Responder brevemente las características del arte escultórico occidental

Caminando por las calles de Europa, puedes ver hermosas esculturas de jardín, magníficos edificios góticos y majestuosas esculturas monumentales por todas partes. Todas estas obras de arte florecen en el jardín de la civilización humana. Si miramos hacia atrás en los miles de años de historia de la escultura occidental, podemos ver claramente innumerables épocas inspiradoras, magníficos acontecimientos pasados, guerras, victorias, derrotas, orgullo nacional y amor por la vida. Cuando todo pasa a ser cosa del pasado, el alma de la época se condensa en las duras venas de la escultura.

Una breve discusión sobre el desarrollo de la escultura occidental se puede dividir a grandes rasgos en tres partes: escultura prehistórica, escultura clásica y escultura moderna.

Las esculturas prehistóricas duraron mucho tiempo y su evolución reflejó el enriquecimiento gradual de la cultura humana prehistórica. No hubo diferencias regionales obvias durante este período, por lo que marcó la exploración inicial de toda la civilización humana y no lo hizo. Un solo representante de un determinado grupo étnico.

El período de la escultura clásica es el período de formación de la cultura propia de cada nación y refleja directamente las diferencias culturales producidas en las distintas épocas y regiones. En ese momento, las esculturas separaron gradualmente la individualidad de la cultura regional de la naturaleza humana y formaron diferentes tradiciones, diferentes regiones y diferentes naciones para heredar, desarrollarse y evolucionar de acuerdo con sus propias tradiciones. Este período en Occidente se refiere principalmente al período que va desde la formación de la antigua cultura griega y romana hasta el surgimiento de la escultura moderna a finales del siglo XIX. En nuestro país, se refiere principalmente al período que va desde la cultura Yin Shang hasta el Movimiento de Nueva Cultura “4 de Mayo”.

En el período de la escultura moderna, las formas de arte escultórico mostraron una situación diversificada, y las características nacionales y regionales ya no eran obvias. Las esculturas de este período se caracterizaban por artistas que expresaban sus propias personalidades. Las diferencias regionales y nacionales en el arte se están eliminando gradualmente. La escultura moderna se refiere principalmente al período que va desde finales del siglo XIX hasta la actualidad.

Misteriosas esculturas prehistóricas

Una obra de arte de la era prehistórica se exhibe frente a la gente, como si hubiera atravesado el vasto tiempo y espacio. Procedentes de un pasado lejano, pueden ser formas simples y toscas o fragmentos deteriorados, pero despiertan en la gente una infinita sorpresa y ensueño sobre los vastos tiempos antiguos. Las esculturas prehistóricas más famosas incluyen las dos Venus, una es la Venus de Willendorf que data de hace 25.000 años y la otra es la Venus de Vespug que data de hace unos 15.000 años. La imagen de una mujer regordeta expresa el deseo simbólico de fertilidad de los pueblos primitivos. , y también muestra cómo las personas insisten en dejar sus propias huellas y dejar sus propias huellas en el mundo real.

Brillante escultura clásica

La tradición de la escultura occidental se originó en las antiguas culturas griega y romana, pero la escultura griega antigua estuvo profundamente influenciada por la escultura egipcia antigua, así que primero revisemos las esculturas de antiguo Egipto. Alrededor del 4000 a. C., la escultura egipcia floreció repentinamente y marcó el primer apogeo en la historia de la escultura humana. Las esculturas egipcias tienen formas precisas, un lenguaje estilizado y una perspectiva espiritual bastante interior y misteriosa. Durante la antigua dinastía, aparecieron una gran cantidad de esculturas con forma de monumentos, y algunas incluso eran obras maestras que podían enorgullecer a toda la humanidad. La más representativa es la Esfinge de Giza, que tiene 20 metros de alto y más de 50 metros de largo. Sólo su cara tiene 5 metros de altura y, junto con la pirámide adyacente, forma un misterio arquitectónico. Su forma está sujeta a la fórmula de la "ley frontal". Parece ser una esfinge con turbante de rey, lo que se acerca más al retrato de cierto faraón. Es un reflejo de las funciones sacrificiales y religiosas de la escultura egipcia de aquella época. . Como otros retratos de faraones, da a la gente la misma impresión formal: solemne, majestuoso, espeso y estable, como una montaña inquebrantable. Ya sea la Esfinge, el retrato del faraón u otras esculturas del antiguo Egipto, todas siguen la "ley de la frontalidad" para siempre. A través de ellas, podemos sentir la estética de las esculturas del antiguo Egipto. El ideal es la búsqueda de la "eternidad". ". El ideal estético de la escultura griega antigua es la búsqueda de la "belleza real". Los escultores griegos crearon formas de esculturas cada vez más innovadoras y vivaces basadas en la espiritualidad y el talento del artista, y gradualmente pasaron de superficies planas a pequeñas ondulaciones. El estado de perfección. Como resultado, nos hemos quedado con ejemplos eternos de esculturas realistas como "El Discóbolo" y "Venus de Milo". El desarrollo de la escultura griega antigua se puede dividir a grandes rasgos en tres etapas: el período Arcaico, el período Clásico y el período Helenístico.

Durante el "Período Arcaico", la escultura griega estaba en la etapa de "exploración". Tomó prestada la "ley frontal" de la escultura egipcia para crear retratos, formando la fórmula "Arcaica". La mayoría de las estatuas de este período eran más antiguas y rígidas. , y el centro de gravedad de la estatua siempre cae entre los pies. Cuando se descubrió un lote de estatuas de jóvenes desnudos de pie realizadas en el siglo V a. C., la gente vio que la antigua fórmula estaba rota. El centro de gravedad del cuerpo humano cayó sobre un pie y todo el cuerpo humano se relajó y parecía natural. y real. La aparición de este grupo de jóvenes estatuas desnudas marcó la entrada de la escultura griega en el "período clásico".

El "Período Clásico" es el apogeo de la escultura griega. En esta época, las esculturas griegas perseguían la "perfección real" y la búsqueda de la belleza objetiva y real había alcanzado su punto máximo. En historia cultural, el período histórico desde el comienzo de la expedición de Alejandro hasta la sumisión de la dinastía ptolemaica de Egipto al Imperio Romano suele denominarse "Período helenístico". Los temas del "período helenístico" fueron bastante ricos y aparecieron en una amplia gama de áreas. En cierto sentido, formó una especie de expansión cultural que cubrió toda Europa y se convirtió en la base de todo el arte occidental. objetividad. La cultura de la verdadera belleza es la encarnación original del énfasis de la civilización occidental en la especulación y la verdad objetiva. La escultura griega creó una síntesis de belleza y estaba llena de elogios al propio cuerpo humano, lo que podemos apreciar en las numerosas esculturas de desnudos de este período. Por otro lado, la costumbre de defender la desnudez también brinda a la fábrica la oportunidad de expresar plenamente su lenguaje escultórico realista.

Después de que Grecia fue conquistada por el Imperio Romano, el centro cultural y artístico de Occidente fue transferido de Grecia a las primeras ciudades italianas. Aunque los romanos conquistaron la tierra de Grecia, culturalmente era un país conquistado. Los romanos copiaron y estudiaron una gran cantidad de esculturas griegas. Algunas de las esculturas griegas antiguas que quedan hoy son copias del período romano. La escultura romana siguió la tradición de la escultura griega que buscaba la "belleza real", pero era más secular que las esculturas del período griego. Durante el período romano, muchos estrategas militares o políticos pidieron a los escultores que les crearan retratos, e incluso los romanos a menudo. Utilice esculturas para preservar la imagen del difunto. Este enfoque objetivo del realismo es otro sólido paso adelante. Los logros de la escultura romana se reflejan principalmente en esculturas de retratos y esculturas de monumentos. Estas esculturas de retratos no solo son similares en forma, sino que también prestan gran atención a expresar las características de los personajes. Los más famosos son el "Retrato de cuerpo entero de Augusto" y la "Estatua de Caracalla". En ese momento, la gracia y la elegancia del pasado de la fábrica fueron reemplazadas por la grandeza y la solemnidad de las esculturas monumentales.

Con la desaparición del Imperio Romano de Occidente en el siglo V d.C. se inició lo que las generaciones posteriores llamaron la Edad Media Oscura, que terminó antes de los albores del Renacimiento italiano en el siglo XV. La llegada de la Edad Media marcó el inicio de la era cristiana en Occidente. La religión durante este período tuvo un profundo impacto en la escultura. El ascetismo de la Iglesia cristiana influyó en la inspiración creativa de los escultores. La mayoría de las esculturas de esa época tenían un fuerte color de ascetismo, y la tendencia espiritual religiosa reflejada en el arte alcanzó su apogeo en la Edad Media. Bajo el impulso del espíritu cristiano, el arte gótico ha logrado logros brillantes. El arte gótico se ha convertido en un reflejo de la fe civilizada que alaba completamente a Dios. Los primeros ejemplos de Jaysan incluyen Notre Dame de París y la Catedral de Chartres. Quizás fue precisamente debido a las largas cadenas y la supresión de la escultura medieval que se produjo el extraordinario poder explosivo del renacimiento artístico que surgió en el siglo XV.

A partir del siglo XIV, en Italia, se produce el movimiento renacentista debido a la reafirmación de las personas sobre su propio valor y su descubrimiento del mundo. Durante este período, los artistas tomaron a los humanos como símbolos y objetos de sus propias búsquedas estéticas. Esta idea se desarrolló y difundió en la primera mitad de los siglos XV al XVI, cambiando por completo la faz de Europa. Muchos maestros de la escultura surgieron uno tras otro en esta época. Por ejemplo, Donatello, Miguel Ángel, Bolonia, etc. Las esculturas renacentistas marcaron el segundo pico en la historia de la escultura europea después de Grecia y Roma con sus habilidades perfectas, su espíritu magnífico y sus pensamientos profundos. Angelo fue el escultor más importante del Renacimiento. Creó innumerables obras de arte finas, que constituyen el paradigma más clásico de este período. El gran escultor del siglo XIX, Rodin, concluyó una vez que "la estatua de Fidias consta de cuatro lados, mientras que la estatua de la tumba de Miguel Ángel consta de dos lados". Los cambios en la composición física de las obras de Miguel Ángel no son leves. En su creación, Miguel Ángel enfatizó que "hay que usar los ojos y no las manos para medir, porque tus manos sólo pueden hacer y tus ojos pueden juzgar".

"Las obras de Miguel Ángel revelan un fuerte color humanista, especialmente la tendencia de sus obras posteriores a utilizar formas fuertemente contrastantes para expresar su dolor y su ira internos. Desde aproximadamente 1520 hasta finales del siglo XVI, surgió el manierismo, que los artistas de la época carecían de individualidad. y creatividad, y creó ciegamente un conjunto completo de paradigmas escultóricos, imitando los estilos de sus predecesores, convirtiéndolo en la posterior etapa de decadencia de la gloriosa era del Renacimiento. Después de eso, el estilo de arte barroco apareció en Roma. en Europa a finales del siglo XVI y XVII formó una tendencia a través de la pintura y la arquitectura, y promovió la civilización europea. El escultor más importante en ese momento fue Bernini, que utilizó un realismo casi realista. La técnica se llama "Miguel Ángel". Período Barroco". El lenguaje del cuerpo humano utilizado en las obras de Bernini es más complejo cuando se expresa pasión o fervor religioso. Este tipo de giros de "volumen", expresiones exageradas y altibajos. La forma y las líneas suaves hacen que las magníficas esculturas del palacio brillen con Fuerte encanto artístico con su efecto dramático y su impulso monumental. En comparación con las esculturas del Renacimiento y el Barroco, son menos solemnes, solemnes y rectas. Entró ampliamente en la vida de las personas y se volvió más secular, la escultura clásica francesa. Se desarrolló en paralelo con el barroco. Este estilo perseguía una armonía rigurosa y magnífica y líneas rectas, que coincidían con el barroco. Lo contrario ocurre con las formas dominadas por las curvas.

El arte rococó apareció por primera vez en la corte francesa entre 1720 y 1720. 1760. Se desarrolló plenamente a partir del barroco, evolucionando naturalmente desde el fondo y rompiendo conscientemente con el estilo barroco, las esculturas de estilo rococó no son tan poderosas como las del período barroco y persiguen un efecto artístico delicado y delicado. Entre los escultores rococó se encuentran Falconet, Clodion, etc. A mediados del siglo XVIII, el arte neoclásico surgió en Roma y rápidamente se expandió a otras partes de Europa. El movimiento pretendía reducir la teoría de la belleza absoluta a ideales estéticos para atacar las tendencias sensuales. y las formas del complejo rococó fueron populares desde 1790 hasta 1840. Sus figuras representativas incluyen a Canova de Italia, Thorvaldson de Dinamarca, Oudon de Francia, etc. Entre ellos, Oudon tiene profundos logros en la escultura de retratos. ".

En el siglo XIX, París reemplazó a Roma como centro de la cultura y el arte europeos. Con la prosperidad del capitalismo, también comenzó el desarrollo del arte escultórico. Diversificado, surgieron muchas escuelas y doctrinas. Además Al neoclasicismo en el siglo pasado, el romanticismo y el realismo también aparecieron sucesivamente.

En el siglo XVIII, el romanticismo apareció en Europa. Declinando gradualmente alrededor de la década de 1850, el movimiento romántico declaró que la humanidad y la individualidad precedían a todo lo demás. Respondió al frío reino racional con fuertes sentimientos e imaginación, y expresó su rebelión contra el neoclasicismo. El arte es una ruptura total con todas las ideas anteriores. La figura representativa de la escultura romántica es Lüde. Es el autor de la famosa escultura "La Marsellesa" en el Arco de Triunfo de París. Utilizó técnicas simbólicas para apasionar la escultura al mostrar al pueblo luchando por la justicia. David Angles y Baptiste Culpo también son representantes del romanticismo.

Alrededor de la década de 1850, nació el movimiento del realismo francés. El realismo tenía como objetivo oponerse a que la academia de arte colocara el arte bajo unos principios rígidos. El movimiento intentó acercar el arte a la vida cotidiana, a encontrar inspiración en la realidad. alcanzar ideales artísticos. Entre los escultores realistas, los logros de Rodin son los más altos. En la historia de la escultura occidental se le considera otro gran maestro después de Miguel Ángel. Al mismo tiempo, también desempeña un papel en la historia de la escultura como vínculo entre el pasado y el futuro. sobre las gloriosas esculturas clásicas e hizo el sonido final de la puerta escultórica moderna. A partir de Rodin, esta forma de arte basada en el respeto a la belleza de la verdad objetiva transmitida desde la antigua Grecia alcanzó su apogeo. Después de eso, los artistas occidentales se dedicaron a buscar la verdad espiritual expresada en sus obras. Vemos que la razón por la que el cuerpo humano de Rodin nos conmueve ya no es por su realismo, sino porque hay una fuerza vital que se expande hacia afuera a través de la dura escultura, pero las formas temblorosas despiertan el palpitar de nuestras almas. La creación y el pensamiento artístico de Rodin tuvieron una profunda influencia en las generaciones posteriores de escultura. Entre sus obras representativas se encuentran “El Pensador”, “El Beso”, “Retrato de Balzac”, etc.

Escultura Moderna Diversificada

La escultura occidental ha experimentado grandes cambios desde la entrada del siglo XX. Por un lado, continúa la tradición escultórica realista procedente de Grecia y Roma, como la de Europa del Este. Los escultores de la familia Sada crean principalmente obras con métodos realistas. Por otro lado, el auge del arte experimental reemplazó al arte académico de fábrica y se convirtió en la corriente principal. De hecho, es muy interesante observar el auge de la escultura occidental moderna. En ese momento, los escultores no tenían ideas nuevas y un grupo de pintores tomó la iniciativa en la exploración experimental de la escultura moderna. Entre ellos, las creaciones de Rosso utilizando la cera como medio trascendieron los límites de la escultura tradicional; El concepto ha divergido, lo cual es sumamente esclarecedor.

La aparición del cubismo abrió un nuevo capítulo en la parte moderna de la historia de la escultura. La obra de Picasso de 1909 "Cabeza de mujer" es un símbolo importante. El cubismo estableció su propia lógica basada en la composición de formas geométricas dentro del lenguaje escultórico. La escultura en esta época ya no era un registro fiel de la representación visual, y supuso una ruptura decisiva con el concepto tradicional de escultura. Además de Picasso, entre los escultores cubistas se encuentran: Abenko, Toussaint-Villon, Lipschitz, Lawrence, Chad King, etc. Su exploración de la escultura cubista tiene características propias.

El futurismo destaca el dinamismo como principio. Su escultor representativo es Boccioni. El constructivismo ruso utilizó materiales ligeros, finos y transparentes para rodear y definir el espacio en forma de un marco transparente. Se desvió por completo del concepto tradicional de escultura basado en el volumen y planteó claramente los puntos clave de la escultura como arte espacial. Entre sus escultores representativos se encuentran Gabo, Pevsner, Tatlin, Moholy, etc. Utilizaron activamente nuevos materiales para explorar los conceptos de espacio, tiempo y movimiento de la escultura constructivista.

El dadaísta Dusan expuso el urinario como una obra de arte, lo que planteó un nuevo desafío a la ética, la moral y la estética del sentido tradicional. Enfatiza un estado de ánimo. La inclusión de la "Estructura del Mosa" de Schwitter ilustra este punto. Las ideas estéticas de Dadá influyeron ampliamente en el arte modernista posterior.

El surrealismo, influenciado por el dadaísmo, se centró en la expresión de órganos y formas subconscientes, persiguiendo los efectos irracionales y accidentales del arte. Entre sus escultores representativos se encuentran Ernst, Henry Moore y Calder.

Las esculturas occidentales modernas posteriores a la Segunda Guerra Mundial expresan emociones de ansiedad, miedo, desesperación y soledad. La característica más destacada de este tipo de obras es la de despertar una sensación de fealdad y horror, como la de Jia. Cometti, Richier, Baoloch, etc.

Después de la década de 1950, el neodadá, el arte ensamblaje, la escultura de chatarra, el arte pop y el arte hiperrealista tienen un parentesco con el dadaísmo, como Nevelson y Cesare, Siegel, Hansen, Oldenberg y otros. obras de artistas. Crean mediante diversos métodos: la colección de objetos prefabricados, el reprocesamiento de residuos industriales, el aprovechamiento integral de nuevos materiales e incluso modelos hechos a partir de cuerpos humanos vivos. Expresaron emociones encontradas de duda y elogio, crítica y afirmación de la civilización industrial.

Las esculturas compositivas abstractas y las esculturas móviles se trasladaron al aire libre después de la guerra y se convirtieron en arte monumental a escala humana, incluidas esculturas fijas, esculturas móviles y arte minimalista. Los artistas representativos en esta área incluyen Calder y Smith, Carlo et al. El uso de factores de luz en esculturas se integró aún más con el concepto de nueva energía tecnológica después de la guerra. Por ejemplo, Cai Wenying, Schaeffer y otros utilizaron iluminación eléctrica, láseres y otros medios para expandir el volumen virtual, el rendimiento de reflexión y la ilusión de luz. esculturas. Dispositivos ópticos y otros logros.

El arte corporal y el arte escénico son otra evolución influenciada por el dadaísmo. Expresan sus diversas ideas a través de medios estimulantes como la pintura corporal, los tatuajes parciales, el corte corporal y los movimientos corporales. Utilizan el cuerpo como material de expresión independiente, como Hsieh Teh-ching, Christo, etc.

Desde la gloria del período griego hasta la prosperidad de la escultura moderna, el desarrollo de la escultura occidental tiene una inevitabilidad histórica y tiene las características inherentes de su cultura. Es el desarrollo lógico de sus características culturales. Desde la perspectiva del arte visual, ¿podemos discutirlo?

En primer lugar, las esculturas griegas antiguas fueron influenciadas por las esculturas egipcias antiguas y se desarrollaron desde el programa de "ley frontal" hasta el principio de "formas opuestas de mantener el equilibrio corporal desde un punto de vista técnico, humano". Las esculturas cambiaron de rígidas a rígidas. Las formas se convirtieron en esculturas llenas de vitalidad, como la aparición de "El lanzador de disco". La razón central de este salto tecnológico es la clara formulación de la idea estética de la "teoría de la imitación". Estas dos ideas influyeron en todo el período clásico de la escultura occidental.

La "teoría de la imitación" es como un espejo, debe reflejar la realidad de la visión. Por tanto, los artistas deben estudiar técnicas de talla, materiales, estructura del cuerpo humano, reglas de movimiento, etc., para reproducir una serie de cuestiones técnicas de la realidad visual. Sin embargo, el artista es un ser humano, una persona de la cultura china. No puede reflejar pasivamente el mundo como un espejo. En el proceso de hacer esculturas, las emociones y los conceptos estéticos del artista se integran naturalmente en la obra. Por tanto, la escultura del cuerpo humano también puede expresar emociones y el gusto estético del propio artista. También tiene diferentes cambios en diferentes épocas. Durante el Renacimiento, Miguel Ángel entendió las esculturas humanas a partir de dos "rostros" y expresó su fuerte inquietud humanista. A finales del siglo XIX, Rodin utilizó a la perfección el lenguaje de la escultura humana. La dinámica corporal de sus estatuas y de cada músculo expresa una especie de pensamiento y emoción. Alguien comparó una vez a "El Pensador" con pensar con cada músculo de todo el cuerpo.

La "teoría de la imitación": esta idea estética cuyo objetivo es reproducir la realidad visual, alcanzó su apogeo en el desarrollo de Rodin. En el siglo XX, el espejo de la "teoría de la imitación" se ha deformado debido a la influencia de otras culturas étnicas como las esculturas africanas y el arte oriental. Los escultores europeos y americanos están más preocupados por la verdad interior, la filosofía y la estética cultural. Por tanto, vemos que el concepto estético de "teoría de la imitación" desde la antigua Grecia, que representa la realidad visual, se ha convertido en el concepto estético de la escultura moderna que pretende expresar estados internos. De esta forma podemos entender y apreciar la escultura moderna. Los artistas se centran en diferentes conceptos estéticos y tienen diferentes estilos. Este fenómeno de la escultura occidental tiene su inevitabilidad lógica histórica inherente.