Introducción al ballet moderno y explicación detallada de sus obras representativas

(1) Causas y consecuencias (1909~1977)

A principios del siglo XX, cuando el ballet clásico alcanzó su apogeo en Rusia y luego decayó, había un grupo de élites dentro Los que estaban insatisfechos con el status quo conservador comenzaron a prepararse. No pudieron hacer realidad los ideales de innovación del ballet en su propio país, por lo que sólo pudieron seguir al agente de ballet ruso Sergei Diaghilev y entrar en París con gran fanfarria en nombre del "Ballet Ruso", utilizando una gran cantidad de estilos frescos y elegantes. , nuevas obras creativas, abriendo una nueva era del "ballet moderno" para toda la historia del ballet.

El siglo XX es una era de gran despertar para la humanidad. También es una era de avance, explosión de conocimiento y explosión de información. Para la danza, es una era de explosión de obras. A partir del "ballet dramático" original, nacieron dos variedades de danza completamente nuevas, el "ballet sinfónico" y el "ballet psicológico".

Wei Wei aclaró esta era del ballet moderno con numerosos maestros y un sinfín de obras maestras. La subdividí en tres etapas: temprana, media y tardía en función de diferentes edades, generaciones, estilos y características.

Etapa inicial:

"Fountain of Tears" es un ballet en cuatro actos, una de las primeras obras representativas del ballet moderno en la ex Unión Soviética, septiembre 1934 Se estrenó en el Ballet del Teatro Kirov de Leningrado el día 28, con el guionista N. Volkov, el compositor B. Asafyev, el coreógrafo R. Zakharov y la escenografía V. Hoda, la princesa María de Polonia es interpretada por G. Ulanova. El prometido de María, Waclav, es interpretado por K. Sergeyev, el rey Girei de los tártaros es interpretado por M. Dudko y la princesa Zarema es interpretada por O .Jordan y T. Vecheslova se turnan para interpretar el papel. La traducción literal del problema es "La Fuente de Bakhchisaray". Cuando se reescenificó en China en 1961, se tradujo al chino como "La Fuente de las Lágrimas". El guión está adaptado del poema largo del mismo nombre y de otro poema corto del poeta ruso A. Pushkin. Su género se determinó desde el principio como "un poema de danza romántica", por lo que se esfuerza por transmitir la "música" del poema. la obra original. Un alto grado de unidad entre "sexualidad" y "narrativa". Para aclarar las relaciones de los personajes y los conflictos dramáticos del drama de danza, la guionista añadió un primer acto para explicar la identidad de la heroína María como una princesa polaca, al mismo tiempo añadió el personaje de su prometido Wenceslao; que ella podía expresarse en el mundo tártaro Antes de la tragedia del ataque del francotirador tártaro, se les organizó un dulce pas de deux antes del matrimonio, y cuando ocurrió la tragedia, se dispuso que él luchara hasta la muerte con el agresor, usando. la trinidad visual, auditiva y cinestésica de las imágenes de la danza para transmitir "La característica trágica de" matar la belleza en público para que otros la vean ". La pista de la trama del drama de danza es que el rey tártaro Girei atacó el Reino de Polonia en medio de la noche, robó a la princesa María, que estaba a punto de casarse, y luego regresó al palacio en Bacchisaray.

Frente a la belleza seductora y la naturaleza débil y amable de María, él, que había sido invencible durante la mayor parte de su vida, se convirtió en prisionero y se produjo un cambio doloroso en lo profundo de su corazón. Se esforzó por proponer matrimonio, pero fue rechazado repetidamente, pero aun así esperó pacientemente a que su carrera sucediera. Inesperadamente, sus extraños pensamientos encendieron los celos en el corazón de su amada concubina Zarema. Después de todas las amenazas y tentaciones, usó una daga para acabar con la vida inocente de María y, por lo tanto, Gilei le ordenó empujar a sus soldados valle abajo. Para recordar su eterno amor por María, expresar su dolor y expresar su gran bondad, Gillette ordenó la construcción de una fuente de "lágrimas" que fluye día y noche, dejando un manantial "hermoso y omnipotente" para las generaciones futuras. la leyenda de "El amor es lo primero". El guión de este drama de danza fue alguna vez aclamado como "un ejemplo típico de guión de ballet realista" en la antigua Unión Soviética. En lo que respecta a la coreografía, no es sólo el exitoso trabajo debut del coreógrafo Zakharov, sino también el primer paso del "ballet dramático" de la ex Unión Soviética en la adaptación de excelentes temas literarios y el uso del sistema de interpretación dramática de Stanislavsky para crear ballets realistas. El primer trabajo exitoso acumuló una valiosa experiencia para el posterior ballet "Romeo y Julieta".

El gran éxito de "La fuente de las lágrimas" también se puede atribuir a la excelente interpretación del personaje "María" por parte de la maestra de ballet Ulanova. Su personaje, suave por fuera pero fuerte por dentro, se parece un poco a la heroína; El momento previo a la muerte de María se convirtió en una leyenda en toda la historia del ballet soviético gracias a ella: en el momento en que todo su cuerpo fue apuñalado por la espalda, solo hubo un sutil espasmo, y luego sus omóplatos se levantaron, aprovechó el situación y empujó sus brazos para deslizarse lentamente hacia arriba a lo largo del pilar de piedra, haciendo todo lo posible para retrasar el momento en que su cuerpo estaba erguido, mostrando su perseverancia interior solo después de que se liberó de este doloroso espasmo, volvió su rostro hacia Zhan. , Gilei y cada miembro de la audiencia expresan una tranquilidad sobrenatural, reflejando la tranquilidad del alivio al "poder dejar este mundo sombrío" en la obra original de Pushkin.

"La llama de París" es un ballet en cuatro actos y cinco escenas. Es una de las primeras obras representativas del ballet moderno en la antigua Unión Soviética. Fue estrenada por el Teatro Modelo de Ópera y Danza del Estado de Leningrado. Compañía de ballet el 7 de noviembre de 1932. En este teatro actuaron los guionistas N. Volkov y V. Dangmangentliyev, el compositor B. Asafyev, el coreógrafo V. Vainonin, el escenógrafo V. Dangmangentryev El marido, Jerome, es interpretado por V. Chabouchiani , Jeanne es interpretada por O. Jordan, Therese es interpretada por N. Anisimova y Mireille de Poitiers es interpretada por N. Dugin. Interpretada por Skaya, Mistral es interpretada por K. Sergeyev. Como ballet con tema político, el tema de "La Llama de París" es la emoción cuando las masas rebeldes en Marsella, encabezadas por el líder francés Jipou, marcharon hacia París después de la Revolución Francesa en 1792. El pas de deux en el cuarto acto a menudo se representa por separado como un pequeño programa en las fiestas nocturnas, y en 1953 se llevó al cine una versión condensada de toda la obra. Junto con "El lago de los cisnes" y "La fuente de las lágrimas de Bakhchi Saray", formó la película de arte cinematográfico completa llamada "Ballet Trilogy". Esta danza dramática fue representada por el Ballet Bolshoi en 1933.

"La muerte del cisne" es una danza solista femenina. Es una de las primeras obras representativas del ballet moderno ruso y el clásico más vital de la historia del ballet. Se presentó por primera vez en la Noble Music House de. San Petersburgo el 22 de diciembre de 1907. Actuación benéfica en el Salón, música de C.C. Saint-Saëns, coreografía de M. Fokine, diseño de vestuario de L. Baxter, actuación de A. Pavlova. Su inspiración creativa proviene de la famosa canción "El cisne" del compositor francés Saint-Saëns. Acompañado por el piano, el violonchelo tocó gradualmente altibajos, como si provocara ondas en el lago, y luego condujo al cisne inocente y noble: estaba de espaldas al público y estaba de puntillas uno tras otro. Apareciendo silenciosamente en los pequeños escalones, frotando lentamente los brazos con la ayuda de la respiración, la dulce y sentida melodía recorre la parte superior de los brazos y los antebrazos hasta las muñecas y los dedos, y finalmente las yemas de los dedos grandes se sueltan en el aire. de asociación narrativa al tono lírico principal de la obra. El cuello esbelto y elevado no sólo representa con precisión la noble elegancia del arte del ballet, sino que también expresa vívidamente el deseo de supervivencia de las especies que entran y salen, e incluso de todo el reino animal. Finalmente, su centro de gravedad comenzó a hundirse, y sus incontrolables círculos, ascensos y caídas se mezclaron con un poco de impotencia, pero hasta que finalmente cayó al suelo, todavía no pudo reprimir la belleza y la dignidad de su vida. Aunque el baile solista de esta mujer duró solo 4 minutos y 6 segundos, demostró plenamente el estilo delicado y lírico de Pavlova, condensó la belleza fugaz única del ballet y expresó que "a pesar de la muerte, la vida sigue viva". Un tema tan conmovedor y dulce siempre deja una impresión inolvidable en el público.

"Firebird" es un ballet en un acto y dos actos, una de las primeras obras representativas del ballet moderno ruso. Se estrenó en la Ópera de París el 25 de junio de 1910 por el Ballet Ruso Diaghilev. dirección de M. Fokine, compositor I. Stravinsky, dirección de G. Pienet, escenografía de A. Golovin, diseño de vestuario de L. Baxter y Golovin, El pájaro de fuego de T. Karlsavin Anna desempeña el papel, el príncipe I. Tsarevich es interpretado por M. Fushou, la bella Tsarevna es interpretada por V. Fokina, y el diablo Kaschey es interpretado por E. Cecchetti.

Este ballet moderno en un acto está basado en las leyendas populares rusas "El príncipe Iván" y "El pájaro de fuego y el lobo feroz". La trama básica es: el príncipe Iván Tsarevich captura una criatura mágica con un poder ilimitado. A cambio de su libertad, el pájaro de fuego le dio una pluma mágica y le prometió al príncipe que si llamaba a la pluma en tiempos de crisis, ella rápidamente se uniría para ayudarlo a salir de los problemas. Pronto, el príncipe rescató a la bella Tsarevna de las manos del gran diablo Kaschey, y fue rescatado por el pájaro de fuego. Finalmente, completó este drama del bien venciendo al mal y realizó el sueño de que los amantes finalmente se casaran. El éxito de "Firebird" puede atribuirse en primer lugar a la visión única de Diaghilev. Cuando el compositor que había encargado originalmente se retrasó en la entrega del manuscrito, actuó con decisión y eligió al novato Stravinsky. En su creación, el compositor hizo un uso extensivo conscientemente de relaciones de intervalos disonantes y patrones rítmicos desiguales, como el compás de 7/4 y la síncopa, capturando y recreando la primitiva nación rusa de una manera amplia y vívida, una tensión misteriosa y primitiva. Desde el punto de vista del director, la estructura de un acto de la obra y la forma en que integra la danza y el drama marcan que el ballet ha trascendido la era "clásica" y ha entrado en la era "moderna". Entre ellos, el pas de deux va en contra del tema de amor obsoleto y el modelo ABA del ballet clásico pas de deux, y aprovecha las pistas del desarrollo de la trama y las necesidades de las personas, y diseña cuidadosamente el tema de "confrontación" y el modelo ABC, compilando así y derivando "Las tres secciones de baile consecutivas" Pursue ", "Persistence" y "Release" aseguran que el baile-drama se complemente entre sí y sea emocionante.

"La Consagración de la Primavera" es un ballet en dos actos, una de las primeras obras representativas del ballet moderno ruso. Fue estrenado por el Ballet Ruso Diaghilev el 29 de mayo de 1913 en el Théâtre des Champs-Élysées de. París, los guionistas I. Stravinsky y N. Roelich, el compositor Stravinsky, el director de orquesta P. Monte, el coreógrafo V. Nijinsky, el asesor de ritmo y ensayo M. Lambert, la escenografía y Según el diseñador de vestuario Roy Rich Simonov, la Chica del Festival de Primavera es interpretada por. M. Pilz La bailarina principal es una mujer de 300 años que declara la guerra a un anciano de edad infinita, y un gran número de personajes del baile grupal incluyen personas de todas las edades. Hay 70 personas de todas las edades, incluidos hombres y mujeres. y niños. El guión de Stravinsky y la música compuesta de forma independiente para "La consagración de la primavera" se basaron en los rituales de adoración reproductiva en los que se sacrificaban niñas como sacrificios humanos entre las tribus rusas primitivas. Por lo tanto, tienen una fuerte costumbre primitiva rusa en el posicionamiento del guión original. - - "Hay muchas escenas de paganos rusos en el segundo acto", lo que indica que ya no seguirá la tradición narrativa del ballet clásico, y no habrá conflictos de personalidad ni conflictos dramáticos entre personajes, por lo que será diferente de " El lago de los cisnes" y otras obras anteriores a finales del siglo XIX. El ballet romántico y el ballet clásico trazan una línea clara. Toda la obra se divide en dos actos. El tema central es hacer realidad la creencia original de "la unidad del hombre y la naturaleza" a través de la danza: el primer acto es "Revelación a la Tierra", que muestra a la gente de toda la tribu en el Con motivo del Año Nuevo, reunidos al aire libre, la ceremonia anual de adoración a la fertilidad se completó solemnemente con danzas de diversas modulaciones. El segundo acto es "La Consagración de la Primavera", que reproduce la escena en la que toda la tribu elige cada año a la virgen más bella y pura: la Doncella de la Primavera, y luego asciende al cielo con bailes interminables y finalmente se casa con el dios del sol. Una escena heroica. Cuando la obra se estrenó, causó una gran conmoción en el teatro y hubo que llamar a un gran número de policías para mantener el orden. Posteriormente, fue sellada después de sólo seis representaciones en París y Londres. La razón principal fue la música de Stravinsky. Da miedo desde el principio, con muchos intervalos disonantes ásperos y desagradables que parecen presagiar el inminente fin del mundo; y la coreografía de Nijinsky utiliza pies entrelazados y torpes movimientos hacia abajo. El movimiento anti-ballet no sólo indignó a las opiniones conservadoras. de París, la "capital del ballet", sino que también deleitó al público vanguardista. El advenimiento de "La Consagración de la Primavera" anunció una nueva era de estética diversa e innovadora. Por lo tanto, desde su estreno en 1913, siempre ha atraído a coreógrafos talentosos de todo el mundo, convirtiéndolo en el ballet más importante de la historia. Del ballet con más ediciones existen más de cien versiones conocidas de sus obras, y una veintena de ellas han tenido influencia mundial.

"La Consagración de la Primavera" es un ballet en cuatro actos y una de las primeras obras representativas del ballet moderno ruso. Fue estrenado por el Ballet Ruso Diaghilev en el Teatro Lírico de París el 13 de junio de 1923. La letra es la siguiente: Compositor: I. Stravinsky, director E. Anselme, coreógrafo B. Nijinska, escenógrafa y vestuario N. Goncharova, la novia es interpretada por F. Dubrovska, el novio interpretado por N. Simonov. Esta obra no es un drama en el sentido tradicional, sino que utiliza el arte de acción abstracta del ballet para reproducir las costumbres y la etiqueta tradicionales de las bodas rusas. Toda la obra incluye la primera escena: la bendición de la novia, la segunda escena: la bendición del novio, la tercera escena: la novia sale de casa y la cuarta escena: la celebración de la boda. Los personajes principales son la novia, el novio, el novio. , la madre de la novia, el padre de la novia, el padre del novio, la madre del novio, la dama de honor de la novia, el padrino del novio. La característica principal de esta versión de Nijinska es que, en términos de estilo y tono general, cambia el estilo colorido y real del ballet clásico ruso al contrastar los colores simples del vestuario y la escenografía con los colores contrastantes en blanco y negro. , un arte aristocrático, regresa a la simplicidad, solemnidad y costumbres locales de los pueblos rusos en términos de tiempo, espacio e intensidad de los movimientos, condensa múltiples direcciones de fuerza en direcciones rectas hacia arriba y hacia abajo, modificando la belleza lineal y la ligereza de. Ballet clásico ruso, la textura celestial de los movimientos del ballet ha vuelto al estado de ánimo secular del público ruso, lo que no solo aumenta la dificultad de los cambios de movimiento, sino que también resalta el ritual y el sentido de las costumbres nupciales rusas. La triple correspondencia entre el canto del coro, la música de percusión y los estallidos de movimientos de danza, la trinidad de la visión, el oído y la vitalidad cinestésica y el impacto es suficiente para demostrar que "la forma tiene su propio contenido" en la danza moderna. La función del vestuario y la escenografía, a través del cuidadoso diseño de vestuario que parece la vida cotidiana y habitaciones con paredes de madera, crea algunas características concretas reales y creíbles para la coreografía de danza relativamente abstracta.

"Apollo" es un ballet en dos partes y una de las primeras obras representativas del ballet moderno ruso. Fue estrenado por Sarah Bernard en París el 12 de junio de 1928 por el Ballet Ruso Diaghilev, anteriormente conocido. como "Apolo, comandante de las musas", se simplificó a su nombre actual en 1957. Guionista y compositor I. Stravinsky, coreógrafo G. Balanchine, escenógrafo A. Beauchamp, Apolo Interpretado por S. Lifa, se interpreta a la musa de la danza Tersikri Según la introducción de A. Nikitina Simonov, la oda musa Polyshnia está interpretada por L. Chernicheva y la musa épica Calliope, interpretada por F. Dubrovska. La trama de la obra se ha minimizado al máximo: el dios sol Apolo nació de Zeus y Leto. En el proceso de llevarse bien con las tres Musas, recibió una educación artística integral y educación sexual, y luego comienza a madurar. , y finalmente llega al mundo de los mortales bajo el Monte Olimpo. En esta obra, Balanchine rompió audazmente el lenguaje estilizado del ballet académico, abandonó todo tipo de movimientos decorativos y absorbió apropiadamente los bordes afilados, las distorsiones y otras características del vocabulario de la danza moderna para crear un Los cuatro caminaban juntos sobre ganchos, el La musa se sentaba arriba y abajo sobre las puntas de los pies y se retorcía, Apolo se sentaba en el suelo para sostener a la musa danzante y estiraba sus patas traseras, Apolo abría las palmas de sus manos para hacer movimientos radiales y otros movimientos nuevos que nunca antes se habían visto en el ballet clásico. Y con una cierta textura de movimiento clara y sin fondo y una luz humanista ingeniosa y humorística, la conmovedora imagen del ídolo juvenil Apolo, el dios del sol, está representada de manera precisa y vívida.

La postura de baile superpuesta de las cuatro personas al final del baile puede describirse como el clásico más evocador del ballet del siglo XX: cuando Apolo estira los brazos y aparece de manera constante en una danza de estocada, las tres musas comienzan con él como apoyo. En este punto, el centro de gravedad está inclinado hacia adelante y cada pata trasera se extiende detrás de él en un ángulo gradual similar a una brújula. Esto no solo expresa la necesidad de la vida de la luz solar y el deseo de las mujeres por los hombres, construyendo así la imagen radiante del sol. El ideal clásico occidental de la poesía, la música, la danza y el teatro en la antigua civilización griega de la forma más sencilla. ¡También revela la sangre de Balanchine e incluso sus huesos! Por esta razón, Balanchine siempre apreció especialmente esta obra, mientras la procesaba y ejecutaba constantemente, siempre mantuvo la tendencia general de "simplificación" de la obra y, finalmente, no sólo perdió el tocado de la musa, sino que acortó el vestuario de la musa. cuatro personajes, y eliminando Olimpo y la plataforma que posteriormente se utilizó para simbolizarlo, reflejando así su creencia en el poder expresivo de la acción en sí. En la historia del desarrollo del ballet, "Apolo" marca el nacimiento del "ballet neoclásico", porque el ballet se despidió del estancamiento del "ballet dramático" que domina el mundo y entró en el nuevo campo del "ballet sinfónico", enriqueciendo así el rostro del ballet en el siglo XX.

Etapa media:

"Romeo y Julieta" es un ballet de gran formato que incluye un prólogo, tres actos, 13 escenas y un epílogo. Pertenece a la etapa media del moderno. ballet en la antigua Unión Soviética La obra maestra, la obra más prestigiosa del concurso de ballet con temática de Shakespeare, se estrenó en el Ballet del Teatro Kirov de Leningrado el 11 de enero de 1940, escrita por S. Prokofiev y L. Lavrovs Key, compositor Prokofiev, el coreógrafo Lavrovsky, el escenógrafo P. Williams, Julieta es interpretada por G. Ulanova, Romeo es interpretado por K. Sergeyev, Tybal El personaje es interpretado por R. Gelbeck y Mercutio es interpretado por A. Lopkhov. El drama de danza sigue estrictamente el camino creativo del realismo socialista y es lo más fiel posible a las pistas y al espíritu de la tragedia original de Shakespeare. Revela el tema eterno de "el amor primero" y la base de "convertir la hostilidad en amistad" entre las personas. negocios. La obra es de gran escala, tiene muchos personajes, está llena de suspenso y es emocionante. Las principales pistas de la trama son: Siempre ha habido rencor entre las dos familias de Montesco y Capuleto. Inesperadamente, Romeo, el hijo del mongol. familia, y Julieta, la hija de los Capuleto, Amor a primera vista y compromiso de por vida. Sin embargo, debido al profundo rencor entre las dos familias, a pesar de todos sus esfuerzos, los dos jóvenes aún no pudieron superar numerosos obstáculos y se casaron en secreto. Al final, no tuvieron más remedio que ir al inframundo para casarse. de nuevo. Ante el precio de la sangre y la vida, las dos familias gigantes finalmente se dieron la mano e hicieron las paces. Su gran encanto no es sólo el poder de la tragedia de Shakespeare para hacer llorar a la gente, sino que también el coreógrafo rompe audazmente el pas de deux del ballet clásico a partir de las pistas de la trama, muestra ciegamente el modelo ABA de tecnología estilizada y crea una mezcla de escenas interactivas. Amor y danza. El pas de deux progresivo, al estilo de una trilogía, es un factor decisivo: el primer pas de deux aparece en la cuarta escena del primer acto. Su singularidad radica en que las dos personas no pueden crecer en una atmósfera tensa de confrontación. entre las dos familias, bailando de la mano todo el tiempo, las miradas tácitas y la simpatía instantánea de Rao Jingu han logrado una comunicación completa entre sí; la segunda sección aparece en la quinta escena del primer acto, que es el famoso "Balcón Pas de Deux"; ". Se trata de una danza clásica interpretada en solitario por compañías de ballet de todo el mundo. La situación típica se traslada al momento de la primera cita en solitario de dos amantes. Por tanto, la intensidad, amplitud, dificultad y velocidad de los movimientos de danza están diseñadas a partir de De pequeño a grande, de lento a rápido, y la edad cambia, la noche entra naturalmente en un clímax eterno; la tercera sección tiene lugar en la primera escena del tercer acto, llamada "El dormitorio Pas de Deux". y Julieta se separan, y la coreografía de los movimientos sube y baja en consecuencia. Tiene altibajos, conmovedora y melodiosa, y la lógica de los movimientos es suave y conectada, y luego utiliza palabras silenciosas para presagiar el resultado final de este amor. tragedia.

Estos dúos masculinos y femeninos oscuros, cálidos y delicados son un extremo en la tensión de todo el drama de danza, y el contraste entre los extremos de espadas, sangre y sangre que con frecuencia estalla en la plaza es completamente diferente, asegurando que las tragedias de Shakespeare, que son "palabras habladas", también se pueden reflejar plenamente en la competencia de ballet "sin palabras habladas".

"Serenata" es un ballet sinfónico de cuatro movimientos. Es una obra maestra de mitad de período del ballet moderno estadounidense. Fue estrenada el 10 de junio de 1934 por estudiantes de la American Ballet School en White Plains, New. York FM Walberg Manor, música de P.I. Tchaikovsky, coreógrafo G. Balanchine; se estrenó el 8 de diciembre del mismo año en el Avery Memorial Theatre de Hartford, Connecticut, y agregó con escenografía diseñada por G. Longchamp y vestuario diseñado por J. Loulcart; estrenada por el American Ballet en el Adelphi Theatre de Nueva York el 1 de marzo de 1935; los decorados fueron descartados en representaciones posteriores en 1936, y en 1964. Durante la representación de 2011, B. Kalinska fue invitada a diseñar el vestuario. Como ballet sinfónico sin argumento, el tema de la obra está tomado de la "Serenata orquestal en do mayor" de Tchaikovsky y se basa en los cuatro elementos de la "Sonata", el "Vals", el "Tema ruso" y la "Elegía". El último movimiento tiene un tono romántico y sentimental, la niña que fue abandonada por el niño dos veces finalmente cayó al suelo y murió, y luego fue sostenida por tres niños, endereza la cintura, abre los brazos y avanza hacia el. sol, la gente no puede evitar pensar en "Giselle" o "El lago de los cisnes" y sus eternos temas de vida y muerte. Según las propias palabras del director, "Serenade" en realidad no hace todo lo posible por contar ninguna historia. Si insistes en decir que está contando una historia, es solo música y baile que cuentan su propia historia, es simple, lo es; sólo un grupo de bailarines bailando la serenata de un hermoso sueño bajo la brillante luz de la luna. Para el público, visualmente son 28 bailarinas con faldas de gasa azul claro bailando sobre un fondo azul; visualmente, es la tercera y cuarta obra del compositor. El movimiento es cinestésico, muestra a una bailarina llegando tarde; Luego caminó apresuradamente hacia su posición muy destacada para bailar, mientras otra bailarina. Sin darse cuenta, estos dos cuerpos inesperados cayeron al suelo. Originalmente, Balanchine utilizó la mentalidad adaptable de los artistas modernos para trasladar fielmente los eventos reales presentados en el ensayo a la obra. Sin embargo, sin darme cuenta, agregó un poco de dramatismo y visibilidad a este ballet no dramático. Además, la escala de actuación de diferentes números de bailarinas, como diecisiete, nueve y seis, así como la aparición inesperada de bailarines, etc., siempre han sido una buena historia en el círculo de la danza internacional, porque ninguno de Esta es la búsqueda de satisfacción de Balan que, naturalmente, se determina en función del número y el género de los bailarines que participan en los ensayos todos los días.

"Delicate Transparency" es un ballet de dos partes que es una obra maestra de mitad de período del ballet moderno británico. Fue estrenado por el Royal Ballet el 25 de abril de 1966 en la Royal Opera House de Covent Garden. Londres, música de E. Satie, orquestación de C. Debussy, Roland-Manuel, J. Ranchebelli, coreógrafo de F. Ashenton, diseño de vestuario de Ashenton, el segundo de dos pas de trois. dos hombres y una mujer Se estrenó por primera vez el 24 de marzo de 1965, interpretada por V. Lorrain, A. Doyle y R. Mead, y luego se estrenó el baile de tres personas "Tierra" colocada al frente, interpretada por dos mujeres. y un hombre, interpretado por A. Sibley, G. Parkinson y B. Shaw. Esta obra consta de dos secciones de danza. La primera sección se denomina "Luna". La oportunidad para su creación surgió de una gala de recaudación de fondos celebrada por el Royal Ballet en 1965. Como coreógrafo jefe del grupo en ese momento, Ashton tuvo que crear un "trabajo no demasiado largo". Casualmente, los astronautas estadounidenses aterrizaron en la luna durante esta era, haciendo realidad el antiguo sueño de la humanidad.

Aunque los tres ejércitos finalmente fueron aniquilados por ser superados en número, su espíritu de lucha por la libertad perdurará para siempre y será recordado, elogiado, admirado y conmovido por las generaciones futuras... La razón por la que la versión de Grigorovich ha logrado tanto éxito. de esta obra radica en su fluida integración de las dos tradiciones de la antigua Unión Soviética, el "ballet dramático" y el "ballet sinfónico", asegurando así que el público a quien le gusta ver "obras de teatro" pueda disfrutar de la representación de una manera fluida y coherente. Los altibajos del conflicto teatral se disfrutarán plenamente, y el público interesado en ver "bailar" también quedará satisfecho con la enérgica tensión de la acción.

La primera secuencia de baile destacada debe tomarse como ejemplo del "Solo de Espartaco", y está incluida en cada acto. Hay hasta nueve bailes en solitario en toda la obra el coreógrafo combina danza y; Emoción En términos de relación, hacemos todo lo posible para crear bailes para las emociones y usar bailes para transmitir emociones, asegurando que en cada punto emocionante, el personaje problemático Spartak pueda tener una secuencia de baile sobresaliente con altas habilidades y dificultad que la complemente. Para desahogar el monólogo interior, dar forma a la imagen del héroe y resaltar el impacto y el contagio de la masculinidad. El héroe y la heroína "Spartacus and Phrygia's Pas de Deux" también tiene cada escena; el director expresa el amor entre hombres y mujeres con motivo de la vida y la muerte, creando un personaje más corpulento para el líder esclavo Spartacus. La imagen; la sección de danza también toma prestada una gran cantidad de difíciles movimientos acrobáticos y técnicos, que no solo expresan vívidamente el corazón y la pasión del héroe y la heroína, sino que también enriquecen enormemente el estilo original del ballet clásico pas de deux. En términos de creación de danzas grupales, se puede decir que la obra es el pináculo. Por ejemplo, la "Danza grupal de hombres de 40 esclavos" en el primer acto demuestra plenamente que muchos esclavos se levantaron bajo el llamado de Spartak y rompieron sus cadenas. , la pasión ardiente al correr hacia la libertad y la determinación de luchar desesperadamente por la liberación completa, la escala y la arrogancia de este gran grupo de hombres pueden hacer progresos en vano y por el cambio completo. El duradero declive del yin y el yang en el; El escenario del ballet ha hecho contribuciones destacadas.

Hoy en día, la gente tiene un entendimiento común, que se basa básicamente en la influencia de la tendencia del arte moderno que se produjo a principios del siglo XX en el ballet. Antes de eso, se basaba en los estándares y el estilo del programa original. características del ballet Se puede decir que todas las obras, ya sean dramas de danza o obras de pequeña escala, son ballet clásico y muchas obras de ballet producidas en los tiempos modernos son diferentes de la gama anterior de selección de temas o se han desarrollado e innovado; La forma del lenguaje del movimiento se ha ido perfeccionando en la vida, o el vocabulario de la danza y las técnicas de expresión se han tomado prestadas de otras danzas hermanas, formando un estilo diferente al ballet clásico, el llamado "ballet contemporáneo" y "ballet moderno". Aquellos con un cambio de tema, como "Destacamento Rojo de Mujeres", describen la historia de China en la década de 1930, por lo que se etiqueta como "ballet moderno", lo que significa una danza dramática que toca la vida moderna. Los cambios de tema inevitablemente provocan cambios de forma. "Destacamento Rojo de Destacamentos" incorpora materiales de operaciones militares del ejército y danzas folclóricas chinas y logra un gran avance basado en el contenido del drama; Algunas deformaciones de las combinaciones de movimientos se llevan a cabo según conceptos estéticos modernos.

Las obras de ballet que han realizado cambios relativamente significativos en la forma del ballet tradicional original son, sin duda, las "danzas sinfónicas" que utilizan la coreografía sinfónica. " (como "Serenata", "Concierto", etc.), y obras que adoptan los métodos, técnicas y movimientos coreográficos de la danza moderna (como), y (incluidos cambios en el vestuario, volviéndose más refinados y refinados, o incluso vistiendo sólo ropa de práctica de baile en el escenario).

Obras representativas: "Firebird", "The Rite of Spring" y "Era Dancer"