¿Cuáles son los tres tipos principales de montaje en las películas?

El arte cinematográfico y televisivo es una combinación de arte sonoro y pictórico sin ninguno de ellos, no se puede llamar arte cinematográfico y televisivo moderno. Los elementos sonoros incluyen los elementos lingüísticos del cine y la televisión. En el arte cinematográfico y televisivo, los requisitos del lenguaje son diferentes de los de otras formas de arte y tienen sus propios requisitos y reglas especiales.

(1) Características y funciones del lenguaje cinematográfico y televisivo

El lenguaje cinematográfico y televisivo tiene sus propias reglas especiales, que son diferentes de las novelas, la prosa y el lenguaje televisivo. El lenguaje del cine y la televisión se utiliza de manera flexible de acuerdo con los requisitos especiales de las transmisiones de cine y televisión, y no tiene que cumplir plenamente con las "reglas" de composición. Sus funciones y características se resumen a continuación.

El lenguaje es coherente y el sonido y la imagen son armoniosos

En los programas de cine y televisión, si desglosamos el lenguaje, muchas veces no parece un artículo completo. El lenguaje es entrecortado y nervioso, y los párrafos no necesariamente tienen una lógica estricta. Pero si relacionamos el lenguaje con las imágenes, podemos ver la indivisibilidad y la lógica estricta de todo el espectáculo. Esta lógica se refleja en el hecho de que el lenguaje y las imágenes no se añaden o sintetizan simplemente, sino que se penetran, se disuelven, se complementan y se complementan entre sí. En la combinación de sonido e imagen, a veces la imagen es la parte principal, mostrando la connotación abstracta de la imagen, a veces es el sonido y la imagen es sólo una pista de la imagen. Según el análisis anterior, el lenguaje cinematográfico y televisivo tiene estas características y funciones: profundizar y sublimar el tema y expresar la imagen con el lenguaje puede abstraer la imagen y expresar la imagen específica como un concepto abstracto; el lenguaje puede expresar la personalidad y la mentalidad; de diferentes caracteres; las imágenes también se pueden conectar para que la transición sea fluida; el idioma también puede omitir imágenes para omitir algunas imágenes innecesarias.

Coloquialismo y popularización del lenguaje

Las audiencias de los programas de cine y televisión son multinivel, salvo algunas películas concretas, conviene utilizar lenguajes populares.

La llamada lengua popular es la lengua hablada utilizada en las películas. Si el lenguaje no es popular, comprensible y difícil de entender, distraerá a la audiencia de mirar. Este tipo de discapacidad auditiva dificultará las funciones visuales y también afectará la percepción y comprensión de la imagen por parte del público. Por supuesto, no se lograrán buenos efectos audiovisuales.

Lenguaje conciso y universal

El arte cinematográfico y televisivo se basa en imágenes, por lo que el lenguaje cinematográfico y televisivo debe ser conciso y directo. El tiempo y el espacio ahorrados deben expresarse en imágenes, permitiendo al público ensoñar e imaginar libremente en un tiempo y espacio limitados.

El comentario también debe estar sincronizado con la imagen, de lo contrario se llenará del programa, lo que pondrá en tensión el oído y la vista de la audiencia y les impedirá ver algo que interferirá. y oscurecer la audiencia.

El lenguaje es preciso y apropiado

Debido a que las pinturas de películas y televisión se muestran frente a la audiencia y no hay detalles visibles para la audiencia, los requisitos para el lenguaje de películas y televisión son bastante preciso. Cada línea debe resistir la prueba de la audiencia. Esto difiere del lenguaje transmitido, que a veces es impreciso y confunde el oído de la audiencia. Antes de los programas audiovisuales, los espectadores no sólo podían ver las imágenes claramente, sino también escuchar los efectos de sonido y compararlos entre sí. Si hay alguna diferencia, el público también la notará.

Si hay diferentes explicaciones y explicaciones para una misma imagen, comprueba si tu comprensión es correcta y si la redacción es adecuada. Si hay una contradicción, lo más probable es que se deba a una expresión lingüística inexacta.

2. Registros de lenguaje

Los registros de lenguaje en programas de cine y televisión incluyen diálogo, narración, narración, monólogo, ruido, etc. Para mejorar el efecto de grabación, se debe prestar atención a la calidad del narrador, las habilidades de grabación y los métodos de grabación.

Calidad de los revisores

Un revisor calificado debe comprender completamente el manuscrito, conocer el contenido y los puntos clave del manuscrito y comprender algo de vocabulario profesional. Al leer en voz alta, también debes captar el tema y determinar el tono de la voz, es decir, la atmósfera y el estado de ánimo general. El estilo de doblaje debe ser claro sobre el amor y el odio, fuerte y suave, riguroso y vívido. Las líneas y los diálogos deben adaptarse a la personalidad del personaje y las explicaciones deben pronunciarse con fluidez y sin ambigüedades.

Grabación

Técnicamente hablando, la grabación debe crear condiciones materiales lo más favorables posible, garantizar una buena calidad de sonido y volumen y, en la medida de lo posible, realizarse en un estudio de grabación profesional. En el lugar de grabación, debe haber un ingeniero de sonido para proporcionar un mando unificado y una cooperación tácita. Al grabar una narración, primero debe editar la escena y luego dejar que el actor de doblaje la vea y la doble.

Formas de interpretación

En la interpretación de programas de cine y televisión existen muchas formas de interpretación, las cuales deben determinarse según el contenido de la película. Se puede dividir a grandes rasgos en tres categorías: explicación en primera persona, explicación en tercera persona y forma libre en la que se alternan la explicación en primera persona y la explicación en tercera persona, etc.

3. Música de cine y televisión

En la historia del cine, las películas musicales han estado muy relacionadas con la música desde su aparición. Ya en 1896 se utilizó el acompañamiento de piano en las películas de los hermanos Lumière. Más tarde, fue mejorando gradualmente y la música penetró gradualmente en las películas y ya no era una forma externa de acompañamiento. Más tarde, con la aparición de las películas sonoras, la música cinematográfica y televisiva desarrolló un escenario más colorido.

El papel de las técnicas de montaje en cine y programas de televisión

Las técnicas de montaje que combinan lentes y efectos de sonido son un factor importante para determinar el éxito de una película. La actuación en la película tiene los siguientes aspectos.

(1) Expresa el significado moral y crea la concepción artística. La segmentación y combinación de planos, y la combinación e interacción orgánica de sonido e imagen pueden dar al público un nuevo significado psicológico. Un solo plano, una sola imagen o un solo sonido sólo puede expresar su significado específico, no tiene ningún otro significado ideológico o contenido profundo. Sin embargo, si utilizamos tecnología de montaje y técnicas de expresión, podemos hacer que una serie de tomas o imágenes no relacionadas tengan un significado especial, expresen el significado del creador o produzcan un significado específico.

(2) Selección y compensación, generalización y concentración. Se selecciona una película de decenas de minutos entre muchos metrajes. Las tomas no sólo difieren en contenido, composición y puesta en escena, sino que la velocidad del movimiento de la cámara también varía mucho y, a veces, hay cierta repetición. El director debe analizar y estudiar cuidadosamente el material de acuerdo con el tema y el contenido de la película, seleccionar, proyectar y recombinar cuidadosa y audazmente las tomas para garantizar la visibilidad.

(3) La técnica de combinación de montaje puede guiar la atención del público y estimular sus asociaciones de acuerdo con sus hábitos psicológicos. Debido a que cada toma solo muestra un contenido específico, y hay un cierto orden después de la combinación, se puede regular y guiar estrictamente, afectando las emociones y la psicología de la audiencia e inspirando a la audiencia a pensar.

(4) Puede crear el concepto de tiempo en la pantalla. El uso de la tecnología de montaje puede cortar, organizar, procesar y transformar la vida y el espacio reales, haciendo que el tiempo y el espacio del cine y la televisión sean extremadamente amplios en el campo de la vida real y el contenido de las películas, ampliando el espacio de la pantalla y realizando la función de abarcar. tiempo y espacio.

(5) La técnica del montaje crea diferentes ritmos en las imágenes de la película. El montaje puede estudiar de manera integral factores objetivos (cantidad de información, velocidad de movimiento de personajes y tomas, efectos de color y sonido, efectos de audio y efectos especiales, etc.) y factores subjetivos (sentimientos psicológicos de la audiencia). A través del empalme entre tomas, el ritmo interno y el ritmo externo, el ritmo visual y el ritmo auditivo se combinan orgánicamente, haciendo que el ritmo de la película sea colorido, vívido, natural y armonioso, creando un fuerte impacto.

2. Montaje del grupo de lentes

Este tipo de combinación de lentes no considera factores como los efectos de sonido. Según su forma de expresión, dividimos este tipo de montaje en dos categorías: montaje narrativo y montaje performativo.

(1) Montaje narrativo

También conocido como montaje narrativo en el arte cinematográfico y televisivo, combina planos y escenas según el desarrollo de la trama, tiempo, espacio, secuencia lógica y relación causal. y párrafos. Mostrar la continuidad de los acontecimientos, promover el desarrollo de la trama y guiar a la audiencia para que comprenda el contenido son los métodos narrativos más básicos y comúnmente utilizados en programas de cine y televisión. Sus ventajas son pulsos claros y una lógica coherente. El método narrativo del montaje narrativo también se puede dividir en varios métodos específicos, como el montaje continuo, el montaje paralelo, el montaje cruzado y el montaje repetido.

Montaje continuo, este método narrativo cinematográfico y televisivo es similar al método narrativo secuencial en las técnicas narrativas novedosas. En general, tiene una línea principal única y clara, que se describe rítmica y continuamente según la secuencia lógica de los acontecimientos. Este método narrativo es sencillo y claro, con pistas claras, que pueden hacer que los acontecimientos a describir sean fáciles de entender. Pero también tiene sus propios defectos. Demasiados montajes consecutivos en una película pueden hacer que parezca que se alarga. Por lo tanto, debemos considerar estos aspectos al realizar una edición no lineal, y es mejor combinarlos y coordinarlos con otras técnicas narrativas.

Montaje de igualdad, este es un método de expresión de clasificación. Dos o más hilos argumentales se narran por separado y se unifican en una trama completa. Este método es útil para resumir y condensar, ahorrar espacio y ampliar la capacidad de la película. Debido a la interpretación paralela y al contraste mutuo, puede formar contraste y eco, produciendo así una variedad de efectos artísticos.

Montaje cruzado, esta técnica narrativa es la misma que el montaje de igualdad. El montaje paralelo sólo se centra en la unidad de trama y tema, la conexión interna de los acontecimientos y la claridad de la línea principal.

El montaje cruzado enfatiza la relación cruzada entre pistas paralelas y la simultaneidad y contraste de eventos, así como la influencia mutua y la promoción entre estos eventos. En las últimas pistas, esta técnica narrativa puede crear un fuerte contraste y una atmósfera intensa, fortalecer la agudeza de las contradicciones y los conflictos y despertar el suspenso. Es un medio importante para captar las emociones de la audiencia.

Montaje de repetición, técnica narrativa que repite escenas o escenas que representan ciertos significados en momentos clave, produciendo así efectos artísticos como énfasis, contraste, reacción y renderizado. Profundizar la impresión de un determinado significado.

②Montaje escénico

Este tipo de montaje también se llama montaje simétrico en el arte cinematográfico y televisivo. Se basa en la secuencia de tomas y cambios de forma o contenido mediante conexiones o superposiciones. Las tomas el contraste y la influencia mutua producen un significado más significativo que una sola toma por sí sola. Para expresar algunos de los sentimientos emocionales del creador, también deja una fuerte impresión en la audiencia visual y psicológicamente y aumenta el atractivo emocional. Su función estética es estimular las asociaciones del público e inspirarlo a pensar. El propósito de esta técnica de montaje no es describir la trama, sino expresar emociones, expresar moralejas y revelar el significado de la memoria. Este tipo de montaje tiene principalmente las siguientes formas:

El montaje metafórico se clasifica por la cola o intersección de planos (o escenas), que expresa implícita y vívidamente las emociones morales o subjetivas del creador sobre un determinado evento. A menudo expresa algunas características similares entre cosas similares para despertar la asociación de la audiencia, comprender la moralidad del creador y apreciar el color emocional subjetivo del evento.

La característica estética de esta forma de expresión es que combina un gran resumen con una expresión concisa, lo que tiene un gran atractivo y poder expresivo. En el programa que queramos producir debemos combinar factores metafóricos con pistas narrativas para conseguir el efecto artístico que queremos expresar. Los elementos utilizados en la metáfora deben ser coherentes con el tema a expresar, y la técnica de expresión puede complementar el tema, lo que requiere que sea apropiada, natural, implícita y novedosa.

Montaje de contraste, esta técnica de expresión de montaje consiste en crear un efecto de contraste en el contenido o la forma de la toma, dando a las personas una sensación de contraste. También es la coordinación mutua y el conflicto de contraste del contenido, y. Se utiliza para expresar los sentimientos del creador. El contenido, las emociones y los pensamientos expresados ​​en un determinado significado o conversación.

El montaje psicológico expresa directa y vívidamente las actividades psicológicas y el estado mental del personaje a través de la combinación de lentes, como el aura, la memoria, los sueños, las alucinaciones, la imaginación y otras actividades psicológicas e incluso subconscientes del personaje. expresión del modelado psicológico del personaje. Esta técnica se utiliza a menudo para tiros de recuperación.

El montaje psicológico se caracteriza por la fragmentación de las imágenes y la incoherencia de las narrativas. Se utiliza principalmente para expresar intersecciones, colas e interludios, con un fuerte color subjetivo.

3. Normas y métodos generales de montaje de lentes

Como todos sabemos, no importa qué película o programa de televisión sea, está compuesto por una serie de lentes conectadas en un determinado orden. Estas tomas pueden continuar, permitiendo al público verlas fusionarse en un todo dentro de la película. Esto se debe a que el desarrollo y cambio de lentes debe seguir ciertas reglas, que presentaremos en detalle a continuación.

(1) La combinación de planos debe ajustarse a la forma de pensar del público y a las reglas de las actuaciones cinematográficas y televisivas.

La combinación de lentes debe ajustarse a la lógica de la vida y del pensamiento. Si no tiene sentido, el público no lo entenderá. Los temas e ideas centrales a expresar en los programas de cine y televisión deben ser claros. Sobre esta base, podemos determinar qué planos elegir y cómo combinarlos en función de las necesidades psicológicas del público, es decir, la lógica del pensamiento.

(2) El cambio de escenario debe adoptar un método "paso a paso".

En términos generales, al filmar una escena, el desarrollo del "escenario" no debe ser demasiado drástico, de lo contrario no será posible conectarse fácilmente. Por el contrario, la "escena" no cambia mucho, el ángulo de disparo no cambia mucho y la lente no es fácil de montar. Por las razones anteriores, debemos adoptar un enfoque paso a paso para abordar el desarrollo y los cambios de la "escena" durante el rodaje. Cambiar gradualmente las tomas a diferentes distancias visuales puede crear una conexión fluida y formar una variedad de patrones de montaje.

Patrón de oración progresiva: este patrón de oración narrativa se refiere a la transición del paisaje desde una vista lejana y panorámica a un primer plano y un primer plano. Se utiliza para expresar emociones y desarrollar la trama de menor a mayor.

Patrón de oración hacia atrás: este patrón de oración narrativa va de cerca a lejos, indicando emociones deprimidas y de mayor a menor. Se expresa desde los detalles a todos en la película.

Patrón de oración circular: Es una combinación de oraciones hacia adelante y hacia atrás.

Desde panorama - plano medio - plano cercano - plano cercano, y luego de plano cercano - plano cercano - plano medio - plano lejano, o podemos hacerlo al revés. Muestre emociones de menor a mayor y luego de mayor a menor. Este patrón de oraciones se utiliza a menudo en largometrajes de cine y televisión.

Cuando se ensambla la lente, si se encuentra el mismo plano, las imágenes de la misma escena y el mismo sujeto no se pueden ensamblar. Debido a que la escena que se está filmando no cambia mucho, un par de imágenes parecen iguales, como si se repitiera la misma toma. Por otro lado, cuando se conectan dos tomas con pocos cambios en la ubicación y el escenario, siempre que la escena en la imagen cambie ligeramente, saltará en el campo de visión de las personas o parecerá que una toma larga ha sido interrumpida muchas veces. y hay "Tiene una sensación de" película extranjera "y" puerta giratoria ", lo que destruye la continuidad de la imagen.

Si estuviéramos en esta situación, rodar estos planos desde el principio (para una serie con muy pocos planos bastaría), sería de gran ayuda para otras películas con las mismas localizaciones y las mismas escenas. Es una pérdida de tiempo y dinero a largo plazo. La mejor manera es utilizar lentes de transición. Por ejemplo, filmar desde diferentes ángulos y luego montarlo, intercalando subtítulos, permite cambiar la posición y los movimientos del intérprete antes del montaje. Los cuadros así ensamblados no darán la sensación de salto, discontinuidad o dislocación.

(3) Reglas de dirección y eje de disparo en el montaje de lentes.

Cuando el sujeto entra y sale del encuadre, debemos prestar atención a la dirección general de la toma y disparar desde el lado del eje; de ​​lo contrario, el sujeto "colapsará" cuando los dos encuadres estén conectados. juntos.

La llamada "ley del eje" se refiere a si existe un fenómeno de "salto de eje" en la toma. Al disparar, si la posición de la cámara siempre está en el mismo lado del eje de movimiento principal, entonces la dirección de movimiento y la dirección de colocación del marco son las mismas; de lo contrario, debería ser un "salto de eje" y el marco de salto de eje no puede ensamblarse excepto para necesidades especiales.

(4) El conjunto de la lente debe seguir las leyes de "mover y seguir" y "conexión estática y conexión estática"

Si las acciones del mismo sujeto o de diferentes sujetos en el Las imágenes son coherentes, luego puede seguir acción tras acción para lograr el propósito de una transición suave y concisa, denominada "acción y acción". Si el movimiento del sujeto en las dos imágenes es incoherente, o hay una pausa en el medio, entonces la combinación de las dos tomas debe ser seguida por una toma en movimiento desde la imagen fija hasta el comienzo después de que el sujeto en la imagen anterior complete un movimiento completo. acción. Esto se llama "quietud a la quietud". En la combinación de "conexión estática y conexión estática", el momento en que termina la toma anterior se llama "imagen izquierda", y el momento fijo antes del movimiento de la última toma se llama "encuadre". la imagen de la izquierda dura aproximadamente uno dos segundos. La combinación de lentes móviles y lentes fijas también debe seguir esta regla. Si a un plano fijo le sigue un plano oscilante, el plano oscilante debe comenzar desde el encuadre; por el contrario, a un plano en movimiento le sigue un plano fijo, por lo que el plano en movimiento debe tener un "marco izquierdo", de lo contrario la imagen aparecerá; dar a la gente una mirada nerviosa. Para efectos especiales, también existen tomas estáticas o dinámicas.

⑤El tiempo de montaje de la lente

Cuando filmamos programas de cine y televisión, primero debemos determinar el tiempo de permanencia de cada lente en función de la dificultad del contenido a expresar y la aceptación del público y, en segundo lugar, también se deben considerar factores como la composición de la imagen. Por ejemplo, debido a las diferentes escenas seleccionadas en la imagen, el contenido de la imagen también es diferente. Las imágenes grandes de tomas largas, como las tomas medianas, contienen más contenido, por lo que el público necesita ver claramente el contenido de estas imágenes, lo que lleva un tiempo relativamente largo, mientras que las imágenes de tomas pequeñas, como primeros planos y primeros planos, contienen más contenido Hay menos contenido, por lo que la audiencia puede verlo claramente en poco tiempo, por lo que el tiempo de cuadro puede ser más corto.

Además, otros factores en una imagen o en un grupo de imágenes también limitan la duración de la imagen. Al igual que las partes brillantes de una imagen atraen más la atención que las partes oscuras. Por lo tanto, si la imagen está destinada a mostrar partes brillantes, la longitud debe ser más corta, y si está destinada a mostrar partes oscuras, la longitud debe ser más larga. En la misma imagen, las partes móviles atraen más la atención visual de las personas que las partes estáticas. Por lo tanto, si el foco está en las partes móviles, el encuadre debe ser más corto; al mostrar partes estáticas, la duración del encuadre debe ser ligeramente mayor;

(6) La unidad del tono de color de la combinación de lentes

El tono de color se refiere a la pantalla negra. El paisaje en una pantalla negra, sin importar el color que sea, está representado por muchas gradaciones de blanco y negro con diferentes tonos suaves y duros. Para las imágenes en color, además del problema del tono, también existe un problema de color.

Ya sea una combinación de imágenes en blanco y negro o imágenes en color, se debe mantener la coherencia en el tono y el color. Si se conectan dos grupos de lentes con un fuerte contraste de luz y oscuridad o de color (excepto para necesidades especiales), las personas se sentirán rígidas e incoherentes, lo que afectará la expresión fluida del contenido.

⑺Ritmo de combinación de planos

El tema, estilo y estilo del cine y programas de televisión, así como la atmósfera ambiental de la trama, las emociones de los personajes y los altibajos. de la trama, son la base general del ritmo del cine y los programas de televisión. El ritmo de la película no solo se refleja en factores como la actuación de los actores, los cambios y movimientos de cámara, la coordinación musical y los cambios de escena en el tiempo y el espacio, sino que también requiere el uso de métodos combinados para controlar estrictamente el tamaño y el número de tiros. Reorganice y ajuste el orden de las tomas y elimine detalles redundantes para completar. También se puede decir que el ritmo combinado es el último eslabón del ritmo general de la película educativa.

Cuando se trata cualquier trama o grupo de escenas en un programa cinematográfico, el tema del ritmo debe abordarse en función del contenido expresado en la película. Si utiliza transiciones de cámara rápidas en un entorno tranquilo y pacífico, hará que la audiencia se sienta abrupta e inaceptable. Sin embargo, en algunas escenas con fuerte ritmo y emoción, se deben considerar varios factores que influyen para que la velocidad de cambio de las tomas sea consistente con los requisitos psicológicos del público joven, a fin de mejorar el entusiasmo del público joven y lograr el propósito de atracción y imitación.

(8) Métodos para ensamblar lentes

Además de los principios ópticos, la combinación de imágenes de lentes también se puede cambiar directamente entre lentes a través de reglas de conexión, lo que hace que la trama sea más natural y fluida. . A continuación presentamos varios métodos de combinación efectivos.

Unir y ensamblar: Serie de dos o más tomas conectadas que muestran el mismo sujeto en acción.

Conexión en cola: Conexión de tomas que están conectadas entre sí pero que no son del mismo tema. Debido al cambio de tema, aparecerá el siguiente tema y el público asociará la relación entre las imágenes superior e inferior, que juega el papel de eco, contraste y metáfora. A menudo revelan creativamente nuevos significados.

Combinación de cuadrícula en blanco y negro: crea un efecto visual especial, como un rayo, una explosión, un efecto de flash en un estudio fotográfico, etc. Al ensamblar, podemos reemplazar las piezas brillantes requeridas con marcos blancos, ensamblar múltiples marcos negros en el momento en que se encuentran varios vehículos, o usar marcos en blanco y negro en el momento apropiado, lo que ayuda a fortalecer el ritmo y la representación de la atmósfera de la película y mejorar el suspenso.

Combinación de lentes de dos etapas: Es un método de combinación en el que una lente de primer plano salta directamente a una lente panorámica o cambia directamente de una lente panorámica a una toma de primer plano. Este método puede hacer que el desarrollo de la trama cambie de dinámico a estático o cambie de estático, dando a la audiencia una fuerte sensación de franqueza, formando un cambio repentino de ritmo y produciendo efectos visuales y psicológicos especiales.

Ensamblaje de tomas de flashback: mediante tomas de flashback, como insertar tomas donde el personaje recuerda el pasado, esta técnica de ensamblaje se puede utilizar para revelar los cambios internos del personaje.

Análisis de la misma lente: Utilizar la misma lente en varios lugares. Cuando se utiliza esta técnica de combinación, muchas veces se debe a las siguientes consideraciones: ya sea porque los materiales pictóricos requeridos no son suficientes o se repite deliberadamente una escena para mostrar el cabello y la memoria de un determinado personaje o el significado simbólico único de un personaje; se enfatiza la pintura para imprimir y distribuir los pensamientos del público o hacer que el final sea mutuamente satisfactorio, logrando así un sentimiento completo y riguroso en la estructura artística.

Costura: A veces, aunque rodábamos mucho en exteriores y durante bastante tiempo, las tomas disponibles eran cortas y no conseguían la longitud y el ritmo que necesitábamos. En este caso, si hay planos con contenido igual o similar, podemos combinar algunos de ellos para conseguir la duración necesaria del metraje del espectáculo.

Insertar combinación de planos: Cambia entre un plano e inserta otro plano que represente un objeto diferente. Si una persona camina por la carretera o está sentada en un automóvil y mira hacia afuera, de repente inserta una lente que representa la línea de visión subjetiva del personaje (lente subjetiva) para mostrar lo que el personaje ve inesperadamente, sus sentimientos intuitivos y la lente que provoca asociaciones.

Combinación de acciones: Utiliza la conexión entre acciones y dinámicas de personas, animales, vehículos, etc. y consistencia y similitud de acción, se utiliza como medio de transición de tiro.

Combinación de primer plano: El último plano termina con un primer plano de una determinada parte de una persona u objeto (cabeza u ojos), y luego a partir de este primer plano, el campo de visión se va ampliando gradualmente. se expande para mostrar otro escenario episódico. El propósito es cambiar inconscientemente la escena y el contenido narrativo sin que la gente se sienta incómoda cuando la atención del público se centra en la expresión de una persona u otras cosas.

Combinación de tomas de paisajes: Entre las dos tomas, con la ayuda de tomas de paisajes, hay tomas con paisajes como tema y objetos como fondo, que pueden expresar diferentes entornos geográficos y características del paisaje, y también Representan los cambios de tiempo y estaciones también expresan el lirismo del paisaje. Por otro lado, es una lente con objetos como sujeto principal y paisajes como lámina, y a menudo se utiliza como medio de conversión de lentes.

Transición de sonido: Utilice comentarios para realizar la transición. Esta técnica es generalmente más común en películas científicas y educativas. El uso de voz en off y transiciones en imagen se alternan entre sí, como en la interpretación de algunas escenas de llamadas telefónicas. Además, se utiliza el canto para lograr el efecto de transición y se utilizan diversos contenidos para cambiar de escena.

Transición multipantalla: este método se llama multipantalla, multipantalla, multipantalla, es un método nuevo en el arte cinematográfico y televisivo moderno. piezas y puede hacer que tramas duales o múltiples vayan de la mano, reduciendo significativamente el tiempo. Por ejemplo, en un escenario telefónico, cuando haces una llamada, hay personas en ambos lados. Después de hacer la llamada, el drama de la persona que llama termina, pero el drama de la persona que llama comienza.

La técnica de combinación de lentes es una variedad de pétalos, que se crean según la intención del creador y el contenido y necesidades de la trama. No existen regulaciones ni restricciones específicas. En la posedición específica, podemos hacer nuestro mejor esfuerzo según la situación, pero no debemos desviarnos de la situación y las necesidades reales.

4. Lente de distancia focal larga

La lente larga también se llama toma segmentada en el arte del cine y la televisión y se refiere a las tomas continuas tomadas por la cámara después de un largo período sin parar. El movimiento de algunas lentes largas puede tardar más de unos minutos.

La teoría del plano largo fue propuesta por primera vez por el teórico del cine francés André Bazin. Él cree que el movimiento de lentes y lentes puede evitar limitar estrictamente el proceso de percepción de la audiencia, centrarse en el movimiento verdadero, normal y completo de las cosas, garantizar que se respete el tiempo y permitir que la audiencia vea la imagen completa del espacio de exhibición y la conexión real de las cosas. Su importancia no sólo puede reducir en gran medida el número de montajes, sino que también desempeña un papel importante en el desarrollo y estudio del potencial artístico del montaje dentro de la lente. Especialmente para las emociones que deben expresarse continuamente, las tomas que deben ser coherentes y las tomas que deben introducir continuamente un espacio amplio, todas tienen su propio valor artístico especial.

Sin embargo, Bazin absolutiza el significado estético de los planos generales, enfatizando sólo la realidad e ignorando la naturaleza artística de las técnicas de montaje externo. Podemos seleccionar tomas típicas y representativas a través de múltiples combinaciones de montaje para crear tomas novedosas que abarcan el tiempo y el espacio y acortan el espacio sin sentido, de modo que la audiencia pueda recibir su efecto artístico en lugar de simplemente copiar y observar el tiempo objetivo. Las tomas largas se utilizan ampliamente en las películas para televisión nacionales, que a menudo resultan monótonas y no tan intensas como las de Hong Kong, Taiwán u Occidente.

La teoría del plano largo y las técnicas actorales forman parte del arte cinematográfico y televisivo y pueden complementar las técnicas de montaje del montaje. Pero no podemos abusar de ello, especialmente en largometrajes y MTV. Podemos usarlo apropiadamente para mostrar algunos detalles en documentales, películas educativas o algunos noticieros.

5. Montaje grupal de pintura sonora

Antes de 1927, el cine era mudo. En la pantalla, las expresiones y movimientos de los actores se utilizan principalmente para despertar asociaciones en el público y lograr una comprensión tácita del sonido y la imagen. Posteriormente, el efecto artístico de la fusión de sonido e imagen se mejoró aún más mediante la combinación de lenguaje detrás de escena o sonidos artificiales como el piano, el gramófono y el acompañamiento de una banda con la imagen. Sin embargo, para comprender verdaderamente la coherencia del sonido y la imagen y utilizar el sonido como elemento de expresión del arte cinematográfico y televisivo, fue sólo después de la aparición de la tecnología cinematográfica de grabación de sonido y de inducción de luz y sonido, especialmente la tecnología de grabación en cinta, que el sonido Fue incluido en programas de cine y televisión como parte integral del arte cinematográfico y televisivo.

Publicación especial sobre los conceptos básicos de la producción de vídeo - Explicación detallada del sistema de cámara digital NTSC/PAL

Actualmente, las transmisiones de televisión en color en el mundo utilizan NTSC, PAL y SECAM.

1 Formato NTSC

El formato NTSC también se llama formato Grace. Es un sistema sincrónico, desarrollado por primera vez en los Estados Unidos en febrero de 1953 y llamado así por la abreviatura de National Television Systems Committee. La modulación de la señal de crominancia de este sistema se caracteriza por una modulación de amplitud en cuadratura equilibrada, que incluye modulación equilibrada y modulación en cuadratura. Aunque resuelve el problema de compatibilidad de las transmisiones de televisión en color y en blanco y negro, tiene las desventajas de ser propenso a la distorsión de fase y la inestabilidad del color.

La frecuencia de alimentación de NTSC TV es de 60 Hz, la frecuencia de campo es de 60 campos por segundo, la velocidad de fotogramas es de 30 fotogramas por segundo, la línea de escaneo es de 525 líneas y el ancho de banda de la señal de imagen es de 6,2 MHz. Países que utilizan el estándar NTSC. , como Estados Unidos y Japón.

Sistema 2 PAL

El sistema PAL también se denomina sistema de cuentas. Para superar la sensibilidad del sistema NTSC a la distorsión de fase, la antigua República Federal de Alemania desarrolló el sistema NTSC en 1962 basándose en los logros técnicos del sistema NTSC. PAL es la abreviatura del inglés Phase Alteration Line, que significa cambio de fase línea por línea, y también pertenece al sistema simultáneo. Utiliza inversión de fase progresiva para una de las dos señales de diferencia de color transmitidas simultáneamente y modulación en cuadratura para la otra señal de diferencia de color. De esta manera, si se produce distorsión de fase durante la transmisión de la señal, las dos filas adyacentes de señales serán complementarias debido a sus fases opuestas, superando así eficazmente el cambio de color causado por la distorsión de fase. Por tanto, el sistema PAL no es sensible a la distorsión de fase, tiene pequeños errores de color en las imágenes y es compatible con televisores en blanco y negro. Sin embargo, el codificador y decodificador del sistema PAL son más complejos que los del sistema NTSC, el procesamiento de la señal es más problemático y el costo del receptor también es alto.

Dado que los países de todo el mundo deben considerar la compatibilidad con la televisión en blanco y negro al configurar transmisiones de televisión en color, muchos países utilizan el sistema PAL, como China, Alemania, Singapur, Australia, etc. Pero aún debemos prestar atención a un problema, porque diferentes países adoptan diferentes estándares de televisión en blanco y negro. Incluso si también se menciona el sistema PAL, seguirán existiendo diferencias en algunas características técnicas. La frecuencia de potencia de PAL TV es de 50 Hz, la frecuencia de campo es de 50 campos por segundo, la velocidad de cuadros es de 25 cuadros por segundo, la línea de escaneo es de 625 líneas y el ancho de banda de la señal de imagen es de 4,2, 5,5 y 5,6 MHz respectivamente.

Sistema de 3 segundos

El sistema SECAM es un sistema de segundos. Es la abreviatura del francés Sequentiel Couleur A Memoire, que significa "transmitir colores y almacenarlos en orden". Fue desarrollado con éxito por Francia en 1966 y es un sistema secuencial simultáneo. Durante el proceso de transmisión de la señal, la señal de brillo se transmite línea por línea, mientras que las dos señales de diferencia de color se transmiten línea por línea, es decir, el tiempo de transmisión de las líneas se escalona para evitar la diafonía y la distorsión del color causadas por la transmisión simultánea. El método de modulación de la señal cromática SECAM es diferente de NTSC y PAL. No teme a las interferencias y tiene un buen efecto de color, pero su compatibilidad es pobre. Los países donde el Banco Mundial adopta el sistema SECAM incluyen principalmente Rusia, Francia, Egipto y otros países.

Conocimientos básicos de producción de vídeo - explicación detallada de los formatos de vídeo

ASF

ASF es la abreviatura de Advanced Streaming Format. Debes tomar literalmente la utilidad de este formato. Para decirlo sin rodeos, ASF es un formato de compresión de archivos desarrollado por Microsoft para competir con el Real Player actual. ¡Real Player puede ver programas de video directamente en Internet! Debido a que utiliza el algoritmo de compresión MPEG4-4, la tasa de compresión y la calidad de la imagen son muy buenas. Debido a que ASF existe en un formato de "transmisión" de video que se puede ver instantáneamente en Internet, no es sorprendente que su calidad de imagen sea peor que la del VCD, pero es mejor que el formato RAM, que también es un formato de "transmisión" de video. . Pero si no te planteas subirlo a Internet,