es secundaria y lo más importante es hacer que la gente entienda. Por lo tanto, debes expresar un evento a través de la lente, para que otros puedan ver fácilmente lo que expresa tu video. Por ejemplo, si filmas la puerta del Salón Conmemorativo de Chiang Kai-shek, todos lo entenderán tan pronto como lo vean. la imagen. Y algunas personas simplemente tienen miedo de que usted no quede impresionado. Tomarán fotografías una vez a la izquierda y luego a la derecha. Es como un anciano que sufre la enfermedad de Alzheimer y sigue repitiendo lo mismo en sus oídos. ¿Crees que es molesto? También hay muchas personas que, al fotografiar naturalezas muertas, como flores, utensilios, fotografías, etc., tienen sujetos bellos pero no muy vívidos, pero la cámara se detiene durante mucho tiempo. Es como utilizar un discurso largo para explicar algo. eso se puede expresar claramente en unas pocas palabras. Por supuesto, ya no tendrás paciencia para escuchar más. De manera similar, en el mundo de las imágenes, aunque la forma de expresión es diferente al habla ordinaria, el propósito es el mismo, así que cuando dispares, imagínalo como si estuvieras contando una historia. De esta manera, tu mente no estará vacía y. No sabrás qué fotografiar. Qué imágenes y contenido.
"Ran"---una subversión del lenguaje de la lente
Después de ver la película "Ran" de Akira Kurosawa, estaba tan deprimido que tuve dificultad para respirar durante mucho tiempo. Esta película fue una adaptación de "Lee" de Shakespeare. Conozco desde hace mucho tiempo la tragedia de "My King", pero cuando llegó el final, todavía estaba desconsolado.
¡Las emociones son tan fuertes, pero la cámara está tan tranquila, tan tranquila que no puedo soportarlo!
Las escenas de "Caos" subvirtieron las reglas del lenguaje que había aprendido antes.
Casi todos los planos de la película son planos generales y planos completos, como los ojos sabios de un anciano que observa la historia desde la distancia y con calma. El engaño, la estrechez de miras, el egoísmo y otros aspectos desagradables de la naturaleza humana quedan claramente expuestos bajo esta mirada tolerante.
En nuestra experiencia, cuando un personaje estalla emocionalmente, se deben utilizar primeros planos para enfatizar la actuación, que no solo expresa las emociones claras del personaje, sino que también expresa implícitamente los sentimientos subjetivos del director, de modo que el La audiencia también puede alcanzar un nivel emocional unificado.
"Caos" no.
Es casi imposible encontrar un plano medio y mucho menos un primer plano.
No puedes ver las expresiones de los actores, lo que te hace sentir que la tragedia se está representando frente a la cámara, pero el corazón lúgubre se esconde debajo de la vida.
En nuestra experiencia, cuando la historia alcanza su clímax, se debe crear un ritmo tenso a través del ritmo de montaje de los planos y el salto de escenas para lograr la unidad del ritmo interno y el ritmo externo.
"Caos" no.
El plano general siempre se ve recto, los personajes se mueven lentamente, la lente casi no tiene movimiento externo y su diferencia de escena también determina que no haya salto de escena.
Incluso las escenas de guerra crueles y heroicas siguen siendo planos generales, planos fijos, planos generales y planos panorámicos.
Qué declaración tan lenta y tranquila.
Este tipo de lenguaje de lentes crea un fuerte contraste en la psicología de la audiencia, lo que me dificulta expresar mis emociones a través de la lente. Las suprimí una y otra vez, y luego las acumulé una y otra vez.
Al final, cuando llegó la victoria, el tercer príncipe recibió un disparo de una flecha fría y murió en los brazos de Lao Wang, quien había escapado por poco de la muerte, rompiendo a llorar.
Mientras la tragedia llega a su clímax, la cámara todavía observa tranquilamente desde la distancia.
No podía ver la expresión de Lao Wang, solo podía escuchar el gemido de dolor.
En ese momento, las emociones que había acumulado durante mucho tiempo finalmente explotaron bajo la cámara tranquila. No podía llorar, pero casi me desmayo por la dificultad para respirar.
Reducir todas las técnicas de cámara y edición al mínimo, abandonar la interpretación externa y dar paso a la historia, la emoción y los pensamientos internos del público.
Normas generales y métodos de montaje de lentes
Todos sabemos que no importa qué película o programa de televisión sea, está compuesto por una serie de lentes ensambladas en un orden determinado. La razón por la que estas tomas se pueden continuar para que el público pueda ver en la película que se fusionan en una unidad completa es porque el desarrollo y los cambios de las tomas deben obedecer ciertas leyes. Explicaremos estas leyes en detalle en el siguiente contenido. Narrativo.
(1) La combinación de planos debe ajustarse a la forma de pensar del público y a las reglas de actuación cinematográfica y televisiva.
La combinación de planos debe ajustarse a la lógica de la vida y de la lógica del pensamiento. Si no tiene sentido, el público no lo entenderá. El tema y la idea central a expresar en un programa de cine y televisión deben estar claros. Sólo así podremos determinar qué planos elegir en función de las exigencias psicológicas del público, es decir, la lógica del pensamiento, y cómo combinarlas.
(2) El cambio de escena debe adoptar un método "paso a paso".
En términos generales, al filmar una escena, el desarrollo del "escenario" no debe ser demasiado drástico, de lo contrario no funcionará. Fácil de conectar. Por el contrario, el "paisaje" no cambia mucho, el ángulo de disparo no cambia mucho y las tomas no son fáciles de montar. Por las razones anteriores, debemos adoptar un enfoque paso a paso para el desarrollo y los cambios del "escenario" al filmar. Cambiar gradualmente las lentes a diferentes distancias visuales puede crear conexiones fluidas y formar varios patrones de oraciones de montaje.
·Patrón de oración progresiva: Este patrón de oración narrativa se refiere a la transición del paisaje desde una vista lejana y panorámica a un primer plano y un primer plano. Se utiliza para expresar emociones y desarrollar la trama de menor a mayor.
·Patrón de oración hacia atrás: este patrón de oración narrativa va de cerca a lejos, indicando emociones deprimidas y de mayor a menor. En la película, la expresión varía desde los detalles hasta la expansión y el todo.
·Patrón de oración circular: Combina oraciones hacia adelante y hacia atrás. Desde panorama – plano medio – primer plano – primer plano, y luego de primer plano – primer plano – plano medio – plano lejano, o también podemos usarlo al revés. Expresa emociones de menor a mayor y luego de mayor a menor. Este tipo de patrón de oración se usa generalmente más comúnmente en largometrajes de cine y televisión.
Al combinar tomas, si te encuentras con la misma posición de la cámara, la misma escena y el mismo sujeto, no podrás combinarlos. Debido a que las escenas filmadas de esta manera tienen pocos cambios, los subcuadros se ven iguales y, cuando se conectan entre sí, parece que la misma toma se repite sin cesar. Por otro lado, si se conectan dos tomas con pocos cambios en la posición de la cámara y el paisaje, siempre que el paisaje en la imagen cambie ligeramente, provocará saltos en la visión de las personas o parecerá como si se hubiera cortado una lente larga. Muchas veces, lo que puede provocar que la sensación de "película extranjera" y "linterna giratoria" destruya la continuidad de la imagen.
Si nos encontramos en una situación así, además de volver a filmar estas tomas desde cero (esto puede solucionar el problema para películas programadas con un número reducido de tomas), para otras escenas con la misma posición de cámara y la misma paisajes que duran mucho tiempo Para algunas películas de cine y televisión, volver a filmar parece ser una pérdida de tiempo y dinero. La mejor manera es utilizar tomas de transición. Por ejemplo, filme desde diferentes ángulos y luego ensamble y conecte, intercale transiciones de subtítulos, de modo que la posición y los movimientos del artista cambien antes de ensamblar y conectar. De esta forma, el cuadro ensamblado no tendrá la sensación de salto, discontinuidad y dislocación.
(3) Dirección de disparo y reglas de eje en el montaje de la lente
Cuando el sujeto entra y sale de la pantalla, debemos prestar atención a la dirección general de disparo y disparar desde un lado. del eje; de lo contrario, cuando las dos imágenes estén conectadas, el objeto principal "chocará".
La llamada "ley del eje" se refiere a si hay "salto de eje" en la toma. Al disparar, si la posición de la cámara está siempre en el mismo lado del eje de movimiento del sujeto, entonces la dirección del movimiento y la ubicación de la imagen serán consistentes; de lo contrario, se producirá un "salto de eje". Se utiliza excepto para necesidades especiales. Otros no se pueden conectar.
(4) La combinación de tomas debe seguir las reglas de "la acción sigue a la acción" y "la estática sigue a la estática"
Si las acciones del mismo sujeto o de diferentes sujetos en la imagen son coherente, puede La acción sigue a la acción para lograr el propósito de una transición suave y concisa. Lo llamamos "movimiento tras movimiento" para abreviar. Si el movimiento del sujeto en las dos imágenes es incoherente, o hay una pausa entre ellos, entonces la combinación de las dos tomas debe realizarse después de que el sujeto en la imagen anterior haya completado una acción completa y se haya detenido, y luego el de la imagen anterior. todavía para La primera toma de movimiento, esto es "tranquilo tras silencio". Cuando se combina "quietud tras quietud", el momento de detenerse al final del plano anterior se denomina "ángulo de caída", y el momento de quietud antes del movimiento del siguiente plano se denomina "cuadro inicial". El fotograma y el fotograma final duran aproximadamente uno o dos segundos.
La combinación de lentes móviles y lentes fijas también debe seguir esta regla. Si a un plano fijo le sigue un plano panorámico, el plano panorámico debe comenzar con un ángulo inicial; por el contrario, si a un plano panorámico le sigue un plano fijo, entonces el plano panorámico debe tener una "caída"; De lo contrario, la imagen dará a las personas una sensación visual de salto. Para efectos especiales, también hay tomas estáticas y en movimiento o en movimiento y estáticas.
(5) La duración del tiempo de montaje de la lente
Cuando filmamos películas y programas de televisión, la duración del tiempo de inactividad de cada lente se basa primero en la dificultad del contenido a expresarse está determinado por la capacidad receptiva del público y, en segundo lugar, también deben tenerse en cuenta factores como la composición de la imagen. Por ejemplo, debido a diferentes selecciones de escenas en la pantalla, el contenido incluido en la pantalla también será diferente. Las imágenes con tomas grandes, como tomas largas y tomas medias, contienen más contenido, y el público necesita ver el contenido de estas imágenes con claridad, lo que requiere un tiempo relativamente largo. Las imágenes con tomas pequeñas, como primeros planos y primeros planos, contienen menos. contenido, la audiencia sólo necesita un corto tiempo para ver con claridad, por lo que el tiempo de permanencia en la pantalla puede ser más corto.
Además, otros factores en una imagen o en un grupo de imágenes también restringen la duración de la imagen. Al igual que las partes más brillantes de una imagen pueden atraer la atención de las personas que las partes más oscuras. Por lo tanto, si la imagen quiere mostrar las partes brillantes, la longitud debe ser más corta, y si la imagen quiere mostrar las partes oscuras, la longitud debe ser más larga. En la misma imagen, las partes móviles atraen la atención visual de las personas antes que las partes estáticas. Por lo tanto, si el foco es mostrar partes en movimiento, la imagen debe ser más corta; si el foco es mostrar partes estáticas, la duración de la imagen debe ser un poco más larga;
(6) La unidad de tono y color en el montaje de la lente
El tono se refiere a la pantalla negra. El paisaje en la pantalla negra, sin importar el color que sea, está representado por muchos tonos diferentes de blanco y negro compuestos de diferentes tonos suaves y duros. Para las imágenes en color, además del problema del tono, también existe un problema de color. Ya sea que se trate de un montaje de imágenes en blanco y negro o en color, se debe mantener la coherencia del tono y el color. Si se conectan dos tomas con un fuerte contraste entre luz y oscuridad o color (excepto para necesidades especiales), la gente se sentirá rígida e incoherente, afectando la expresión fluida del contenido.
(7) El ritmo del montaje del plano
El tema, el estilo, el estilo del cine y los programas de televisión, así como la atmósfera ambiental de la trama, las emociones de los personajes, los altibajos de la trama, etc., están de acuerdo con el ritmo general de los programas de cine y televisión. Además de la actuación de los actores, el cambio y movimiento de las lentes, la coordinación de la música, los cambios de tiempo y espacio de las escenas, etc., el ritmo de la película también debe ensamblarse y ensamblarse para controlar estrictamente la Tamaño y número de lentes. Se puede completar clasificando y ajustando el orden de las tomas y eliminando detalles redundantes. También se puede decir que el ritmo de montaje es el último componente del ritmo general de la película educativa.
Ante cualquier trama o grupo de escenas de un programa cinematográfico, el tema del ritmo debe abordarse en función del contenido expresado en la película. Si se utilizan cambios de cámara rápidos en un ambiente tranquilo y pacífico, el público se sentirá abrupto y psicológicamente inaceptable. Sin embargo, en algunas escenas con un ritmo fuerte y gente emocionante, se deben tener en cuenta varios factores de impacto para que la tasa de cambio de las tomas sea consistente con los requisitos psicológicos de la audiencia joven, a fin de mejorar la emoción de la audiencia joven y lograr el propósito de atracción e imitación.
(8) Cómo ensamblar y conectar lentes
Además de utilizar principios ópticos, también puedes cambiar directamente entre lentes a través de reglas de conexión para hacer la trama más natural y interesante. suave, a continuación presentamos varios métodos de ensamblaje efectivos.
·Conexión: Serie de dos o más planos conectados que muestran las acciones de un mismo sujeto.
·Conexión en cola: Una combinación de planos conectados pero no del mismo sujeto. Debido al cambio de tema, la apariencia del sujeto del siguiente plano hará que el público piense en la relación entre los superiores. y cuadros inferiores, que sirven de eco, contraste y metáfora El papel del florete. A menudo puede revelar creativamente un nuevo significado.
·La combinación de cuadrículas en blanco y negro: para crear un efecto visual especial, como un rayo, una explosión, un efecto de flash en un estudio fotográfico, etc. Al ensamblar, podemos reemplazar las piezas brillantes requeridas con marcos blancos, combinar varios marcos negros en el momento en que se conectan varios vehículos o usar marcos en blanco y negro para cruzarlos cuando sea apropiado. Ayuda a fortalecer el ritmo de la película y realza el. atmósfera y mejorar el suspenso.
·Montaje de lentes en dos etapas: Es un método de montaje en el que un plano de primer plano salta directamente a un plano panorámico, o un plano panorámico cambia directamente a un plano de primer plano.
Este método puede hacer que el desarrollo de la trama cambie del movimiento a la quietud o un cambio en la quietud, dando al público un fuerte sentido de intuición, formando cambios repentinos de ritmo y produciendo efectos visuales y psicológicos especiales.
·Combinación de tomas de flashback: al utilizar tomas de flashback, como insertar tomas de personajes que recuerdan eventos pasados, esta técnica de combinación se puede utilizar para revelar los cambios internos de los personajes.
·Análisis del mismo plano: Utiliza el mismo plano en varios lugares. Cuando se utiliza esta técnica de combinación, a menudo se debe a las siguientes consideraciones: ya sea porque los materiales fotográficos requeridos no son suficientes o porque una determinada toma se repite intencionalmente para mostrar el cabello negro y los recuerdos de un determinado personaje o para enfatizar un determinado personaje; personaje El significado simbólico único de una imagen se utiliza para expresar el pensamiento de la audiencia o para crear una conexión entre el principio y el final, a fin de brindar a las personas un sentimiento completo y riguroso en términos de estructura artística.
·Costura: A veces, aunque filmamos muchas veces en exteriores y el tiempo de disparo es bastante largo, las lentes disponibles son muy cortas y no logran alcanzar la longitud y ritmo que necesitamos. En este caso, si hay planos con contenido igual o similar, podemos combinar entre ellos las partes disponibles para conseguir la longitud necesaria de la pantalla del programa.
·Insertar combinación de tomas: cambia en medio de una toma e inserta otra toma que muestra un sujeto diferente. Por ejemplo, una persona camina por la carretera o está sentada en un automóvil mirando hacia afuera y, de repente, se inserta una toma que representa la línea de visión subjetiva de la persona (toma subjetiva) para mostrar lo que la persona ve inesperadamente, sus sentimientos intuitivos y una toma. que evoca asociaciones.
·Combinación de acciones: Utiliza la coherencia y similitud de acciones e impulso de personajes, animales, vehículos, etc. como medio para cambiar de disparo.
·Combinación primer plano: El último plano finaliza con un primer plano de una determinada parte de un personaje (cabeza u ojos) o de un objeto, y a partir de este primer plano, el campo El campo de visión se amplía gradualmente para mostrar el entorno de otro episodio. El propósito es cambiar, sin saberlo, la escena y el contenido narrativo cuando la atención del público se centra en la expresión de una determinada persona o en una determinada cosa, sin provocar un sentimiento repentino e inapropiado.
·Combinación de planos de paisajes: Utiliza planos de paisajes como transición entre los dos planos. Hay planos con la escena como parte principal y los objetos como contraste, que pueden mostrar diferentes entornos geográficos y paisajes, y también. Expresa el cambio de tiempo y estaciones, y también es una técnica de expresión lírica basada en la escenografía. Por otro lado, es una lente que enfoca los objetos y el paisaje como una lámina. Este tipo de lente se utiliza a menudo como medio de conversión de lentes.
·Transición de sonido: utiliza comentarios para hacer la transición de escenas. Esta técnica es generalmente más común en películas científicas y educativas. Utilice voz en off y voz en off para alternar escenas, como algunas escenas telefónicas. Además, se puede utilizar el canto para lograr efectos de transición y se pueden utilizar diversos contenidos para cambiar de escena.
·Transición multipantalla: Esta técnica se llama multipantalla, multicuadro, multicuadro y multipantalla. Es una técnica nueva en el arte cinematográfico y televisivo moderno. Dividir la pantalla o pantallas en varias partes puede permitir que tramas dobles o múltiples vayan de la mano, comprimiendo considerablemente el tiempo. Por ejemplo, en la escena del teléfono, cuando se realiza la llamada, hay personas en ambos lados. Después de realizar la llamada, el drama de la persona que llama desaparece, pero el drama de la persona que llama comienza.
Las técnicas de montaje de lentes son diversas y se crean según la intención del creador y el contenido y necesidades de la trama. No existen normativas ni restricciones específicas. En la posedición específica, podemos hacer todo lo posible para adaptarnos a la situación, pero no debemos desviarnos de la situación y las necesidades reales.