N maneras de abrir la danza moderna

N formas de abrirse a la danza moderna

La danza moderna no requiere “ver” para comprender, y diferentes personas deben tener diferentes sentimientos. A continuación se muestran n formas de abrirse a la danza moderna. Bienvenido a leer y aprender más.

No necesitas traer tu "cerebro" para ver danza moderna, simplemente trae tu "cuerpo" al teatro: mira con tus ojos, escucha con tus oídos y comprende en silencio.

En general, es relativamente fácil aceptar actuaciones con tramas o actuaciones deslumbrantes. Sin embargo, la danza moderna no se puede "ver" con los ojos, sino que debe dejar espacio a la imaginación, al igual que el espacio en blanco de las pinturas chinas. Cuando las luces se apagan y el escenario está despejado, los bailarines pasan una hora contando las palabras más secretas con el cuerpo. El público primero necesita quedarse quieto y utilizar todos sus medios sensoriales para llenar su imaginación. La danza moderna no requiere "ver" para comprender, y diferentes personas deben tener sentimientos diferentes. La ambigüedad de la interpretación es precisamente el valor estético de la danza moderna: hay muchas maneras de disfrutar la danza moderna, que son extremadamente personales y voluntarias. Sólo depende de cómo el público elija llegar.

Seguir o Nueva Exploración: Origen

En noviembre, cuando hay tantas actuaciones apretujadas, solo en la noche del día 7 nos enfrentamos a cuatro opciones: Cloud Gate "Come" "de Shanghai Drama Center, "Midsummer" de Shanghai Drama Center, "Winter Journey" de Lai Shengchuan y "Origin"; los tres primeros son bien recibidos. Este trabajo de Guangdong Modern Dance Company se anuncia como el "estreno mundial". Apuesta por esto.

Siempre he creído que la danza moderna no es para comprender ni pensar, y que requiere movilizar la imaginación para abrir los poros y absorberla plenamente. En mi mente, la palabra "primordial" siempre ha estado asociada con conexiones casi imaginarias con antiguas historias míticas como "Pangu creó el mundo", "Nuwa creó al hombre para reparar el cielo" y "Jingwei recuperó el mar". "Origin" comienza con un eje de bola que gira en sentido antihorario y que cae del cielo, ya sea un reloj girando o la Tierra girando, lo que de repente extiende el espacio escénico hacia la dimensión del tiempo. Lo interesante es el dispositivo de doble esfera que gira en sentido antihorario, lo que parece implicar el flujo del tiempo: volviendo al principio, todo lo que ha sucedido y lo que está sucediendo ahora están entrelazados, apareciendo en el mismo tiempo y espacio al mismo tiempo. - ser físicamente Durante el tiempo de pausa, la estructura espacial en sí misma todavía está cambiando.

El lenguaje corporal de los bailarines y la dirección de la música en sí no son información definitiva, sino más bien una liberación tras un descanso. "Antes del comienzo" y "después del final" se usan a menudo para hablar del drama y enfatizar el estado teatral que ya ocurrió y aún continúa. Se usa perfectamente en "El flujo de los cuerpos de los bailarines hace uno". sentir la realidad de que existen varios universos equilibrados.

En cuanto al vocabulario de la danza, el coreógrafo recurre a elementos de la danza clásica y la danza folclórica y los incorpora al mismo. La intervención del estilo clásico y la concepción artística zen hace que "Origin" persiga el simple retorno del movimiento corporal, pero aún contiene expresiones corporales como "Yunshou" y "Tai Chi". Siempre hace que la gente sienta que su estilo está dirigido intencionalmente o no. hacia Cloud Gate Dance Theatre está más cerca, lo que permite a la gente respirar la rica atmósfera de "Song of the Wanderer", "Nine Songs", "Pine Smoke" de Lin Hwai-min y otras obras. La primera sección de danza muestra tranquilamente el ritmo corporal de los antiguos con una atmósfera pura y alegre, y cada movimiento tiene el encanto del simple trabajo duro. A continuación, el bailarín realizó una secuencia de danza altamente confrontativa, con un fuerte sabor a conflicto y desgarro como la guerra. Finalmente, los doce bailarines se retiraron formando un círculo, estableciendo perfectamente un gran círculo de igualdad e indiferencia entre ellos. El ritmo, el ritual y la presencia fueron maravillosos, pero no pude evitar pensar en la última media hora de baile. "La Canción del Errante." La persona dibuja la parte redonda con arroz.

La creación musical del productor musical chino-estadounidense Li Daiguo está dentro del tema. Agrega sonidos naturales y ritmos étnicos al tono de la música electrónica, regresando a la naturaleza. En una sección, por encima del sonido del agua corriendo, podía escuchar vagamente el ruido de la gente susurrando, y mi mente se llenó de imágenes de nuestros antepasados ​​jugando y trabajando en las montañas.

El tema abstracto de "Origen", el sentido ritual de los movimientos, el estilo de disposición similar a Yunmen y la nacionalización del lenguaje corporal. El ligero descontento puede deberse a la aburrida experiencia visual del escenario, y no hay muchos cambios en la imagen. Eso sí, lo que el director se esfuerza por volver es la sencillez y la sinceridad, lo cual es comprensible.

Nunca había visto el trabajo anterior "Point Zero" del joven director del equipo formado por marido y mujer, Li Pianpian y Gao Yuanbo, pero después de escuchar la explicación en la charla posterior a la actuación, supe que el director persigue regresar al cuerpo mismo. mirando hacia el pasado y explorando el proceso de expresión del concepto. De cero a uno, es un proceso de mirar hacia adentro y mirar hacia atrás. La experiencia visual de 60 minutos en el cine es más como un espacio en blanco después de que la mente se ha despejado y no se puede explicar el significado completo del corazón.

¿Es necesario ser feliz en tu cumpleaños?

El 8 de noviembre, vi 4 espectáculos y 6 obras de danza moderna de diferente duración y duración de una sola vez, la experiencia de visualización en diferentes espacios y la presentación de diferentes estilos por parte de diferentes bailarines: abstracto y puro "Falling". "La manipulación y caída de "Self-Portrait", el empalme de diversos "Lai Lai Dance Hall", la ambigüedad y persecución de "Night Run", la competencia y confrontación del divertido hip-hop "Earth's Cannon", el sombrío y extraño "Tierra · "Shock", presentando de manera diversa las siguientes y nuevas creaciones elegidas por diferentes creadores. Entre ellos, la Compañía de Danza Moderna Leidong Tianxia de Beijing presentó la obra "Earthquake" del famoso coreógrafo Yang Wei. Su expresión desenfrenada de emociones, rarezas visuales y empalmes, y colisión y confrontación entre extremidades rompieron toda la experiencia técnica pasada del coreógrafo Yang Wei. . "Lai Lai Dance Hall" del joven coreógrafo He Qiwo también es muy poderoso, lleno de imaginación y tensión emocional inherente en el uso del video y el espacio para cortar y pegar. Al igual que la danza moderna, estas obras prestan más atención a la expresión personalizada y se dedican a explorar técnicas especulativas y físicas para alcanzar el nivel técnico o connotativo último o puro.

Como danza contemporánea que absorbe el vocabulario del ballet, la danza moderna occidental y la danza folclórica, coincide fácilmente con las necesidades de entretenimiento de la mayoría de las personas. En comparación, está más de moda, más convencional y más popular que. danza moderna de. Danza contemporánea "¿Feliz cumpleaños?" "Ya sea que se trate de escenografía, expresión emocional, lenguaje corporal o sentidos visuales, es más "accesible" que "Earthquake" y "Original". Rompiendo las restricciones de los tipos de danza en el diseño de danza, no es necesario ser rígido, sino utilizar una variedad de métodos de expresión para cumplir el propósito de dar forma a los personajes y expresar emociones. Los globos negros que caen del cielo después de la fiesta de cumpleaños y la adición de varias piezas de música pop de cortar y pegar son visualmente ricas pero no abarrotadas, y el sentido auditivo es agradable pero no vulgar.

¿Es necesario tener un feliz cumpleaños? Esta es la Compañía de Danza Contemporánea de la Ciudad de Hong Kong interpretando la danza contemporánea "¿Feliz cumpleaños?" "La pregunta dada" son también los sentimientos y pensamientos derivados del escritor y director Pang Zhiyun cuando recordó su cumpleaños hace cinco años: cuando celebramos los cumpleaños todos los años y celebramos cuando crecemos un año, en realidad estamos más cerca de La muerte, un paso más hacia el final de la vida: tal vez sea un pensamiento pesimista, pero entre la colorida fiesta de cumpleaños y los sentimientos internos de caer en el valle más oscuro, debo admitir sin palabras que esto ocurre a menudo en la vida diaria.

Danza contemporánea "¿Feliz Cumpleaños?" "Con reminiscencias de la danza contemporánea "¡Bailemos juntos!" lanzada por el Grupo de Danza y Canción de Shanghai en 2013, que enfrenta directamente las condiciones de vida y el mundo emocional de la población urbana. En ese momento, el director Tong Ruirui dijo en la charla posterior a la actuación: He hecho demasiadas obras que son demasiado pesadas y demasiado grandes, y a menudo estoy limitado por reglas y regulaciones. Tengo muchas ganas de deshacerme de ellas y hacer. Un drama sencillo y alegre. Además, las creaciones anteriores parecían ser inseparables de la muerte, ya fuera la supervivencia de la nación o los desastres naturales. Esta vez, quiero hablar especialmente sobre cómo vivir.

¿Feliz cumpleaños? ¡Feliz cumpleaños!

El ritmo del cuerpo en sí es música

"Tu Tu" de Hou Ying, aunque esta obra no tiene la experiencia visual que aportaban los ricos colores cuando se creó por primera vez hace unos años. Hace años, todavía no decepcionó. Durante 70 minutos, usa tu cuerpo para expresar tu historia interior, girando, saltando, cayendo y levantándote. El "Tu Tu" original era colorido. Cuando esta obra apareció por primera vez en la Semana de Danza Moderna de Guangdong en 2009, no tenía el tono gris y negro que se ve hoy en el escenario. Los bailarines se pintaban a sí mismos en varios colores de rojo, amarillo y azul, y cuando sus extremidades se entrelazaban, los colores de sus cuerpos se extendían a los demás. Después de la actuación, el suelo se llenó de color y todo el escenario se llenó de color. El primer "Tu" en "Tu Tu" es el "Tu" del embadurnamiento, y la segunda "Imagen" es la "Imagen" de un mapa. Después de una actuación, todo el mapa parece estar cubierto de color.

Según Hou Ying, la creación de "Tu Tu" tardó seis o siete años, y el borrador fue modificado varias veces para describir con mayor precisión las emociones que más quería expresar. Ha pasado el tiempo, su corazón ha cambiado y sus sentimientos también han cambiado. Ahora esta obra está llena de color para ella, pero también es gris. Para Hou Ying en este momento, ningún color puede expresar su comprensión. Para ella, el gris puede ser un color más rico.

La creatividad y la disposición de esta obra recuerdan fácilmente a las obras "0-12" y "Connection Transformation" que Shen Wei trajo al Festival Internacional de Arte de Shanghai el año pasado. Durante los últimos diez años, Shen Wei ha publicado continuamente importantes obras originales, desarrollando así un sistema técnico único llamado "Desarrollo Natural del Cuerpo". Su lenguaje de danza se basa en el estudio de las trayectorias del movimiento del cuerpo humano, integrando al mismo tiempo una gran cantidad de elementos mediáticos. , incluyendo pintura, sonido, escultura, teatro, vídeo, etc. O tal vez Hou Ying, quien alguna vez fue el mejor bailarín de la Compañía de Danza Shen Wei, tiene una profunda afinidad con Shen Wei en términos de lenguaje corporal y técnicas de coreografía; o tal vez Hou Ying, como Shen Wei, tiene una pasión única por la pintura. Zhong, que tiene un fuerte sentido del color, utiliza el método de pintura corporal del bailarín para crear sus obras.

Hou Ying, que llegó a Nueva York procedente de la Compañía de Danza Moderna de Guangdong, ha dominado la integración de técnicas de danza orientales y occidentales a lo largo de los años, lo que queda plenamente demostrado en "Tu Tu", que utiliza principalmente danza pura. movimientos corporales para expresar la vida humana y la relación entre el tiempo y el espacio, y la percepción del universo. Hay varios períodos sin música, lo que se deriva de la opinión de Wegmann, el pionero de la danza moderna a quien admira, de que "la danza moderna debe estar divorciada de la música". La danza moderna pretende romper con la tradición, romper cosas en lugar de heredarlas. Tradicionalmente hablando, la danza está ligada a la música y la danza expresa la emoción de la música más que la emoción de la danza en sí. Como resultado, la fuerte intervención de la música eclipsó las emociones que debieron expresarse físicamente. Por eso, cuando no hay música, la vitalidad de la danza se hace más fuerte. En cierto sentido, el ritmo del cuerpo es música en sí mismo.

Las fronteras ya no existen

Para la danza moderna, y por extensión, para todo el arte contemporáneo, debemos tener este entendimiento: lo que dice el autor es lo mismo, Cómo es la obra. presentado también es una cosa. Después de ver la obra "Ghost" del German Kitschy Park Theatre, mi mente se abrió. ¿Es una danza moderna? ¿Estás seguro de que no es un documental en vivo? Comentarios de texto en vivo, actores entrando y saliendo, percusión tradicional china, representaciones acrobáticas, instalaciones de video, cantos en vivo y presentaciones de danza son medios y medios extremadamente deslumbrantes que llenan la experiencia audiovisual de todos en el teatro. Ya sea drama social, danza moderna o documental, esta clasificación no importa. Después de ver más colaboraciones transfronterizas entre artes escénicas e instalaciones en la Semana de la Danza Moderna, de repente sentí que la puerta al teatro estaba completamente abierta, que los límites de las categorías artísticas ya no existían y que las fronteras transfronterizas estaban por todas partes.

"Ghost" reflexiona sobre la situación actual de los trabajadores de clase baja que son consumidos y explotados en la era del rápido desarrollo del capital.

Narra la amargura y el dilema de supervivencia de los chinos. Acróbatas, con algunos puntos. No hay nada de malo en el tono feo. Los acróbatas olvidados son como "fantasmas" y sus vidas son difíciles de proteger en una profesión de alto riesgo. No puedo evitar pensar en el gremio de mi unidad, que de vez en cuando pide a todos que hagan donaciones para los heridos. acróbatas en el mismo sistema. Se trata de una obra fácil de entender, pero difícil de definir. Durante este período, cuando veía las maravillosas actuaciones acrobáticas, inconscientemente siempre quería aplaudir, pero descubrí que el público crítico y tranquilo que me rodeaba estaba acostumbrado al silencio y la retirada. La atmósfera teatral paradójica y fría contrasta con la crítica y exposición del tema de la obra.

La directora Constanza Makras utiliza la difícil situación de varios acróbatas chinos para explorar las condiciones de vida de "esas personas desconocidas que han dado mucho pero no han ganado nada" en la actual era de expansión del capital. El trabajo posiciona a los acróbatas como "un grupo ampliamente conocido en China pero considerado inferior", y explora el destino de acróbatas de base desconocidos y su "existencia aislada" en la era actual de prosperidad económica de China.

El director presentó la historia de "The Peony Pavilion", la recitación del "Diario de un loco" de Lu Xun y los clips de baile de Nie Xiaoqian, así como "Liao Zhai" de Pu Songling y la prohibición de las "obras de fantasmas" en óperas tradicionales de los años 60. Todas ellas pretenden destacar ante el público: el director subraya constantemente lo cercanos que están los acróbatas de base a la imagen del "fantasma hambriento" de las leyendas de fantasmas chinas. Por supuesto, la historia del tío sigue siendo muy conmovedora. ¿Qué tipo de situación enfrentan las clases sociales que no han podido beneficiarse del crecimiento económico de China? Vale la pena pensarlo y merecer nuestra simpatía. ¿Pero esta gente de base que está "aislada" en la sociedad vuelve a ser "consumida" en el teatro a través de "Ghost"? ¿Criticar los problemas sociales chinos contemporáneos desde esta perspectiva no es otro tipo de "kitsch"?

Israel: Garantía de calidad de la danza moderna

Entre las obras de varios grupos famosos en el Gran Teatro, "The House in the Dust" tiene la mejor asistencia y reputación. Por supuesto, Israel. siempre ha sido una garantía de la calidad de la danza moderna, sin mencionar las obras traídas por la Compañía Israelí de Danza Flathead fundada por Yinba Pinto y Odrompo Locke en 1992. Los amantes de la danza moderna definitivamente acudirán en masa.

Todo el baile comenzó con un cortometraje estilo caricatura francesa. El video en blanco y negro presentó al público una ciudad inundada, llena de poesía y tristeza, pero también apocalíptica. Historia del Arca de Noé. Había cinco bailarines vestidos de blanco y cinco juegos de mesas y sillas en el escenario. Había un hombre vestido de negro escondido en la pila de papeles en la esquina. Luego, se abrió la puerta en la pared de color amarillo limón brillante y apareció una puerta azul. Entró un hombre con miembros débiles. Bailarina. Es como si el pacífico mundo interior de una persona común se hubiera abierto y el ruido y el ruido del exterior entraran en los corazones de la casa o de las personas a través de la apertura de la puerta. Luego, los cinco bailarines blancos en la sala/nuestras creencias muy firmes o curiosidad por el mundo exterior salieron juntos, cada uno de ellos enredado y atado entre sí.

En mi opinión: el hombre de azul, el hombre de negro y el hombre de blanco son como la conciencia, el preconsciente y el subconsciente en la teoría de la personalidad de Freud, o el ello y el subconsciente en la teoría de la personalidad. Tres partes: yo y superyó. El hombre de blanco es el ello, que es primitivo e innato, y contiene algunos impulsos instintivos más cercanos a las bestias en la naturaleza humana; el hombre de azul es el ego, lo que significa actuar de acuerdo con el principio de realidad del hombre; El negro es el superyó, que representa la Conciencia, el ideal del yo. El hombre impotente de azul es un ejemplo típico de incapacidad para hacer frente a la realidad, el hombre de blanco tiene varios instintos y el hombre de negro guarda silenciosamente lo más profundo de su corazón. Cuando la realidad es impotente y el instinto está sumido en el caos, el hombre de negro parte de un trozo de papel blanco del que no puede liberarse y se adentra en el debate entre el bien y el mal, quedando poco a poco cubierto por el papel blanco. El hombre de azul pierde su poder en realidad. La silla en la que no puede pararse parece ser la exteriorización de su corazón, y la secuencia de baile de caminar sobre la mesa sosteniendo una caña de bambú es en realidad la última lucha de una persona que tiene. perdió el control de su corazón. Finalmente, la gente de blanco levantó cañas de bambú, formó un cuadrado alrededor de la gente de negro y azul y construyó una casa, que parecía presagiar el regreso y la unidad de los tres "yoes".

La experiencia visual de esta performance es muy rica y satisfactoria, desde videos proyectados, mesas que se pueden abrir y mucho papel, hasta animaciones hechas a mano, sillas inestables, no solo el uso de un solo bambú. pole Es tan inteligente que al final incluso se puede combinar para construir una casa. El uso de cada accesorio es muy brillante, pero lo más encomiable es que el propósito del uso de accesorios es profundizar el tema y ayudar a la actuación. en lugar de simplemente acumular el formulario. La animación de manivela es un dispositivo que aparece cuando la mesa principal se inclina hacia abajo y el escritorio se abre. Cuando los tres hombres de blanco giran el dispositivo, aparece una imagen significativa de las tres personas siendo constantemente distorsionadas, eliminadas y engañadas. Cuando la bailarina vestida de blanco expresa una situación triste, se pintan lágrimas en el papel de pergamino que se despliega constantemente, que es vívido y divertido.

Lo que hace que la gente se mueva y aplauda es, por supuesto, indispensable para el súper control de los bailarines sobre sus cuerpos y la suavidad de la coreografía entre las secciones de baile. Según el director en la charla posterior a la actuación, la apariencia corporal del hombre de azul es en realidad la apariencia de fuerzas opuestas que actúan sobre el cuerpo: si el centro de gravedad está hacia adelante pero el movimiento es hacia atrás, si el movimiento es hacia arriba, el centro de gravedad está hacia abajo. Uno de los segmentos de baile del bailarín de pelo corto y vestido de blanco es tan ligero que hace que la gente sienta como si las plumas giraran y flotaran en el aire.

Lo que es más interesante es que el folleto dice: “Esta obra utiliza la danza para interpretar el estado cambiante del polvo, que simboliza los altibajos de la vida. El polvo es una sustancia finamente molida que a veces no se puede describir. y a veces invisibles, giraremos, flotaremos en el aire, caeremos al suelo y luego giraremos y volaremos de nuevo, como polvo, nos perderemos, nos disolveremos, nos uniremos y nos dividiremos, nos encontraremos y luego nos separaremos de nuevo. Las cosas que están hechas se pueden romper fácilmente y luego hay que empezar de cero. "Sin embargo, ese día realmente no vi ningún rastro de polvo, ni vi la forma de las extremidades de los bailarines. En cambio, sentí que los bailarines de adentro bailaban de diferentes maneras. Lo que se presenta en este párrafo es que "la vida es como ser humilde en el polvo", y el estado de existencia desesperada de la vida es como hierba y hierba. Durante la charla posterior a la visualización, escuché al director hablar sobre su concepto y sentí que no se trataba del tema del polvo, así que realmente no sé si hubo una desviación en la traducción al chino o si la obra ¿Cambió cuando vine a Guangzhou para la actuación, o si lo entendí mal? No importa, de todos modos la respuesta está en el corazón de todos.

Teatro físico: ¿danza, acrobacia o teatro?

"Afa's Workplace Notes" puede considerarse una obra relativamente fácil de entender en la semana de la danza moderna y el ambiente teatral es bastante animado. La clave es que es muy específico y exagerado. Subvierte la comprensión de la danza moderna y puede estar más cerca de ella. En el teatro de caja negra se colocaron dos altos tubos de acero como postes para trepar, así como un montón de piedras de diferentes tamaños y tres tronas blancas. Cinco guapos bailarines con traje y corbata saltaron al teatro. El cantante que saltó de la actuación de acompañamiento trajo al público una imagen de la vida laboral moderna: compitiendo entre sí, soportando fuertes presiones, superando obstáculos, luchando entre sí, formando camarillas por intereses egoístas y el acoso colectivo. Algunas personas continuaron sonriendo. Después de ser acosados, algunas personas no pueden soportar la fuerte presión y eligen escapar, mientras que otras rompen los límites pero trabajan juntas: diferentes situaciones y conflictos se transforman en los diferentes movimientos corporales de los cinco hombres guapos, integrando diferentes características de movimiento como como hip-hop, baile callejero y baile flamenco, combinado con el uso flexible de accesorios como piedras, postes y sillas altas, y la sutil coordinación del tarareo en vivo de voces humanas, es bastante emocionante.

Se puede decir que es acrobacia porque la obra contiene una gran cantidad de movimientos corporales trepadores y superpuestos, e incluso habilidades comunes del baile callejero como volteretas y paradas de manos. Se puede decir que es danza porque es; Debajo, la coreógrafa Pia Müssen coreografió cuidadosamente tríos y pas de deux muy suaves y coherentes. Pusieron bajo el microscopio el lenguaje corporal de los profesionales en el lugar de trabajo, revelando en muchos lugares el estilo de pisar y bailar. baile flamenco Los movimientos añadidos casualmente, como tirar de los hombros y empujar el pecho, son muy adecuados para la perspectiva mental de los trabajadores. Se dice que es un drama, a excepción de las líneas de algunos personajes, las distintas demostraciones de diferentes situaciones y los personajes. interpretados por diferentes bailarines tienen personalidades distintas y son exagerados. Con el consuelo de la ironía, revela las diferentes dinámicas psicológicas y el deseo de controlar el poder y la voz de cada uno.

Entre ellos, el bajito fue colocado en tres sillas altas por sus colegas después de experimentar una tremenda presión. No solo se burlaron de él y le quitaron la silla del medio, lo que hizo que su cuerpo colgara en el aire, sino que también lo hicieron. Se desnudó. Se abrió la ropa y se quitó los pantalones, e incluso experimentó la tortura de que le arrancaran el vello del pecho y lo azotaran. Sin embargo, cuando se levantó de la silla y se enfrentó a las risas locas y desenfrenadas de los bromistas que lo rodeaban, él fue el primero. Se arregló la ropa en silencio y luego lentamente. Comenzó con una risa forzada, y luego la risa se convirtió en una burla de sí mismo, volviéndose neurótica y sin escrúpulos: una tensión dramática que conmocionó profundamente a la audiencia que había experimentado la presión en el lugar de trabajo y la política de la oficina.

El diseño de la bella cantante parece añadir un narrador y observador a toda la obra, llevando al público a entrar y salir, mientras ajusta el ritmo de la obra con efectos vocales o hermosas interpretaciones de canciones clásicas.

Las piedras sirven hábilmente como metáforas de las dificultades, los obstáculos y la presión en el trabajo, y también son la fuente de efectos de sonido en el lugar para que los bailarines los golpeen. Los tubos de acero se utilizan como accesorios para que los bailarines trepen, mostrando diferentes estados de competencia, tratando; Y la lucha, así como para La creación de situaciones como caer desde picos y elegir escapar brinda la posibilidad de expansión del espacio. En términos generales, el movimiento horizontal del espacio de danza requiere más trucos. y el espacio vertical hacia abajo puede considerarse como único. tres blancos La silla alta, o símbolo de poder, juega un muy buen papel al apoyar las imágenes del escenario y los movimientos de danza cada vez que aparece individual o colectivamente.

Después de ver las obras abstractas de danza moderna en la Semana de la Danza Moderna que estaban desmotivadas y basadas en historias, sin darme cuenta volví a pensar en una pregunta que se presentó repetidamente en el Festival de Teatro de Wuzhen: entre lo que está por venir y lo que está por venir. ¿Qué ha pasado ya? En la “era del teatro” en la que hemos entrado, ¿el arte en todos los espacios estará necesariamente despojado de tramas y situaciones? ¿Se pueden llamar esas formas e imaginaciones historias o temas en sí mismos? Quizás, no existe una forma de expresión precisa y eficaz en la danza moderna o el arte contemporáneo, y todos los caminos conducen a Roma. Quizás este pasaje del director artístico de Cloud Gate Dance Theatre 2, Zheng Zonglong, pueda traer algo de inspiración:

"Te sientes cómodo siendo arrastrado por una ráfaga de viento, pero ¿te preguntas si entiendes el viento? Ve a la naturaleza, No te preguntas si entiendes la naturaleza. Lo que la gente obtiene del arte son sentimientos. Mientras cruces la línea de no poder comprender, sentirás todo lo que ves.”;