Una revisión teórica del cine
El cine es un arte del que el ser humano conoce el momento exacto de su proceso de creación y crecimiento. Es un medio que se ha desarrollado rápidamente y tiene gran influencia desde el siglo XX. Es una industria creativa que integra la política. economía y cultura. Desde finales del siglo XIX, los inventores de películas en Francia, Estados Unidos y otras regiones han inventado sucesivamente tecnologías y máquinas que pueden simular la grabación fotoacústica y la restauración de los ojos y oídos humanos. Esta tecnología cinematográfica ha sido desarrollada por empresarios desde su nacimiento. Se convirtió en un negocio cinematográfico, los políticos lo convirtieron en una ideología, los artistas lo convirtieron en arte cinematográfico y los investigadores lo convirtieron en teoría cinematográfica. La historia del desarrollo de una película es también la historia de los cineastas que exploran las leyes del cine.
Los empresarios vieron por primera vez que el cine era un invento rentable y rápidamente fundaron la compañía cinematográfica original. A principios del siglo XX, las compañías cinematográficas concentraron fondos para establecer bases de producción, comprar costosos equipos de producción, recaudar fondos para la producción de largometrajes y depender de un gran número de audiencias para comprar colectivamente entradas para ver películas y obtener ganancias. Esto formó el prototipo del modelo de producción y venta de películas comerciales. Star Film Company de Méliès, Edison Trust y Biograph Trust fueron representantes de las primeras compañías cinematográficas. El nacimiento y desarrollo del lenguaje cinematográfico y el arte cinematográfico están estrechamente relacionados con la práctica y la exploración teórica de los directores. Inicialmente, los productores de vodevil eran los prototipos de los directores. Con la exploración de los métodos de expresión cinematográfica y las características cinematográficas, Lumiere apareció uno tras otro. Hermanos, Georges Méliès, Edwin Bout y Griffith, entre otros primeros exploradores del arte cinematográfico, estos pioneros del cine ampliaron las posibilidades del lenguaje cinematográfico y la creatividad cinematográfica. La creación cinematográfica temprana, la gestión cinematográfica y la exploración cinematográfica eran una trinidad. En esta época, los cineastas eran también exploradores del lenguaje cinematográfico y operadores de películas, y eran el prototipo de cineastas con funciones completas.
Wall Street intervino en la industria cinematográfica en busca de los enormes beneficios contenidos en las operaciones monopólicas de la industria cinematográfica. La industria cinematográfica se fusionó, adquirió y formó un monopolio, lo que rápidamente desencadenó una ola de fusiones. A principios de la década de 1920, sólo quedaban ocho estudios importantes en Hollywood: Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount, Warner Bros., Twentieth Century Fox, RKO, Universal, United Artists y Columbia. Las ocho grandes empresas no sólo monopolizaron el mercado interno de las películas americanas, sino que también sustituyeron rápidamente la posición dominante de la industria cinematográfica francesa en el mercado europeo en aquel momento. Las principales características institucionales de los estudios incluyen la producción de películas de género con líneas de producción, distribución en línea de montaje, fabricación a gran escala, marketing basado en estrellas y un sistema de salas de estreno. Debido a que el estudio enfatizó la sabiduría colectiva y la división detallada del trabajo, el prototipo completo de los cineastas se disolvió inicialmente en la cooperación colectiva, y las funciones clave como la creación y gestión de películas también se descompusieron. Este sistema requiere funciones de comando y programación unificadas de películas específicas. se concentra en manos de los productores, formando un sistema centrado en el productor. Una gran cantidad de oportunidades cinematográficas han creado una gran cantidad de directores profesionales capacitados, apoyando la producción en masa de Hollywood y la edad de oro del desarrollo industrial provocada por las actualizaciones tecnológicas.
La fuerte competitividad del cine americano obligó al cine europeo a buscar avances; la tendencia literaria y artística modernista que surgió en Europa a finales del siglo XIX también proporcionó nuevas posibilidades para el desarrollo cinematográfico, conformando una serie de películas europeas. Actividades cinematográficas de vanguardia, cuyo origen alcanzó su apogeo a finales de los años 1910 y 1920. Los centros de actividad fueron principalmente Alemania y Francia, y un gran número de académicos y artistas se convirtieron en directores. Las películas europeas de vanguardia generalmente incluyen géneros específicos como películas impresionistas, películas abstractas, películas puras, películas absolutas y películas surrealistas. Entre los géneros, personajes y obras representativos se incluyen "Fever" del impresionista DeLuc y "Dance of the Machine" de Fernand Lecher Er. , la película pura "Record No. 927" de Sherman Dulac, la película surrealista "El perro andalou" de Luis Buñuel, etc. Este tipo de película que resalta el estilo individual fortalece el control del director sobre la película.
La Unión Soviética, al otro lado del mundo, ha prestado especial atención a la función ideológica del cine desde su fundación y ha cultivado activamente un grupo de cineastas talentosos, entre ellos Kuleshov, Eisenstein y Pudovkin. La escuela de cine soviética, representada por otros, propuso la primera teoría de la creación de directores de gran importancia: la teoría del montaje, y la utilizó en la práctica creativa para implementar el principio de centrarse en el director. Las obras inmortales "El acorazado Potemkin" son un ejemplo de ello. resultados prácticos de la teoría.
La "Segunda Guerra Mundial" cambió la estructura mundial y también afectó profundamente al cine. El trauma de la Segunda Guerra Mundial y la desilusión política posterior a la guerra impulsaron a toda una generación de jóvenes a expresar su decepción y enojo a través de la creación y otros medios.
A partir de "Roma, ciudad abierta" de Rossellini en 1945, surgió en Italia un movimiento cinematográfico socialmente progresista caracterizado por la innovación artística. Este movimiento cinematográfico más tarde se conoció como neorrealismo italiano. En 1956, Grigory Chukhley filmó la película "The 41st", basada en la novela homónima de Bo Laplenev, que inició la industria cinematográfica de poesía soviética y la Unión Soviética comenzó a marcar el comienzo de la era post-Stalin. .
En Francia, Bazin comenzó a reunir a algunos jóvenes que realizaron investigaciones profundas sobre la narrativa cinematográfica y la ontología cinematográfica a través de Cahiers du Cinema. Bazin hizo duras críticas al pensamiento y la expresión del montaje, y propuso desarrollar el famoso ". Teoría de la lente larga (profundidad de campo). Cahiers du Cinema también está especializado en el Hollywood clásico y descubre autores cinematográficos entre directores de cine comercial de Hollywood. En Francia surgieron varios directores debutantes. En 1958, François Giroux, columnista del semanario francés "Express", utilizó por primera vez el término "nueva ola" para describir el fenómeno cinematográfico emergente. Las películas de la nueva ola como "The 400 Blows" y "Blow Out" no solo reflejan toda la era, sino que también reflejan plenamente la comprensión, el pensamiento y el estilo personal del creador. La Nueva Ola fue una revolución en la tecnología y los métodos de producción. A juzgar por la práctica de las películas de la nueva ola, la gente nueva generalmente se opone al sistema centrado en el productor de Hollywood y defiende el cine de autor. Por ejemplo, Godard cree que "hacer películas es escribir". Al mismo tiempo, algunas películas de la nueva ola han logrado una producción independiente, lo que ha tenido un impacto importante en el desarrollo y mejora del sistema de producción en Estados Unidos y otros países.
La teoría del autor cinematográfico es una teoría importante en la investigación de directores y desempeña un importante papel rector en la práctica del director. Esta teoría fue propuesta por los principales personajes de la Nueva Ola francesa: Truffaut, Godard, Chabrol y otros. Aboga por que las películas, al igual que las novelas, la música y la pintura, son obra de una sola persona, es decir, el trabajo personal de la misma. guionista y director de cine. No todos los directores pueden llamarse "autores". Las calificaciones del autor de películas incluyen: (1) La personalidad y las características de estilo personal del director se reflejan en un lote de películas, y las cosas personales se incorporan al tema. El director no es un ejecutor. ⑵La película debe tener algún significado interno, que sea adquirido y no preexistente. ⑶El autor de la película es la persona que tiene control total sobre la producción cinematográfica y no existe distinción entre director y guionista. Godard, Truffaut, Antonioni, Fellini, Hitchcock y otros son figuras representativas de los autores cinematográficos. Las películas realizadas con títulos de autor cinematográfico son "películas de autor". Las películas de autor también se denominan películas de arte a diferencia de las películas de género. La esencia de la teoría del autor es enfatizar que el director de cine es el principal creador y finalista, y su juicio se basa en el control que el director ejerce sobre la obra.
Se puede decir que en la historia centenaria del cine, la creación inspiró la teoría, y la teoría promovió la creación, convirtiéndose en un proceso de desarrollo interactivo. El desarrollo de la teoría cinematográfica está estrechamente relacionado con varios movimientos importantes de creación cinematográfica. Las exploraciones de la escuela soviética, las prácticas de vanguardia de Francia y Alemania y el neorrealismo italiano inspiraron el establecimiento de la teoría del montaje, la teoría de vanguardia y la estética real, respectivamente. El movimiento de la Nueva Ola francesa y el movimiento de los Cahiers franceses se complementan y son mundialmente conocidos. La teoría del montaje de Eisenstein y la teoría del plano largo de Bazin han profundizado nuestra comprensión del cine; la teoría del autor cinematográfico enfatiza el papel central del director y fortalece la orientación de la práctica cinematográfica. El sistema de estudios de Hollywood, el modelo de cine de género y, más tarde, la producción independiente del Nuevo Hollywood son modelos de industrialización cinematográfica. La teoría completa del director considera plenamente las funciones completas del director y la relación con los inversores basándose en la teoría del autor cinematográfico y el sistema centrado en el productor, y establece el modelo del director y los principios de aplicación del sistema de capital del director desde New Hollywood, New Wave hasta New Generación .