El desarrollo del arte moderno y del arte.

El surgimiento del arte posmoderno es una fuerza que se opone al arte moderno que no apareció en la década de 1960.

Justo cuando el poder de la ciencia y la tecnología arrasó con todo y el arte elitista y depurado se agotó, surgieron nuevas actividades artísticas que eran tan diferentes de las tendencias de la época que en realidad provocaron que el arte occidental. Date la vuelta y abre una nueva situación mundial. A continuación se detallan varias actividades artísticas nuevas que surgieron en aquella época:

(1) El Land Art (Land Art o Earth Art) puede verse como el resultado del desarrollo de trabajos de instalación de interiores a exteriores. Los primeros estilos se remontan a la antigüedad Las pirámides de Egipto y el Círculo de Stonehenge de Inglaterra, mientras que las vastas extensiones de América proporcionan un escenario para que los artistas contemporáneos muestren sus talentos. Utilizar desiertos, montañas y praderas como materia prima, modificar o agregar enormes formas geométricas es una de las primeras características del land art. La obra más famosa es "Espiral Breakwater" de Robert Smithson. Este terraplén tiene 15 pies de ancho. El público puede caminar varias veces a lo largo del terraplén, pero por lo demás no tiene ninguna función práctica.

(2) El arte de instalación (InstallatiOn) es un tipo de arte compuesto de materiales no artísticos. Exposiciones tridimensionales que se pueden exhibir temporalmente en interiores, muy pocas de las cuales también se recogen en museos. Es un método para organizar exhibiciones en lugar de características o estilos artísticos, por lo que puede ser útil para muchas escuelas de arte. La instalación original derivó del abandono de los materiales escultóricos tradicionales, y su definición principal es: "(1) Están ensamblados, no dibujados, moldeados o tallados; (2) Todo o parte de sus elementos constitutivos son materiales preformados naturales o artificiales. , objetos o fragmentos no destinados a ser utilizados como materiales artísticos”. El representante de las primeras instalaciones fue el artista dadaísta alemán Kllrt Schw-Itter, que en los años 20 llenó su casa con diversos materiales.

(3) El arte corporal (BodV art) es cuando el creador utiliza su propio cuerpo como material de expresión artística, combinándolo con pintura, fotografía, video u otros métodos de grabación in situ. Se forma una especie de arte escénico no dramático. "No dramático" se refiere a la ausencia de ficción, performance y elementos artificiales. Por ejemplo, el trabajo de Barry Le Va consiste en correr de un lado a otro entre dos paredes separadas por más de diez metros hasta caer exhausto. Otro, Vito Acconci, alguna vez fue poeta y tenía tendencias masoquistas, por ejemplo, se esforzaba en morder las partes de su cuerpo que podía morder y no paraba hasta dejar una marca, y también se masturbaba en público. instalar altavoces para difundir el sonido, obligando al público a convertirse en "voyeurs" en un intento de romper los tabúes sociales. También está Chris Burden, que es aún más masoquista. Su obra maestra "Cinco días de prisión" implica encerrarse. una caja de hierro durante cinco días consecutivos; su otra obra maestra, "Disparar", consiste en hacer que su amigo le dispare al brazo izquierdo desde dos metros de distancia. Esta sorprendente técnica le valió un éxito inmediato.

(4) El arte conceptual, derivado del arte dadaísta de principios de la década de 1920, cree que el arte no tiene un valor sagrado y duradero. Su esencia son las ideas o conceptos, y las obras específicas en forma física no lo son. importante, por eso también se le llama arte idea, arte postobjeto o arte desmaterializado. Es un material escrito que se utiliza para registrar pensamientos o un registro fotográfico de un evento. Es una forma común. Los artistas conceptualistas exploran la relación entre arte y pensamiento o arte y conocimiento. El punto final de esta investigación es el texto, las matemáticas o la estética y la filosofía. Lógicamente hablando, este tipo de trabajo en realidad no es para ver Exposiciones tradicionales. .

Sin embargo, sigue siendo un problema de larga data mostrar pensamientos internos evitando formas externas. Aquellas obras que se consideran arte conceptual son en su mayoría instalaciones temporales exhibidas en galerías de arte y otros lugares públicos, como apilar al azar algo de madera, ladrillos o. otros escombros. Un ejemplo es una jaula de pájaros gigante en una galería de arte con pájaros vivos y otros objetos. También hay un grupo de arte conceptual de personas que escriben ensayos. Entre sus figuras representativas se encuentran Joseph Kosuth, MeI Bochner y Hanne DarbOven.

(5) El arte de proceso (Process art) cree que el proceso de producción del arte es más importante que la concepción previa. Es mejor experimentar el paso del tiempo que observar objetos estáticos y duraderos. para expresar la existencia fugaz del momento. Este tipo de arte utiliza principalmente materiales blandos que pueden reflejar fácilmente los cambios en el tiempo. La fuente original es la salpicadura accidental de pintura de Pollock y de Kooning durante su creación. cambios arbitrarios del autor a los materiales expuestos. La figura representativa es Robert Morris. Una de sus obras consiste en amontonar algunos materiales mezclados sin valor en la sala de exposiciones. Cambia la ubicación de estos materiales todos los días y los recoge y tira al final de la exposición.

Hay muchas razones por las que el arte moderno occidental no cambió su forma en la década de 1960, que generalmente se consideran relacionadas con el siguiente trasfondo social:

(1) El fracaso de Estados Unidos en la guerra de Vietnam generó un sentimiento contra la guerra. El crecimiento, junto con el frío ambiente internacional, ha hecho que la gente pierda muchas esperanzas en la sociedad humana y en la vida real, y ha comenzado a despreciar aún más las normas existentes de la vida humana. Existe una tendencia a ir en contra de la corriente principal y negar los valores eternos en el ámbito cultural.

(2) Efectos secundarios del desarrollo industrial. El progreso de la industria ha mostrado perspectivas brillantes para la sociedad humana, pero los efectos secundarios se han vuelto cada vez más obvios. La contaminación ambiental, la escasez de energía, los desechos tóxicos y los peligros de las armas nucleares han hecho que la gente se dé cuenta de que, si bien la ciencia y la tecnología resuelven algunos problemas. También provocaron que surgieran nuevos problemas y la gente empezó a ver claramente los pros y los contras del progreso industrial y empezó a dudar de los métodos científicos.

(3) Los problemas sociales son prominentes, la rica vida material no puede resolver los problemas espirituales y la "Generación Beat" surgió después de la guerra. En 1968 hubo un resurgimiento de los movimientos estudiantiles en Europa y Estados Unidos.

(4) La aparición de nuevas ideas. Muchos filósofos europeos han propuesto nuevos puntos de vista sobre la cultura contemporánea, lo que ha tenido un impacto en el mundo del arte. Estos filósofos incluyen a Roland Barthes, Foucault, Derrida, Lacan, Lyotard y otros. Las teorías plantean preguntas e involucran diversas formas culturales, lo que lleva a la gente a dudar. cualquier marco teórico único y juicio último en el campo del arte, reafirma el valor de la concreción, conduciendo así a la separación del arte moderno que persigue la metafísica.

Las nuevas ideas artísticas se difundieron rápidamente. En la época de su llegada a Sichuan, las revistas de arte estadounidenses ya no estaban llenas de acero plástico y formas geométricas, sino de materiales naturales, el proceso de acción, el medio ambiente y la intervención de. La audiencia, el análisis semántico y los registros fotográficos se han convertido gradualmente en el principal contenido informativo de los medios artísticos. En este punto, los conceptos, métodos y formas del arte moderno han sufrido cambios importantes. Lo que la gente llama arte posmoderno comenzó en este momento. Sin embargo, el cambio en la historia del arte no es un traspaso militar. Lo llamado nuevo y lo viejo, el final y el comienzo, a menudo existen al mismo tiempo. Sin embargo, por conveniencia de la narrativa, los comentaristas están acostumbrados a separar los hechos entrelazados. Por lo tanto, a menudo vemos a los eruditos hablando de muchos de ellos. -llamado Hay muchas teorías sobre el inicio del movimiento de género. Este artículo analiza el arte posmoderno porque si se quiere buscar deliberadamente el orden del paso del tiempo, no se puede tener en cuenta la división del espacio al mismo tiempo. Esto es algo a lo que los lectores deberían prestar atención.

Además de los factores externos antes mencionados, el exceso de racionalidad y tecnología son las razones internas del cambio de dirección artística. Es necesario saber que el mundo espiritual humano es lo mismo que la ecología natural, que es a la vez cambiante y equilibrada. Si uno de ellos se desarrolla excesivamente, habrá una fuerza opuesta que lo superará. Si la ciencia interfiere principalmente con el arte, surgirán fuerzas anticientíficas.

Después de la década de 1980, con Estados Unidos como centro, el arte posmoderno ha ido surgiendo y convirtiéndose en una nueva tendencia artística mundial. Si analizamos de forma integral estos fenómenos artísticos, podemos percibir claramente el crecimiento de nuevos valores, que se reflejan principalmente en los siguientes aspectos:

(1) Sin perseguir la pureza, el arte contemporáneo no se limita a las formas visuales, al lenguaje , texto, teatro musical, medios de comunicación. Se utilizan sombras, sonido y luz digitales siempre que puedan transmitir información específica. La pintura trasciende la limitación de los planos, la escultura combina paisaje y arquitectura, y los lugares de exposición no se limitan a galerías o museos. El llamado arte visual ha estado estrechamente relacionado con otras categorías de arte que son difíciles de distinguir con precisión.

(2) Servir bien a la tradición. La humanidad tiene ricos recursos culturales tradicionales y sería una lástima abandonarlos. Los artistas contemporáneos no se oponen a la tradición, sino que utilizan el pasado para renovarse. Después del cambio de tiempo y entorno, los símbolos antiguos pueden tener nuevos significados, como el "Libro del Cielo" de dividir el hielo y "tomar prestadas flechas de un barco de paja" de Cai Guoqiang. Eso es todo.

(3) La impersonalidad, por encima del arte, excepto en el período comprendido entre finales del siglo XIX y mediados del siglo XX, la "expresión personal" no fue el objetivo principal de la creación. El arte sale de la torre de marfil y se acerca a la vida del público. Los artistas toman el mundo como su propia responsabilidad, se preocupan por los problemas sociales, participan activamente en actividades sociales y ya no son inconformistas.

(4) Estándares múltiples. El "pluralismo" es el concepto central del arte contemporáneo. Aunque todavía existen tendencias artísticas dominantes en el mundo, los estándares unificados ya no se utilizan para juzgar los méritos, como el reconocimiento de diferencias. Se valora el valor del arte de un país, nación, región, el arte de las mujeres, el arte indígena, el arte de los países no desarrollados, etc. Sin embargo, esto resultó en una situación complicada y caótica difícil de sistematizar.

Basándonos en la discusión anterior, tal vez podamos tener una comprensión aproximada del arte posmoderno: se originó a partir de la rebelión contra el arte moderno, desarrolló nuevos métodos para expresar pensamientos y transmitir información, cambios en los conceptos, tecnología y transformación. del arte, así como la conciencia pública, los valores pluralistas y el espíritu creativo libre que representa, encarna la tendencia de desarrollo de la cultura occidental contemporánea. Sin embargo, debido a diferencias en la región, la cultura y el sistema, el mundo del arte chino aún no puede adoptar una. apariencia general en un corto período de tiempo La integración en este movimiento artístico global no impide el crecimiento de nuevos factores artísticos, ni nos impide adquirir conocimiento del arte contemporáneo occidental desde una perspectiva de sentido común. "El hielo proviene del agua y es más frío que el agua; el verde proviene del azul y es mejor que el azul". El posmodernismo es una reacción que se originó dentro del modernismo. Es una rebelión contra la pura racionalidad del modernismo. La gente está cansada de enfrentarse a diseños indiferentes y rígidos todo el día. Expresa el deseo de la gente por productos humanizados y humanos. El modernismo y el posmodernismo son dos extremos de estilo, pero tienen similitudes y diferencias en muchos aspectos. Por ejemplo, Hassan hizo la siguiente comparación entre los dos en "El giro posmodernista":

Filosóficamente

El modernismo se basa en el racionalismo y el realismo como fundamento filosófico, el posmodernismo se basa en el romanticismo. y el individualismo como fundamento filosófico.

Ideológicamente

El modernismo enfatiza el culto a la tecnología, la racionalidad y la lógica de las funciones, mientras que el posmodernismo aboga por la alta tecnología, las altas emociones y enfatiza el centrado en las personas.

En términos de método

El Modernismo sigue el papel absoluto de las propiedades físicas, la estandarización, la integración, la industrialización y la alta eficiencia y la alta tecnología. El posmodernismo sigue el papel principal de la experiencia humana, la unidad y continuidad del tiempo y el espacio, la interpenetración de la historia y la individualización, la dispersión y la liberalización.

En términos de lenguaje de diseño

El modernismo sigue que la función determina la forma, "menos es más" y "la decoración inútil es un crimen" (Loss) sigue el pluralismo de la forma; borroso, irregular, ni esto ni aquello, esto y aquello, la doble decodificación de esto y aquello, y esto en aquello, enfatizando el contexto histórico, la imaginería y el metaforismo y "menos aburrido" (menos aburrido) es aburrido).

La inspiración de Duchamp Cuando hablamos del tema del arte posmoderno occidental, debemos mencionar al pintor francés Marcel Duchamp, a quien se describe como el padre del arte posmoderno occidental. Comprender su arte y su vida es crucial para comprender el arte posmoderno occidental. gran ayuda, pero entender a Duchamp es un problema difícil) porque sus obras y su vida están demasiado alejadas de la gente común y corriente, es difícil de explicar razonablemente;

Aunque la práctica artística de Duchamp finalizó en los años 30. Murió en 1968, pero sus breves actividades artísticas durante el período seco tuvieron una influencia duradera más adelante. En 1913, completó su primer arte ready-made, "Rueda de bicicleta", para expresar su desdén por el énfasis en la estructura en las obras tradicionales. Y sugiere que el factor más importante en la creación artística es el concepto más que las habilidades de producción. "Chocolate Grinder No. 8" es casi la última obra de caballete de Duchamp, una burla de la pintura al óleo académica. Después de 1915, Duchamp se instaló en Nueva York. En 1917 completó "Fountain", que es un urinario; otra obra es L.II.O.O.Q (1919), que añade un bigote a la "Mona Lisa" impresa. La obra más importante de Duchamp es "Gran Vidrio", también conocida como "La novia desnudada por su hombre". La obra comenzó en 1915 y aún estaba inacabada en 1923. Después de 1920, el interés de Duchamp por la óptica y el cine aumentó día a día. Después de la era de Sichuan, centró su interés en el ajedrez.

La aportación más importante de Duchamp es el arte "readymade". Aunque desde una perspectiva secular, es absurdo exhibir productos industriales u otros objetos prefabricados, de hecho ha cambiado toda la visión que la humanidad tiene del arte e incluso del mundo, y la gente ha comenzado a cuestionar los valores tradicionales. conceptos y modos de creación artística, al menos. En el arte posmoderno occidental, la influencia de los "readymades" está en todas partes e inspira a las personas desde los siguientes aspectos:

(1) Ni la forma ni la belleza son importantes. Desde la antigüedad, los artistas han asumido como deber ineludible crear formas hermosas y han otorgado a ese trabajo un alto estatus y valor. Pero Duchamp creía que la belleza no existe y que no hay nada particularmente noble en el arte y en las personas que lo crean. Le dijo a la gente que no hay diferencia entre los objetos ordinarios y las obras de arte. Si el arte es bello, entonces los objetos ordinarios también lo son. bello Si los objetos ordinarios no son bellos, entonces el arte no es mucho mejor. El llamado valor estético del arte es solo un prejuicio de la gente. Llevó el "urinario" a la exposición y jugó un papel importante en la ruptura de este estereotipo.

(2) El entorno y el tiempo son más importantes que la obra Los factores decisivos para convertir el producto acabado en una obra de arte son el entorno y el tiempo. No tiene nada que ver con el trabajo en sí. Esto demuestra que bajo ciertas condiciones. Cualquier cosa, incluso el comportamiento, puede ser arte; también se puede decir a la inversa, que cuando las condiciones cambian, cualquier cosa, o incluso el comportamiento, no puede ser arte. Según el dicho chino, esto es lo mismo y lo mismo, y eso es lo mismo. porque el entorno y el tiempo siempre están presentes. Las hebillas móviles están cambiando, por eso en el siglo XX, la clásica "Mona Lisa" del Renacimiento podía pintarse con bigote y convertirse en una broma, se colocaron ruedas de bicicleta y taburetes en las galerías de arte; equivalían a esculturas estructuralistas.

(3) Devolver el arte a su estado espontáneo y natural. Las actividades artísticas iniciales de los seres humanos son espontáneas y naturales, no requieren una formación especial y no hay distinción entre artistas y no artistas. Pero más tarde hubo una división del trabajo y el arte se convirtió en un trabajo especializado y, por lo tanto, hubo estándares especiales para el arte. Obviamente, esta división del trabajo y las normas son producto de sistemas pasados. Es perjudicial para el desarrollo de la sana naturaleza humana. Si las condiciones sociales cambian, sería demasiado irrazonable seguir tratando estos estándares existentes como leyes supremas que requieren que la gente las respete. El "arte ya hecho" significa ignorar por completo los estándares artísticos e incluso culturales existentes, con una apariencia aparentemente divertida pero en realidad. Un pensamiento bastante profundo, se burla de la moderación y la destreza del ser humano en el campo cultural, reclamando así la llegada de una nueva era rica en espíritu libre y creativo.

(4) Eliminar las restricciones técnicas. La gente está acostumbrada desde hace mucho tiempo a ver la creación artística como una operación técnica especializada. Por eso existen academias de arte y pintores profesionales. Sin embargo, el arte "ready-made" no tiene nada. que ver con el autor No tiene nada que ver con la tecnología personal, solo requiere una visión de elección, y la elección es un proceso de pensamiento que no tiene nada que ver con la tecnología de producción de productos materiales.

Duchamp dijo a la gente aquí que el valor del arte reside en el pensamiento. Con pensamiento, cualquier producto material puede convertirse en una obra de arte. Este enfoque de equiparar arte con pensamiento cancela objetivamente la disciplina artística en el sentido tradicional e implica el juicio teórico de que el arte y la historia del arte están a punto de terminar.

El pintor estadounidense De Koonig dijo: "Solo Duchamp inició un movimiento, un movimiento verdaderamente moderno, que lo implica todo: cada artista puede aprender de él. Allí me inspiré. Él cambió fácilmente la dirección del desarrollo". del arte occidental con "readymades" que parecían recogidos al azar. Fue la imagen pionera que Duchamp dejó a las generaciones futuras. Después de Duchamp, se opuso a todos los modelos artísticos establecidos y a los estándares de evaluación, y tomó el espíritu libre de libertad como objetivo de la creación artística, que se convirtió en sentido común en el mundo del arte occidental. El expresionismo abstracto, que surgió en el mundo de la pintura estadounidense en el siglo XX, marcó el desplazamiento del centro del arte moderno occidental de París a Nueva York. Si esta escuela de pintura es en realidad la continuación de la pintura modernista europea en los Estados Unidos, entonces las diversas escuelas de pintura que han surgido en los Estados Unidos desde entonces son enteramente creaciones de los propios estadounidenses. El Pop Art es la primera escuela de pintura con características americanas. El arte pop apareció a mediados y finales de la década de 1950. Según Lichtenstein, "aplicar temas de arte comercial a las pinturas es arte pop". Utiliza materiales populares, imágenes visuales simples y directas y excluye la expresión de la personalidad. El acrílico, el esmalte y otros materiales crean un efecto de textura plana y suave en la imagen, que recuerda a las portadas de revistas y tiene una atmósfera muy estilizada. A los ojos de los artistas pop, el arte es vida y la vida es arte. Puede basarse directamente en objetos de la vida real, y los objetos de la vida diaria también pueden usarse directamente como obras de arte pop. Después del Pop Art, el mundo de la pintura estadounidense mostró una variedad de escuelas. Fotorrealismo, efectos de luz, pinturas con bordes definidos y más están aquí para deslumbrar. El arte de efectos de luz se hizo popular en la década de 1960. Provoca ilusiones visuales en las personas a través de disposiciones especiales de líneas, formas y colores, creando un efecto de movimiento en una imagen estática. El fotorrealismo fue principalmente popular en la década de 1970. Realiza dibujos basados ​​en fotografías y las imágenes son realistas y detalladas.

Johns fue uno de los primeros representantes del Pop Art. Nació en Carolina del Sur y se mudó a Nueva York en 1952. Sus pinturas abandonan las expresiones emocionales de corta duración del expresionismo abstracto y crean un estilo "Neo-Dada" que utiliza formas pictóricas puras e incluso objetos reales de la vida para tratar con delicadeza temas realistas cotidianos. Este estilo jugó un papel decisivo en el desarrollo del Pop Art. Johns eligió la bandera estadounidense como único motivo de la pintura. Este motivo tiene un fuerte significado simbólico para el público estadounidense en general. "Ningún otro símbolo social tiene una resistencia tan poderosa a la transformación estética como la bandera estadounidense". Sin embargo, Johns insistió: "Esto no es una bandera". Esto recuerda a la pintura de una pipa de Magritte. : "Esto no es una pipa." De hecho, no era una pipa, sino simplemente una pintura. Probablemente esto es lo que Johns intenta decir aquí. En este cuadro, en realidad quería expresar el límite entre imagen y realidad. Aunque pintó las tres banderas con un alto grado de realismo, no parecen naturales. No tienen sensación de flotar ni de caer y parecen estar suspendidos en el aire. Se puede ver que están separados por una cierta distancia y espacio entre sí, pero no tienen conexión entre sí. Si todavía se sienten un poco conmovidos es que los colores rojo, blanco y azul de la bandera no son colores planos y únicos, sino que tienen un efecto ligeramente ondulado. Cabe preguntarse si el artista está pintando un retrato de estas tres banderas. Un retrato así sólo debe existir en la mente del artista. Por lo tanto, lo que representa esta pintura no es de ninguna manera una realidad real, sino sólo una realidad de fantasía. Cuando vimos esta pintura por primera vez, nunca imaginamos que le daría a la gente una sensación tan extraña.

"Marilyn Monroe", de Andy Warhol, 1967, grabado, 90x90 cm cada uno, Hiroshima, Colección del Museo de Arte Moderno.

Dentro del Pop Art, el pintor más influyente y representativo es Andy Warhol (1927-1986).

Es el fundador y principal defensor del movimiento Pop Art estadounidense. Se hizo famoso en 1962 por su exposición de "esculturas" de latas de sopa y jaboneras Brillo. Sus patrones de pintura son casi los mismos. Usó imágenes tomadas de medios de comunicación, como latas de sopa Campbell, botellas de Coca-Cola, billetes de un dólar, la Mona Lisa y la cabeza de Marilyn Monroe, como elementos básicos para ordenarlas repetidamente en la pintura. Intentó eliminar por completo el elemento manual en la creación artística. Todas sus obras se producen utilizando tecnología de serigrafía y la imagen se puede repetir innumerables veces, dándole a la imagen un efecto opaco único.

Acerca de su trabajo, Harold Rosenberg dijo una vez en tono de broma: "Las columnas aturdidas y repetidas de las latas de sopa Campbell son como un chiste sin humor contado una y otra vez. . " Prefiere la repetición y la reproducción. "He estado desayunando lo mismo durante veinte años", explicó. "Supongo que es lo mismo una y otra vez". Para él, no hay "original" en absoluto. Sus obras son todas copias. para reemplazar el estado de la obra original con innumerables copias. Eliminó deliberadamente el color de la personalidad y la emoción en sus pinturas y enumeró con calma las imágenes más comunes. Es famosa su frase: "Quiero ser una máquina", en marcado contraste con la declaración de Jackson Pollock de que "quería ser naturaleza". Sus pinturas, casi inexplicables, “despiertan una curiosidad ilimitada: un vacío ligeramente aterrador que debe llenarse con charlas y conversaciones. De hecho, las pinturas de Andy Warhol son únicas en su forma. La monotonía, el aburrimiento y la repetición transmiten un cierto sentimiento de indiferencia”. vacío y alienación, que expresa los sentimientos internos de las personas en la sociedad comercial y civilizada contemporánea altamente desarrollada.

La cabeza de Marilyn Monroe es uno de los motivos más preocupantes en las obras de Warhol. En el cuadro "Marilyn Monroe" pintado en 1967, el artista utilizó la cabeza de la desafortunada estrella de cine sexy de Hollywood como elemento básico del cuadro, disponiéndola repetidamente fila por fila. Los retratos sencillos, pulcros y monótonos de Monroe reflejan el vacío impotente y la confusión de la gente en la sociedad comercial moderna.

"Niña al piano", de Lichtenstein, 1963, óleo sobre lienzo, Nueva York, colección privada.

Roy Lichtenstein (1923-1) es famoso por sus imágenes parecidas a dibujos animados. Al igual que Andy Warhol, no sólo tenía preferencia por las cosas mundanas de la vida cotidiana y las imágenes vulgares de la sociedad comercializada moderna, sino que también le gustaba tratar estas imágenes de una manera impersonal y neutral. Para ellos, él no ataca las críticas ni las glorifica, sino que simplemente afirma: ésta es la ciudad en la que estamos, estas son las imágenes y símbolos que componen nuestras vidas. En 1961, comenzó a plasmar en sus grandes cuadros las imágenes más banales de las historietas. Le gustaba usar pintura al óleo o pintura acrílica para ampliar las tiras cómicas tal como estaban, e incluso se tomó la molestia de reproducir los puntos utilizados en el barato proceso de impresión en color. En cuanto a la exquisitez del cuadro y el rigor de su realización, su estilo pictórico parece muy clásico.

"La muchacha al piano" es una obra con características típicas del estilo pictórico de Lichtenstein. Todo el cuadro es una reproducción de una tira cómica, ampliada más de quinientas veces que el original. El pintor no sólo copió con precisión la composición y los personajes de la obra original, sino que también imitó cuidadosamente las pinceladas y los puntos de serigrafía del autor original. Tomó prestada la cuadrícula de aumento de los pintores publicitarios y transfirió los gráficos de la tira cómica de la cuadrícula pequeña a la cuadrícula grande del lienzo, cuadro por cuadro. También utilizó una placa de grabado de metal especial con bonitos agujeros perforados y dispuso grandes puntos regularmente en la enorme imagen, imitando deliberadamente los puntos en el proceso de impresión para mostrar la naturaleza del color ampliado de la cultura popular. Afirmó que este tipo de pintura no es una imitación mecánica, y el método de pintura es sólo por razones formales: "Creo que mis obras son diferentes de las caricaturas de los periódicos... Lo que hago es modelar, y las caricaturas de los periódicos se basan en mi interpretación.

Flow, de Riley, 1964, tablero, técnica mixta, 149,5x148,3 cm, recopilado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

OPArt, también conocido como "arte de ilusión visual" o "arte de efectos de luz", fue popular en la década de 1960. Este tipo de arte utiliza principalmente disposiciones especiales de líneas, formas y colores para provocar ilusiones visuales en las personas, de modo que las imágenes estáticas pueden producir un efecto dinámico deslumbrante y fluido. Tiene su origen en la tradición Bauhaus y utiliza los resultados de la investigación de la psicología Gestalt. Es un arte abstracto que está estrechamente relacionado con la percepción visual del espectador.

La sensación de luz, la ilusión y el movimiento del arte con efectos de luz se originan en las características dinámicas especiales de la propia imagen. Líneas, como la disposición regular de líneas verticales, líneas horizontales y curvas, formas, como la combinación periódica de círculos, cuadrados y rectángulos, así como la yuxtaposición, superposición, envolvente y degradado de colores, etc. aporta una estimulación especial a la retina. Confunde la percepción visual de las personas y provoca ilusiones de movimiento como parpadeo, radiación, rotación y cóncavo y convexo. Este tipo de errática visual puede incluso llevar al espectador a un estado de trance de inconsciencia. Se puede decir que es una especie de magia visual. Aunque sabemos que todo arte pictórico implica la brecha entre los hechos físicos y los efectos psicológicos, aquí todavía nos sorprende el efecto ilusorio de las ondulaciones en un plano estático.

La creación de cuadros con efectos de luz es un poco como un experimento científico sobre la visión y no tiene nada que ver con la emoción. Este tipo de pintura no se limita a la imagen en sí, sino que también requiere la participación del espectador. Sólo cuando la gente la mira puede ganar integridad y darse cuenta de su valor en la interacción con el espectador. De hecho, esta tendencia se remonta al impresionismo y al neoimpresionismo. Esos pintores hicieron todo lo posible para evitar mezclar pinturas, pero en lugar de eso dejaron que los colores primarios se yuxtapusieran en el lienzo. Cuando el espectador retrocede a una distancia adecuada, la gente siente el parpadeo de la luz debido al efecto compuesto único de la retina. Los pintores de efectos de luz llevaron esta técnica un paso más allá y la convirtieron en un tema y contenido de facto. El arte con efectos de luz puede despertar el interés de la gente. Se ha utilizado en diseño, decoración, publicidad y otros aspectos, y se ha convertido en una etiqueta popular. Los pintores representativos de efectos de luz incluyen a Victor Vasalelli y Bridget Riley.

Bridget Louise Riley (1931—) es una pintora británica creativa. Antes de 1960, pintó principalmente figuras y paisajes. Posteriormente se dedicó al arte de los efectos de la luz y creó una serie de obras muy dinámicas. "Flow" fue pintado en 1964 y es una de sus famosas series de pinturas en blanco y negro. La relación entre las líneas parece haber sido cuidadosamente calculada y dispuesta, creando un efecto de torsión y fluidez en la imagen. Cuando los ojos la miran fijamente, la imagen fluctúa continuamente y se crea la ilusión de "flujo".

"John", pintado por Close, 1971-1972, acrílico sobre lienzo, 254x228,6 cm, recopilado por Wildenstein Gallery, Nueva York. El fotorrealismo, también conocido como hiperrealismo, es un estilo artístico popular en la década de 1970. Se basa casi en su totalidad en fotografías, objetiva y claramente reproducidas sobre lienzo. Como dijo Chuck Close: "Mi objetivo principal es traducir el mensaje de la fotografía en el mensaje de la pintura". El sorprendente grado de realismo que logra es incluso mejor que el de una cámara.

Los pintores fotorrealistas no pintaban directamente del natural. A menudo usan una cámara para capturar la imagen deseada y luego copian la imagen en el lienzo paso a paso de acuerdo con la foto. A veces usaban un proyector de diapositivas para proyectar fotografías en una pantalla, creando una imagen mucho más grande y más precisa de lo que se podía ver a simple vista, y luego la trazaban exactamente como estaba. Los pintores también corrigieron algunos detalles poco claros del plano, manteniendo la misma verosimilitud y claridad. Una imagen tan meticulosamente precisa, en cierto sentido, se convierte en una provocación a las formas convencionales de observación de la gente.

Porque, en circunstancias normales, la percepción visual de las imágenes por parte de las personas no será tan meticulosa como para que no se pierda ningún detalle. Generalmente, debido a muchas influencias como la ocupación, las emociones, la personalidad, el pragmatismo, etc., los ojos responderán a las imágenes de forma selectiva. Algunas pueden obtener impresiones claras mediante una observación cuidadosa, mientras que otras pueden simplemente pasar de largo. Más o menos claro.

El realismo del fotorrealismo es casi irreal, pero su tratamiento claro de todos los detalles implica igualmente la distancia entre él y la realidad y la irrealidad debajo de la realidad. Además, los pintores fotorrealistas ocultaron deliberadamente todo rastro de personalidad, emoción y actitud, creando silenciosamente el aburrimiento y la indiferencia de la imagen. Debajo de esta indiferencia superficial, en realidad hay un cierto concepto de sociedad, que refleja la alienación e indiferencia espiritual y emocional entre las personas en la sociedad postindustrial.

Las obras fotorrealistas suelen tener un tamaño enorme, lo que aporta cierto impacto a la visión. Charles Bell (Chades Bell) cree que "cambiar enormemente las dimensiones de los objetos cotidianos nos permite entrar en su interior y explorar más fácilmente su superficie y estructura. Las pinturas a gran escala se producen de una manera única". Los pintores suelen dividir las fotografías en muchas cuadrículas pequeñas y luego las reproducen cuidadosamente pieza por pieza según la proporción. Obviamente, el efecto general de la imagen no se puede ver hasta que esté completa. El fotorrealismo tiene una amplia gama de temas, imágenes realistas y, sin excepción, abandona todos los factores subjetivos. A primera vista es una respuesta al realismo, pero en realidad es una cierta revelación de la sociedad contemporánea. Aquí el realismo se ha convertido en una técnica de arte moderno que va de la mano con la abstracción.

El surgimiento del fotorrealismo atrajo críticas y ataques imaginables. Con el apoyo de los marchantes de arte y el entusiasmo del público, se afianzó y se hizo famoso. Entre los pintores de este estilo, Close utilizó los retratos como su único tema, a Estes le gustaba pintar escenas callejeras urbanas, a Goins le interesaban las cafeterías y los restaurantes de comida rápida, Charles Bell dedicaba su energía a representar juguetes y Robert Bechtler estaba comprometido. a equilibrar la relación entre fotografía y pintura... Aunque no mucha gente se dedica a la pintura fotorrealista, su influencia es infinita y algunas personas todavía están interesadas en ella hoy en día.

Chuck Close (1940-1) es una figura representativa del fotorrealismo. Nació en Washington y estudió en la Universidad de Washington, la Universidad de Yale y la Academia de Bellas Artes de Viena. Cuando se dedicó a la creación expresionista abstracta en los primeros días, descubrió que sus obras eran iguales a las de otras personas y carecían de sus propias características. Para perseguir su propia visión y conceptos, recurrió a pintar personas y utilizó fotografías para pintar personas. Comenzó a pintar retratos en 1964, y dos años más tarde comenzó a pintar a partir de fotografías. Bromeó: "Todos los pintores expresionistas abstractos pintaban cuadros muy 'hermosos', así que usé el más tonto. Sus pinturas estaban pintadas con colores muy densos, así que solo usé blanco y negro y los pinté muy finos. Por supuesto, más tarde También usó el color. "Finalmente se encontró a sí mismo y se volvió diferente. Los sujetos que Cross pintó eran todos familiares y amigos que conocía. Entendía sus voces, sonrisas, personalidades y psicología. Sin embargo, en la pintura, los personajes no solo no tenían expresiones y no transmitían ninguna de sus propias características. Cross también borró sus propios sentimientos. Utiliza aerógrafos y gomas de borrar eléctricas en lugar de pinceles que podrían delatar su personalidad, haciendo que su trabajo sea laborioso y requiera mucho tiempo. "John" es una obra que creó a principios de la década de 1970. El retrato es realista y detallado. La piel, el cabello, los ojos, las gafas, etc. están representados con ricas texturas. Una escala tan grande y un realismo tan fuerte le darán a la gente la idea de que es tan real como "falso".